Vol de fantaisie... En route pour le Sabbot (1927)
de William Mortensen (États-Unis, 1897-1965)

Lors de l’appel des pionniers de la photographie moderne, un seul nom n’est jamais évoqué. De la fin des années 1920 aux années 1950, William Mortensen était l’un des photographes les plus célèbres et les plus célébrés d’Amérique. Cependant, son sujet – qui virait vers le sauvage, l'inconvenant, le gothique et le grotesque – ainsi que son utilisation du montage et de l'illustration, ont fait de lui un paria parmi la nouvelle garde puritaine de la photographie, dirigée par Ansel Adams , qui a tenté de l'écrire. hors de l'histoire, et l'a même appelé "L'Antéchrist".

Les méthodes de Mortensen rendaient souvent difficile de distinguer si les résultats étaient des photographies ou non. Il a utilisé des techniques de gravure traditionnelles, telles que le bromoiling, et a développé plusieurs de ses propres techniques. Il créait des images composites, grattait, grattait et dessinait sur ses impressions, puis appliquait une texture qui les faisait ressembler à des gravures, masquant ainsi ses manipulations. Par conséquent, chaque tirage était unique. En fin de compte, le but de Mortensen était de créer quelque chose qui, à toutes fins utiles, ressemblait à une photographie, mais qui représentait des scènes si fantastiques qu'elles provoquaient l'émerveillement et l'étonnement du spectateur.

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Sorcière chevauchant une chauve-souris (1916)
par Ida Rentoul Outhwaite (Australie, 1888-1960)

Ida Rentoul Outhwaite était une illustratrice australienne de livres pour enfants, dont le travail représentait principalement des créatures magiques telles que des elfes et des fées. Bien avant que les contes de fées modernes ne voient Anna et Elsa de Frozen couronnées icônes féministes inattendues, elle célébrait le pouvoir du féminin de manière subtile. Les dessins sont souvent très intenses sur le plan émotionnel, représentant une fée ou une enfant féminine flottant au-dessus d’un paysage rocheux ou d’une mer profonde effrayante, sans peur.

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"The Castle Rising Sisters" (alias "Welsh Witches' Tea Party")
Photographie de Unknown (Angleterre)

Cette photographie est communément intitulée « Tea Party des sorcières galloises », mais les sujets ne sont pas des sorcières, ni des Gallois. Ils posent au Trinity Hospital, Castle Rising à Northampton, en Angleterre. Trinity Hospital, Castle Rising était un hospice caritatif, un lieu de résidence pour les femmes pauvres célibataires (ou veuves) de plus de 56 ans.

Les exigences initiales (vers 1600) étaient les suivantes : « Ils doivent être d'une vie et d'une conversation honnêtes, religieux, sérieux et discrets, capables de lire, s'il en existe une, une femme célibataire, sa place d'être nulle au mariage, d'être de 56 ans au moins, pas de mendiant ordinaire, de prostituée, de grondeuse, d'ivrogne, de hanteur de tavernes, d'auberges et de brasseries.

Les résidents de l'hôpital Trinity ont été invités à se rendre à la prière trois fois par jour pour réciter le Notre Père, le Credo et une prière ordonnée par le Fondateur pour lui-même et sa noble famille.

Avance rapide jusqu’à nos jours et les critères de cette association caritative ne sont pas aussi stricts. La seule condition d'éligibilité concerne les femmes célibataires des paroisses de Castle Rising, North Wootton et Roydon qui se trouvent dans une situation financière réduite. Il n'y a pas non plus de code vestimentaire de nos jours, mais les habitants sont très fiers de s'habiller avec « l'uniforme » (comme sur la photo) fourni par Henry Howard, comte de Northampton pour des occasions spéciales telles que la Journée des Fondateurs.

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Meteoric Shower of Nov. 13, 1833 (1889)
by Adolf Vollmy
Swiss

This engraving by Swiss artist Adolf Vellmy depicts a significant event in astronomical history: the 1833 Leonid meteor shower. This celestial phenomenon captivated observers worldwide as it unfolded during the early hours of November 13. Hundreds of thousands of meteors streaked across the night sky, leaving an indelible impression on those fortunate enough to witness it. It was the first recorded meteor storm of modern times. 

Please Note: The original image for this artwork is small and low resolution. We've applied cutting-edge upscaling software to enhance its sharpness across all sizes. However, some details might still appear less sharp upon close inspection.

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"Chiroptères" [Chauves-souris vampires] (1904)
planche 67 de Kunstformen der Natur par Ernst Haeckel

Ernst Haeckel (1834-1919) était un zoologiste et naturaliste allemand qui a décrit et nommé des milliers de nouvelles espèces et créé de nombreux termes utilisés aujourd'hui en biologie. Son travail de plus d'une centaine d'illustrations d'animaux et de créatures marines, Kunstformen der Natur (« Formes d'art dans la nature »), allait influencer le mouvement artistique Art Nouveau.

Cette assiette Chiroptera représente les structures faciales uniques de diverses espèces de chauves-souris à nez feuille, la famille des chauves-souris qui comprend les chauves-souris vampires.

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Safo (1881)
de Miguel Carbonell Selva (Espagne, 1854-1896)

Dans un tableau intitulé Safo, on voit la figure de Sappho au moment où elle est sur le point de sauter vers la mort, se jetant dans la mer depuis les hauteurs de Leukas.

Sappho était un célèbre poète grec de l'île de Lesbos qui vécut vers 2000. 630 – vers. 570 avant JC. Elle est parfois appelée la « Dixième Muse » parce que ses capacités à jouer de la musique et à écrire de la poésie étaient légendaires. Une histoire intrigante sur sa mort circule depuis des millénaires, mais il n’existe aucune preuve de sa véracité. L'histoire raconte que Sappho s'est jetée des falaises de l'île grecque de Leucadia à cause de son amour pour Phaon, un passeur.

Certains chercheurs pensent que Sappho était lesbienne et que de nombreux poèmes de Sappho peuvent être interprétés comme homoérotiques. En effet, l'adjectif « saphique » peut faire référence à un certain type de poésie lyrique ou au lesbianisme (ie : une relation saphique).

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La Femme Chauve-Souris (1890)
Albert Joseph Pénot (France, 1862-1930)

Albert Joseph Pénot était un peintre français connu pour ses nus féminins et ses paysages. Aujourd'hui, il est plus populairement et spécifiquement reconnu pour un sous-ensemble de peintures centrées sur des femmes aux thèmes plus sombres et plus macabres.

Pénot se souciait avant tout de représentations anatomiquement exactes des femmes. Les formes féminines singulières étaient au centre de son travail, alors que les mondes qui entourent ses personnages sont rarement réalisés au-delà des atmosphères brumeuses et des taches d'ombre et de lumière. Les environnements sont accessoires et sont généralement enveloppés de brume, donnant une priorité explicite aux personnages eux-mêmes.

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Lilith (1889)
par John Collier (Angleterre, 1850-1934)

L'apparente douceur de cette œuvre de John Collier, peintre préraphaélite, est un merveilleux témoignage des deux faces de la figure de Lilith. Jonglant entre les images de sensualité, de beauté et celle d'une meurtrière froide, Collier est l'une des artistes qui ont transformé son image. De la déesse assyrio-babylonienne, connue plus tard comme la première femme de la mythologie juive, Lilith se transforme peu à peu en une icône puissante.

Les couleurs contrastées du tableau, et sa palette chaleureuse, rehaussent encore davantage l’atmosphère qui se dégage de l’œuvre. Cette utilisation des couleurs, chez Lilith comme dans les autres portraits de Collier, lui vaut une certaine reconnaissance de la part de ses contemporains. Considérée comme solennelle, son œuvre offre pourtant une maîtrise évidente des tons et de la lumière.

Finalement, la figure de Lilith évolue progressivement de la dangereuse démone dépeinte par les écrits religieux à un symbole de sensualité, mais aussi de féminisme. Par son aspect d'égale à Adam, dont elle ne dépend pas, la succube devient une icône féministe, en parfaite opposition avec la figure d'Eve. De nombreuses figures féminines historiques et mythologiques puissantes, parfois redoutées, sont associées aux serpents. Il s'agit notamment de Cléopâtre et de Méduse, dont l'association avec les serpents les rend désirées, sensuelles ou monstrueuses.

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"Cercle de femmes dansant"
par Inconnu

Cette captivante photographie vintage en noir et blanc représente des jeunes femmes dansant en cercle à l'extérieur, peut-être dans le cadre d'un festival du 1er mai (Beltane).

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Départ pour le Sabbat (1910)
de Albert Joseph Pénot (France, 1862-1930)

Albert Joseph Pénot (28 février 1862-16 octobre 1930) était un peintre français connu pour ses nus féminins et ses paysages. Aujourd'hui, il est plus populairement et spécifiquement reconnu pour un sous-ensemble de peintures centrées sur des femmes aux thèmes plus sombres et plus macabres.

Pénot se souciait avant tout de représentations anatomiquement exactes des femmes. Les formes féminines singulières étaient au centre de son travail, alors que les mondes qui entourent ses personnages sont rarement réalisés au-delà des atmosphères brumeuses et des taches d'ombre et de lumière. Les environnements sont accessoires et sont généralement enveloppés de brume, donnant une priorité explicite aux personnages eux-mêmes.

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Fée chevauchant une chauve-souris (1921)
par Ida Rentoul Outhwaite (Australie, 1888-1960)

Ida Rentoul Outhwaite était une illustratrice australienne de livres pour enfants, dont le travail représentait principalement des créatures magiques telles que des elfes et des fées. Bien avant que les contes de fées modernes ne voient Anna et Elsa de Frozen couronnées icônes féministes inattendues, elle célébrait le pouvoir du féminin de manière subtile. Les dessins sont souvent très intenses sur le plan émotionnel, représentant une fée ou une enfant féminine flottant au-dessus d’un paysage rocheux ou d’une mer profonde effrayante, sans peur.

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La destruction du Léviathan (1866)
Gravure de Gustave Doré (France, 1832-1883)

La destruction du Léviathan est basée sur l'histoire biblique du Léviathan référencée dans le livre de Job. Le Léviathan est décrit comme un serpent géant cracheur de feu si terrifiant que sa simple vue rendrait les hommes fous. Le livre d’Isaïe dit plus tard que le jour du jugement dernier, Dieu tuera le serpent.

Le visage du serpent s'inspire probablement des représentations du grand serpent de Midgard dans les contes nordiques, et la scène de bataille elle-même était basée sur le Rig Veda, où Indra tue Vritra (le premier-né des dragons) avec un coup de foudre.

La destruction du Léviathan représente l'abolition des ténèbres et de la folie. Dans cette œuvre, Gustave utilise sa représentation de la créature pour montrer les ressemblances avec des créatures terribles décrites dans d'autres religions afin de mettre en valeur sa philosophie d'unification personnelle.

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Hypnose (1904)
de Sascha Schneider (Allemagne, 1870-1927)

Sascha Schneider a créé diverses peintures et lithographies d'hommes nus qui ont contribué à transformer l'homme érotisé en une image publique omniprésente pendant un bref instant de l'histoire de l'Allemagne. Schneider a opéré pendant une période inhabituelle de l'histoire allemande connue sous le nom de Mouvement pour la santé et l'hygiène, ou Freikörperkultur. Considéré comme une réponse à l'industrialisation en plein essor des XVIIIe et XIXe siècles, le mouvement prônait un retour à l'exercice traditionnel et à un mode de vie sain, impliquant une pléthore d'efforts naturels et, entre autres, la nudité.

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Mère Champignon et ses enfants (1900)
par Edward Okun (Pologne, 1872-1945)

Edward Okuń était un peintre, dessinateur et illustrateur, représentant du mouvement symboliste dans l'art de la période de la Jeune Pologne. Il était connu pour peindre des scènes fantastiques basées sur les endroits qu'il avait visités.Mère Champignon et ses enfantsest une illustration d'une jeune mère regardant avec lassitude ses enfants champignons. L'illustration a été initialement publiée sous le titre "Là où les hêtres se lèvent" dans l'influent magazine d'art allemand Jugend.

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"La reine vampire" [Marie Schleinzer en costume de chauve-souris] (1896)
Photographie de l'Atelier Adele Studio (Autriche, 1862-1905)

L'actrice autrichienne Marie Schleinzer en costume pour le ballet « Autour de Vienne » (« Rund um Wien »). Schleinzer y joue la force allégorique du mal. Ceci fait partie d'une série de photographies publiées dans la revue photographique autrichienne Photographische Correspondenz.

Le studio de photographie appartenait à Adele Perlmutter-Heilperin et à ses deux frères, Max et William Perlmutter, qui fondèrent l'Atelier Adele en 1862. Adele fut la première et la seule femme "kuk Hofphotograph" de la monarchie austro-hongroise à Vienne et était célèbre pour sa capacité à photographier les femmes.

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Grenouille (1814)
par Matsumoto Hoji (Japon, actif 1770-1815)

Cette estampe simple mais amusante de l'artiste japonais Hoji est une estampe sur bois de "Meika Gafu", 1814, et montre la grenouille au visage triste à l'encre noire sous une calligraphie rouge. Les crapauds et les grenouilles étaient des motifs courants dans les « Zenga » ou « images zen » pendant la période japonaise d'Edo, car les moines zen les considéraient comme des créatures libres de la distraction du monde banal et représentant une vie pure et naturelle.

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Hylas et les nymphes (1896)
par John William Waterhouse (Angleterre, 1849-1917)

La peinture représente un moment de la légende grecque et romaine du jeune Hylas tragique, basée sur les récits d'Ovide et d'autres écrivains anciens, dans lesquels Hylas ravi est enlevé par des Naïades (nymphes des eaux) alors qu'il cherchait de l'eau potable.

Hylas, un jeune homme en costume classique, vêtu d'une tunique bleue avec une ceinture rouge et portant une cruche d'eau à large col. Il se penche au bord d'un étang dans une clairière au feuillage vert luxuriant, tendant la main vers sept jeunes femmes, les nymphes des eaux, qui émergent de l'étang parmi les feuilles et les fleurs des Nymphaeaceae (nénuphars), y compris une première représentation du nénuphar jaune, Nuphar lutea. Les nymphes sont nues, leur peau d'albâtre lumineuse dans l'eau sombre mais claire, avec des fleurs jaunes et blanches dans leurs cheveux auburn. Ils ont des caractéristiques physiques très similaires, peut-être basées sur seulement deux modèles.

Hylas est incité à entrer dans l'eau, d'où il ne reviendra pas. Une des nymphes lui tient le poignet et le coude, une seconde lui pince sa tunique et une troisième lui tend des perles dans le creux de sa main. Le visage d'Hylas de profil est ombragé et à peine visible, mais les visages des nymphes sont clairement visibles lorsqu'elles le regardent. La scène est représentée depuis une position légèrement surélevée, regardant l'eau comme Hylas, donc aucun ciel n'est visible. La position d'Hylas force le spectateur à se concentrer sur les nymphes dans l'eau et l'absence de référence à sa relation avec Hercule souligne que le récit du tableau ne porte pas sur les expériences d'Hylas, mais sur la nature sinistre des nymphes.

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Mesmérisme; Télépathie. Guérison magnétique et magnétisme personnel
Livre publié dans les années 1930 par Johnson Smith & Company de Detroit Michigan

Oeuvre inspirée de la couverture d'un livre vintage intitulé « HYPNOTISME et SPIRITUALISME : Comment hypnotiser ».

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Dante and Virgil in Hell (1850)
by William-Adolphe Bouguereau
French, 1825–1905

William-Adolphe Bouguereau was a French academic painter known for his realistic genre paintings and modern interpretations of classical subjects, particularly emphasizing the female body. 

“Dante and Virgil in Hell” is a compelling work which draws inspiration from Dante Alighieri’s “The Divine Comedy,” specifically the “Inferno” section, where Dante, guided by the Roman poet Virgil, traverses the circles of Hell. In this particular scene, Bouguereau captures the moment in the eighth circle, designated for the sin of Fraud. Here, Dante and Virgil witness a violent struggle between two damned souls: Capocchio, an alchemist and heretic, and Gianni Schicchi, who infamously impersonated Buoso Donati to fraudulently claim his inheritance.

Bouguereau’s portrayal is vivid and dramatic, emphasizing the physicality and intensity of the combatants. The artist’s mastery of realism is evident in the precise brush strokes and the meticulous rendering of muscles, nerves, and tendons, which bring the scene to life with a sense of terribilita and horror. This work diverges from Bouguereau’s typical focus on serene and idealized female figures, showcasing his versatility and ability to explore darker themes with the same technical prowess.

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Portrait de Maud Wagner (1907)

Maud Stevens Wagner (née Stevens; 12 février 1877 - 30 janvier 1961) était une artiste de cirque américaine. Elle a été la première tatoueuse connue aux États-Unis. Wagner était un acrobate et un contorsionniste, travaillant dans de nombreux cirques ambulants. Elle a rencontré Gus Wagner, un tatoueur qui se décrivait comme « l'homme le plus artistiquement marqué d'Amérique » alors qu'il voyageait avec des cirques et des spectacles, à la Louisiana Purchase Exposition (Exposition universelle) en 1904, où elle travaillait comme voltigeuse. Elle a échangé un rendez-vous romantique avec lui contre une leçon de tatouage, et plusieurs années plus tard, ils se sont mariés.

Après avoir quitté le cirque, Maud et Gus Wagner ont voyagé à travers les États-Unis, travaillant à la fois comme tatoueurs et comme « attractions tatouées » dans des maisons de vaudeville, des foires de comté et des salles de jeux. On leur attribue le mérite d'avoir introduit l'art du tatouage à l'intérieur des terres, loin des villes côtières et des villages où la pratique avait commencé.

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Storm (1925)
by Zdzisław Jasiński
Polish, 1863-1932

Zdzisław Jasiński, was a Polish painter known for his works in the Academic style and later Impressionistic style. Jasiński’s work often captures the dynamic and dramatic elements of nature, and "Storm" is no exception. 

"Storm" features a vivid and evocative depiction of a summer thunderstorm.  It features dark thunderclouds that are metaphorically shaped like stampeding black horses, which dominate the sky above a flat green landscape. This imagery of horses is powerful, as it captures the energy, power, and unpredictability of a thunderstorm, paralleling the thundering sound of hooves with the rumbling of thunder.

The use of such dynamic and dramatic symbolism is characteristic of Jasiński’s ability to convey the intensity and movement of natural phenomena through his art. The painting likely employs a palette of dark, ominous colors to represent the storm clouds, contrasted with the serene green of the landscape, highlighting the stark impact of the storm on the environment.

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Triunfátor ["The Triumphant"] (c. 1916)
by Josef Mandl
Czech, 1874-1933

Josef Mandl was a Czech painter and professor of drawing. His style was characterized by elements of symbolism, reflecting his fascination with the mysterious and the subconscious. Mandl's paintings often conveyed emotional depth and explored the interplay between reality and imagination. 

Triunfátor, the enigmatic harbinger of fate, dances on the precipice between realms. Unlike the somber specter we often envision, this portrayal defies convention—a paradox in brushstrokes.

Here we see the smoldering remnants of a battlefield, where screams have dissolved into ashen air, Death is not the reaper of dread; he is the weaver of endings. Kneeling by a murky watering hole, Death immerses his skeletal hands. Beside him rests the scythe, its blade dulled by ceaseless harvest. Death cleanses it—a ritual of absolution. 

Triunfátor is not an omen of dread, but a sentinel of cosmic balance. His work here, seemingly done, leaves us pondering: Is he the harbinger or the harbored?

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The White Owl (1856)
by William James Webbe
English (1830-1904)

The White Owl is a captivating piece that exemplifies the artist's meticulous attention to detail and his importance within the Pre-Raphaelite movement. Painted in 1856, the artwork features a solitary white owl resting on its perch within a belfry, a setting that evokes a sense of solitude and contemplation. The owls feathers are rendered with exquisite detail, showcasing Webbe's skill in capturing the texture and softness that is characteristic of an owl's plumage.  

The painting's title, accompanied by the quote "alone and warming his five wits, the white owl in his belfry sits" further emphasizes the owl's isolation and introspective mood. The artwork stands out not only for its technical prowess but also for its ability to convey a deeper narrative through the simple yet profound subject of a white owl in quietude.

Matte Poster
• Printed with Dye/Pigment Reactive Ink on Archival Matte Paper
• Shipped in Heavy Duty Poster Tube
• Heavy weight (210 gsm), thick base, and an instant-dry coating that resists fingerprints and smudging

"Trio de femmes dansant" (1918)
Photographie de Danse avec Helen Moller

L'une d'une série de 43 planches représentant la danse classique tirée du livre Dancing with Helen Mollerqui est décrite comme « une déclaration de sa philosophie, de sa pratique et de son enseignement formé sur le modèle grec classique et adapté pour répondre aux besoins esthétiques et hygiéniques ». d'aujourd'hui."

Cette image est sous-titrée : « L'idéal classique – et notre monde ! Même Michel-Ange ne pouvait pas le saisir. Sa vision est celle d'un homme accablé et inquiet, opprimé par des mystères qu'il ne peut pénétrer, se tordant dans un conflit avec des forces trop grandes pour son contrôle. dans les sculptures grecques, par contre, l'homme est calme et serein — et les dieux, rappelons-le, ne sont que l'homme exalté et rendu immortel.

Affiche mate

Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments sur du papier mat d'archives. Expédié dans un tube d'affiche robuste. Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

• Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments
• Sur papier mat d'archives
• Expédié dans un tube à affiche robuste
• Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

Séléné (1880)
de Albert Aublet (France, 1841-1938)

La brillante capacité d'Albert Aublet à s'appuyer sur un large éventail de sources pour éclairer ses compositions est évidente dans le remarquable travail actuel, centré sur un modèle à la peau pâle flottant dans un ciel nuageux, tacheté d'étoiles fanées, au-dessus d'un paysage de montagnes violettes et eaux bleu glacier.

Sélène d'Aublet semble être à la fin de son voyage nocturne, le dos cambré, les jambes et les bras enroulés autour de la légère silhouette de la lune, le ciel s'éclairant des teintes roses de l'aube imminente (apportée par son frère Hélios).

Affiche mate

Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments sur du papier mat d'archives. Expédié dans un tube d'affiche robuste. Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

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Le cauchemar (1781)
par Henry Fuseli (Suisse, 1741-1825)

Le Cauchemar est une peinture à l'huile de 1781 de l'artiste suisse Henry Fuseli. Il montre une femme endormie profondément, les bras jetés sous elle et un incube démoniaque et simiesque accroupi sur sa poitrine.

L'évocation érotique onirique et obsédante de l'engouement et de l'obsession du tableau a connu un énorme succès populaire.

Pour les téléspectateurs contemporains, The Nightmare évoquait la relation de l'incube et du cheval (jument) aux cauchemars. L'œuvre a probablement été inspirée par les rêves éveillés de Füssli et de ses contemporains, qui ont découvert que ces expériences étaient liées à des croyances folkloriques telles que les contes germaniques sur les démons et les sorcières qui possédaient les gens qui dormaient seuls. Dans ces histoires, les hommes recevaient la visite de chevaux ou de sorcières, ce qui donnait naissance aux termes « montage de sorcière » et « montage de jument », et on croyait que les femmes avaient des relations sexuelles avec le diable. L’étymologie du mot « cauchemar » ne concerne cependant pas les chevaux. Le mot est plutôt dérivé de mara, un terme mythologique scandinave désignant un esprit envoyé pour tourmenter ou étouffer les dormeurs. Au début, le sens du mot « cauchemar » incluait l'expérience du dormeur du poids sur la poitrine combiné à une paralysie du sommeil, une dyspnée ou un sentiment de terreur. La peinture incorpore une variété d'images associées à ces idées, représentant une tête de jument et un démon accroupi au sommet de la femme.

Füssli a peut-être ajouté le cheval après coup, car un croquis préliminaire à la craie ne l'incluait pas. Sa présence dans le tableau a été considérée comme un jeu de mots visuel sur le mot « cauchemar » et une référence consciente au folklore : le cheval déstabilise la vanité du tableau et contribue à son ton gothique.

Affiche mate

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Sabbat des sorcières [El Aquelarre] (1798)
Peinture de Francisco Goya (Espagnol, 1746-1828)

Witches' Sabbath montre le Diable sous la forme d'une chèvre ornée de guirlandes, entourée d'un groupe de sorcières défigurées, jeunes et vieillissantes, dans un paysage aride éclairé par la lune. La chèvre possède de grandes cornes et est couronnée d'une couronne de feuilles de chêne. Sur la droite, on peut voir une vieille vieille tenant dans ses mains un bébé extrêmement affamé, mais apparemment toujours vivant, tandis qu'une jeune sorcière à sa droite fait de même avec un enfant d'apparence plus saine, ce qui implique qu'ils suivront le même sort. Le Diable semble agir comme une sorte de prêtre lors d'une cérémonie d'initiation pour les enfants, même si la superstition populaire de l'époque croyait que le Diable se nourrissait souvent d'enfants et de fœtus humains. Le cadavre d'un enfant peut être vu jeté à gauche, tandis que les jambes d'un autre peuvent être vues maintenues avec force au sol par une sorcière vraisemblablement plus jeune au centre du premier plan. D'autres sorcières, jeunes et vieilles, peuvent être vues à l'arrière-plan, ainsi que trois enfants morts, apparemment menottés, suspendus au cou sur un pieu à gauche au loin.

Typique de l’imagerie de la sorcellerie, de nombreux symboles utilisés sont inversés. La chèvre étend son sabot gauche plutôt que droit vers l'enfant, tandis que le quartier de lune fait face à la toile dans le coin supérieur gauche. Au milieu des hauteurs, on peut voir un certain nombre de chauves-souris voler au-dessus de nous, leur mouvement de troupeau faisant écho à la courbe du croissant de lune.

Affiche mate

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La Dame de Shalott (1888)
Peinture de John William Waterhouse (anglais, 1849-1917)

La Dame de Shalott est un poème d'Alfred Tennyson, écrit 50 ans avant que Waterhouse ne peint ce tableau. La Dame de Shalott est maudite et obligée de rester dans une tour. Elle n'a le droit de regarder le monde qu'à travers un reflet dans le miroir. Un jour, elle voit un chevalier, Sir Lancelot, et tombe amoureuse de lui. Elle ignore la malédiction et quitte la tour pour le retrouver, ce qui entraîne sa mort. L'histoire de Lady of Shalott peut être lue comme un avertissement concernant le désir féminin. La société victorienne avait des règles et des attentes strictes à l'égard des femmes qui définissaient un comportement « acceptable ».

Affiche mate

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