Le cauchemar (1781)
par Henry Fuseli (Suisse, 1741-1825)

Le Cauchemar est une peinture à l'huile de 1781 de l'artiste suisse Henry Fuseli. Il montre une femme endormie profondément, les bras jetés sous elle et un incube démoniaque et simiesque accroupi sur sa poitrine.

L'évocation érotique onirique et obsédante de l'engouement et de l'obsession du tableau a connu un énorme succès populaire.

Pour les téléspectateurs contemporains, The Nightmare évoquait la relation de l'incube et du cheval (jument) aux cauchemars. L'œuvre a probablement été inspirée par les rêves éveillés de Füssli et de ses contemporains, qui ont découvert que ces expériences étaient liées à des croyances folkloriques telles que les contes germaniques sur les démons et les sorcières qui possédaient les gens qui dormaient seuls. Dans ces histoires, les hommes recevaient la visite de chevaux ou de sorcières, ce qui donnait naissance aux termes « montage de sorcière » et « montage de jument », et on croyait que les femmes avaient des relations sexuelles avec le diable. L’étymologie du mot « cauchemar » ne concerne cependant pas les chevaux. Le mot est plutôt dérivé de mara, un terme mythologique scandinave désignant un esprit envoyé pour tourmenter ou étouffer les dormeurs. Au début, le sens du mot « cauchemar » incluait l'expérience du dormeur du poids sur la poitrine combiné à une paralysie du sommeil, une dyspnée ou un sentiment de terreur. La peinture incorpore une variété d'images associées à ces idées, représentant une tête de jument et un démon accroupi au sommet de la femme.

Füssli a peut-être ajouté le cheval après coup, car un croquis préliminaire à la craie ne l'incluait pas. Sa présence dans le tableau a été considérée comme un jeu de mots visuel sur le mot « cauchemar » et une référence consciente au folklore : le cheval déstabilise la vanité du tableau et contribue à son ton gothique.

Affiche mate

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Kaloma (1914)
Photographie de Pastime Novelty Co. de New York

Une photographie américaine emblématique, autrefois censée être celle de Joséphine Sarah "Sadie" Marcus Earp, épouse de Wyatt Earp. Il est associé à Wyatt Earp, principalement parce qu'il est apparu sur la couverture d'un livre intitulé I Married Wyatt Earp.

Cependant, il est peu probable que ce soit elle. Selon l'évaluateur d'antiquités C. Wesley Cowan, la Pastime Novelty Company de New York s'est spécialisée dans les images suggestives et a embauché des modèles au fur et à mesure qu'ils pouvaient les trouver. Sadie aurait-elle pu en faire partie ? Pas probable. Elle est née en 1861. Cette photo a été prise en 1914, elle aurait donc eu 53 ans.

Dans les années 1960, Kaloma a été relancé comme une image risquée et nostalgique, apparaissant dans de nombreuses publications hippies et affiches de concerts.

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Sabbat des sorcières [El Aquelarre] (1798)
Peinture de Francisco Goya (Espagnol, 1746-1828)

Witches' Sabbath montre le Diable sous la forme d'une chèvre ornée de guirlandes, entourée d'un groupe de sorcières défigurées, jeunes et vieillissantes, dans un paysage aride éclairé par la lune. La chèvre possède de grandes cornes et est couronnée d'une couronne de feuilles de chêne. Sur la droite, on peut voir une vieille vieille tenant dans ses mains un bébé extrêmement affamé, mais apparemment toujours vivant, tandis qu'une jeune sorcière à sa droite fait de même avec un enfant d'apparence plus saine, ce qui implique qu'ils suivront le même sort. Le Diable semble agir comme une sorte de prêtre lors d'une cérémonie d'initiation pour les enfants, même si la superstition populaire de l'époque croyait que le Diable se nourrissait souvent d'enfants et de fœtus humains. Le cadavre d'un enfant peut être vu jeté à gauche, tandis que les jambes d'un autre peuvent être vues maintenues avec force au sol par une sorcière vraisemblablement plus jeune au centre du premier plan. D'autres sorcières, jeunes et vieilles, peuvent être vues à l'arrière-plan, ainsi que trois enfants morts, apparemment menottés, suspendus au cou sur un pieu à gauche au loin.

Typique de l’imagerie de la sorcellerie, de nombreux symboles utilisés sont inversés. La chèvre étend son sabot gauche plutôt que droit vers l'enfant, tandis que le quartier de lune fait face à la toile dans le coin supérieur gauche. Au milieu des hauteurs, on peut voir un certain nombre de chauves-souris voler au-dessus de nous, leur mouvement de troupeau faisant écho à la courbe du croissant de lune.

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Squelettes , également connus sous le nom d' Allégorie de la mort et de la renommée (1518)
par Agostino Veneziano (Italien, 1490-1540)

Bien que les érudits aient tenté pendant des siècles de comprendre la signification allégorique de cette estampe, l’artiste et auteur du XVIe siècle Giorgio Vasari l’a décrite simplement comme « une anatomie de nus desséchés et d’os de morts ». Une figure centrale de la Mort ailée se dresse au-dessus d'un squelette enterré, entouré d'une variété de figures humaines squelettiques et vivantes qui semblent débattre du sort de l'âme. À l’extrême gauche se trouve un homme « marasmique », une sorte de corps séché au soleil utilisé par les anatomistes pour étudier les muscles sans enlever la peau. Rosso Fiorentino, qui a conçu la composition de cette estampe devant être gravée par Agostino Veneziano, était un contemporain florentin de Michel-Ange qui projetait un livre sur l'anatomie qui ne fut jamais publié.

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Medusa (1900)
by Wilhelm Kotarbiński (a.k.a. Vasily Alexandrovich Kotarbiński)
Polish, 1849-1921 

Wilhelm Kotarbiński was a Polish symbolist painter who spent most of his life in the Russian Empire. He was educated in Italy and moved to Kyiv early in his career. He is associated with the Art Nouveau movement. 

The painting “Medusa” is a captivating work that delves into the rich tapestry of Greek mythology. Medusa, one of the three Gorgon sisters, was often depicted as a monstrous figure with snakes for hair, whose gaze could turn onlookers to stone. 

Symbolist artists aimed to capture the essence of subjects through metaphor and emotion, often exploring themes of love, fear, and the subconscious. In the case of Medusa, the artwork might explore the duality of her nature—both monstrous and wronged, a victim and a villain. The painting could emphasize the tragic elements of Medusa’s story, highlighting her transformation from a beautiful maiden to a creature of horror, which is a common theme in interpretations of her myth.

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The Truth Lies in Old Books (1910)
by Marian Wawrzeniecki
Polish, 1863-1943

Marian Wawrzeniecki was a Polish archaeologist, ethnographer, painter, draughtsman, and art historian from Warsaw, Poland. Wawrzeniecki’s paintings are known for their evocative imagery and often feature mystical and allegorical subjects.

The painting The Truth Lies in Old Books is a striking work that depicts a woman’s fleshy body with a skull for a head, collapsed upon an open book and gripping a bloody root. The painting’s title suggests a commentary on the search for knowledge and truth through literature and the written word, with the visual elements adding a layer of depth to this interpretation. It reflects the symbolism movement, which often explored themes of life, death, and the human condition through allegorical and sometimes macabre imagery.

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Kriemhild (1924)
Promotional photo of Margarete Schön
by Universum Film (UFA) 

“Die Nibelungen: Kriemhild’s Revenge” is a silent film directed by Fritz Lang, released in 1924. It is the second part of Lang’s two-part series, the first being “Die Nibelungen: Siegfried.” It is considered one of the greatest artistic and technical achievements of the German silent cinema era. Lang’s adaptation of the epic poem “The Song of the Nibelungs” was a monumental task that showcased the capabilities of early cinema.

In the film “Die Nibelungen: Kriemhild’s Revenge,” Kriemhild’s character is portrayed by Margarete Schön as a figure of remorseless and implacable determination, seeking revenge for the murder of her husband, Siegfried. Her costume design plays a significant role in conveying this transformation from a grieving widow to a vengeful queen.

The costume obscures much of her, leaving her face, and particularly her eyes, to express the depth of Kriemhild’s emotions. This design choice emphasizes her intense gaze, which conveys her inner turmoil and unyielding resolve. The costume likely includes elements that are both regal and somber, reflecting her royal status and her dark purpose.

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Geraint et Enid s'en vont (1868)
de Gustave Doré

Cette image illustre les lignes de l'idylle "Enid" de Tennyson (plus tard "Geraint et Enid")

Monté, et tendit la main, et sur son pied
Elle posa le sien et grimpa ; il a tourné son visage
Et je l'ai embrassée en grimpant, et elle a jeté les bras
À propos de lui, et aussitôt ils s'en allèrent.

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Borée (1903)
par John William Waterhouse (Angleterre, 1849-1917)

Borée est le nom du dieu grec du vent du nord et représente une jeune femme secouée par le vent. À l'origine une peinture à l'huile de style préraphaélite créée en 1903, cette affiche de reproduction conserve toujours les beaux détails de l'original.

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Chauve-Souris D'Egypte [Chauves-souris d'Egypte] (1809)
par Geoffrey St. Hilaire (Français, 1772-1844)

La campagne française en Égypte et en Syrie était l'invasion des territoires ottomans par Napoléon Bonaparte au nom de la protection des intérêts commerciaux français. Un aspect inhabituel de l’expédition était la participation de nombreux scientifiques et érudits.

Cette estampe est la première planche des volumes Histoire Naturelle des livres contenant les divers animaux, plantes et roches que les érudits français ont découverts au cours de la campagne d'Égypte. Cette assiette représente trois espèces de chauves-souris : la chauve-souris tombale à ventre nu, la chauve-souris à visage creux et la chauve-souris pipistrelle commune.

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Planche XV de Papillons britanniques, figures et descriptions de chaque espèce indigène
de William Stephen Coleman (1897)

Cette belle illustration du rare livre victorien British Butterflies représente six espèces de papillons communes originaires d'Angleterre : Scarce Swallow-tail, Apollo, Arran Brown, Weaver's Fritillary, Purple-edged Copper et Tailed-Blue. William Stephen Coleman (1829-1904) était un peintre et illustrateur anglais.

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Les quatre cavaliers, de L'Apocalypse (1498)
Gravure d'Albrecht Dürer (allemand, 1471-1528)

En 1498, Dürer publie un livre illustrant l'Apocalypse de Jean, le dernier livre du Nouveau Testament. Les images étaient uniques par leur grande échelle, l’étendue de leur concept et l’unité de leur conception. Premier livre à la fois publié et illustré par l'artiste, il comprenait une page de titre et 15 gravures sur bois en pleine feuille comportant du texte au verso de toutes les feuilles sauf la dernière. Souvent visible à travers le papier, le texte gâche l'image au recto de la feuille. Les plus belles épreuves étaient le plus souvent imprimées sans texte, comme celle-ci des Quatre Cavaliers . Ici, Dürer suggère l'élan vigoureux des cavaliers à travers les vêtements des cavaliers soufflés par le vent, les nuages ​​balayés par le vent et les personnages piétinés sous les sabots des chevaux qui s'approchent.

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Scops Owl in Flight, Cherry Blossoms and Full Moon (1926)
by Ohara Koson
Japanese, 1877-1945 

Ohara Koson, also known as Ohara Shōson and Ohara Hōson, was a Japanese painter and printmaker, particularly renowned for his kachō-e (bird-and-flower) woodblock prints. Koson’s work was part of the shin-hanga (“new prints”) movement, which revitalized traditional ukiyo-e art by integrating Western elements. He produced a prolific number of prints, many of which were exported to the United States, contributing to his international acclaim.

“Scops Owl in Flight, Cherry Blossoms and Full Moon,” created in 1926, is a quintessential example of Koson’s mastery in capturing the beauty of nature. The woodblock print features a scops owl in mid-flight against a backdrop of cherry blossoms and a full moon, encapsulating the transient beauty of spring and the serene elegance of the nocturnal bird. The owl’s detailed feathers and the delicate petals of the cherry blossoms are set against the muted colors of the night sky, creating a harmonious and dynamic composition. This work reflects the Japanese appreciation of nature’s fleeting moments, a theme often explored in Koson’s art.

The print is celebrated for its fine detail and the interplay of light and shadow, showcasing Koson’s skill in the traditional Japanese woodblock printing technique. “Scops Owl in Flight, Cherry Blossoms and Full Moon” remains a beloved piece for its poetic depiction of nature and its embodiment of the shin-hanga style.

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Woman at a Mirror (c. 1850)
by Johann Mongels Culverhouse
Dutch, 1820-1895

Johann Mongels Culverhouse was a Dutch artist known for his “candlelight paintings,” which were nocturnal scenes illuminated by moonlight or candlelight, reflecting the tradition of 17th-century Dutch painting. He is also recognized for his genre subjects, including taverns, markets, and streets, which he continued to paint after moving to the United States around 1849.

“Woman at a Mirror” is a work that draws on the Dutch tradition of genre painting. Culverhouse’s painting captures the spirit of ordinary life, focusing on a woman looking at herself in the mirror. This scene is likely to emphasize themes of vanity, beauty, or self-reflection, common in genre paintings of the time.

The painting’s style, with its attention to the effects of light and shadow, as well as the detailed rendering of textures and materials, showcases Culverhouse’s skill and his adherence to the techniques and themes of his Dutch predecessors. “Woman at a Mirror” stands as a testament to Culverhouse’s ability to blend traditional Dutch artistry with his own unique perspective, creating works that appealed to both European and American audiences of his time.

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"L’Atlantide" (1924)
by Almery Lobel-Riche
French, 1877-1950

Almery Lobel-Riche, born Alméric Joseph Riche, was a French painter, engraver, and illustrator renowned for his depictions of the female form and the elite society of the Belle Époque. His work “Études de Filles [L’Atlantide]” showcases his skill in etching, a medium he frequently employed to capture the sensuality and elegance of his subjects.

The series “Études de Filles” is noted for its intricate detail and the delicate interplay of light and shadow, which Lobel-Riche masterfully used to highlight the grace and poise of the female figures. The title “L’Atlantide” suggests a mythical or lost world, possibly alluding to the lost city of Atlantis, which could be a metaphor for the ephemeral nature of beauty and youth that the artist often explored in his work.

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Circe (1888)
by Louis Chalon (French, 1866-1940)

Louis Chalon was a French artist who began his career as an illustrator and was known for his classically inspired paintings, illustrations for books, and decorative objects. Chalon’s works often featured mythological and allegorical subjects.

His painting “Circe” stands as a testament to his skill in capturing the allure and mystique of mythological figures. Chalon’s depiction is noted for its exotic elements, combining various cultural motifs to create a setting that reflects Circe’s otherworldly nature. The painting frames Circe with a radiant sun behind her, alluding to her divine parentage as the daughter of the sun god Helios.

The legend of Circe is rich and complex. She is known as a minor goddess or enchantress in Greek mythology, often associated with magic and transformation. Circe’s most famous myth involves her encounter with Odysseus in Homer’s “Odyssey,” where she turns his men into pigs with a potion. Odysseus, protected by an herb from Hermes, confronts and overcomes Circe, who then helps him on his journey home.

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Angel in a Cemetery
by Vasily Alexandrovich Kotarbinsky
Polish, 1848-1921

Vasily Alexandrovich Kotarbinsky was a Polish symbolist painter known for his historical and fantastical subjects. Kotarbinsky’s works often evoke a sense of mysticism and are rich in symbolic meaning. His paintings typically feature elements of mythology, religion, and history, rendered with a romantic and often melancholic tone.

In "Angel in a Cemetery" The six-winged angel, which could be interpreted as a seraphim based on biblical descriptions, hovering in a cemetery beside a river, suggests a scene filled with symbolism. The seraphim are known to be the highest order of angels, often associated with light and purity. 

Kotarbinsky’s choice to depict the angel as ghost-like could imply the ethereal and otherworldly nature of spiritual beings, as well as the thin veil between life and death. This artwork likely evokes contemplation on mortality, the soul’s journey, and the hope of divine presence even in the final resting place. Such a piece would be rich in emotional and spiritual depth, inviting viewers to reflect on the profound themes it represents.

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Photographie de l'éclipse solaire de 1927 (1927)
par Sir Frank Dyson, astronome
Observatoire Royal, Greenwich, Royaume-Uni

En juin 1927, la Grande-Bretagne était en proie à la fièvre des éclipses. Une éclipse totale de soleil, la première visible en Grande-Bretagne depuis plus de 200 ans, était prévue pour le 29 juin. Le chemin de la totalité traversait le nord du Pays de Galles et le centre de l’Angleterre, de Criccieth au nord du Pays de Galles à Hartlepool sur la côte est.

Cette photographie, prise par l'astronome royal Sir Frank Dyson de l'éclipse, est un excellent exemple des premières photographies d'astronomie et constitue une superbe œuvre d'art mural minimaliste.

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L'ostéologie comparée (1821-1838)
de Die vergleichende Osteologie [L'ostéologie comparée]
collecté par Christian Heinrich Pander et illustré par Eduard d'Alton

Eduard d'Alton était professeur d'histoire de l'art à l'Académie prussienne des arts de l'Université de Bonn. Christian Heinrich Pander était un biologiste allemand balte qui vivait en Lettonie et était membre de l'Académie des sciences de Saint-Pétersbourg, où il était surtout connu pour ses études révolutionnaires sur les trilobites. Leur collaboration a abouti à Die vergleichende Osteologie [L'ostéologie comparée], un extraordinaire guide illustré sur les os d'animaux.

La diversité des animaux comprend de la grande faune comme les éléphants, les rhinocéros et les hippopotames, jusqu'aux créatures plus familières comme les porcs-épics et les écureuils roux. La collection comprend même une représentation du paresseux géant disparu.

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La Licorne est en captivité et n'est plus morte (1495-1505)
Tissé dans le sud des Pays-Bas par des artisans inconnus

La Licorne est en captivité et n'est plus morte est le dernier panneau d'une série de tapisseries montrant le symbolisme païen et chrétien. Les thèmes païens mettent l'accent sur la tradition médiévale des amants séduits, tandis que les écrits chrétiens interprètent la licorne et sa mort comme la Passion du Christ. La licorne a longtemps été identifiée par les écrivains chrétiens comme un symbole du Christ, reprenant le symbolisme traditionnellement païen de la licorne. Les mythes païens originaux sur La Chasse à la Licorne font référence à un animal doté d'une seule corne qui ne peut être apprivoisé que par une vierge ; Les érudits chrétiens ont traduit cela par une allégorie de la relation du Christ avec la Vierge Marie.

Dans la tapisserie gothique, les créateurs considéraient les événements bibliques comme historiques et liaient les récits bibliques et profanes dans le tissage de la tapisserie. L'art médiéval illustrait les principes moraux et les tapisseries utilisaient des allégories narratives pour illustrer ces morales. La chasse laïque à la licorne n'était pas simplement un art chrétien, mais aussi une représentation allégorique de l'Annonciation.

Reconnaissant les spéculations selon lesquelles les tapisseries auraient été commandées pour célébrer un mariage, il est à noter que les poètes médiévaux associaient l'apprivoisement de la licorne à la dévotion et à l'assujettissement de l'amour. L'apprivoisement de la licorne symbolise l'amant ou le compagnon laïc enchaîné par une vierge et piégé dans la clôture (dans la tapisserie La Licorne en captivité). En outre, l’auteur souligne que le concept d’un Dieu du Ciel et d’un Dieu d’amour qui se chevauchent était accepté à la fin du Moyen Âge.

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Corbeau par temps nuageux
par Inconnu

Une photographie saisissante d’un corbeau planant sur un ciel orageux.

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Kraft und List [Puissance et ruse], (1880)
Josef Arpád Koppay (Hongrie, 1859-1927)

Le baron József Árpád Koppay von Drétoma était un portraitiste austro-hongrois. Cette œuvre, Kraft und List, représente un lion (force) avec une chaîne autour du cou. Adossée à elle se trouve une femme ailée aux yeux sombres (rusée). Vraisemblablement, elle tient l’autre extrémité de la chaîne du lion. Il est intéressant de noter que ce dessin est une variante de l'une de ses œuvres antérieures, Le Fort et le Faible . Dans la peinture originale, il n’y avait pas de cimetière et la femme n’avait pas d’ailes.

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Le tango allemand (Lady danse avec la mort) (1916)
par Louis Raemaekers

La mort est une partenaire impitoyable : lorsqu'elle est appelée à la danse, elle revendique la possession éternelle. C'est un verdict impitoyable du dessin symbolique « German Tango » du peintre néerlandais Louis Raemaekers. Le peintre a livré environ 1 000 œuvres sur la Première Guerre mondiale et est l'un des caricaturistes les plus éminents de cette guerre qui a largement contribué à la propagande de guerre anti-allemande. Les œuvres convaincantes, symboliques, directes, courageuses, choquantes et grotesques de Raemaekers, même après 100 ans, continuent de fasciner les spectateurs.

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• Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments
• Sur papier mat d'archives
• Expédié dans un tube à affiche robuste
• Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

Fragilité humaine [L'Umana Fragilità] (1656)
par Salvator Rosa (Italie, 1615-1673)

La fragilité humaine a été peinte à une époque de grande peste. L’artiste lui-même avait perdu de nombreux proches à cause de la maladie, notamment son fils, son frère et sa sœur. Le tableau représente la maîtresse de l'artiste, Lucrezia, et leur fils. L'Ange de la Mort serre le poignet du jeune garçon et l'oblige à écrire : " Conceptio Culpa, Nasci Pena, Labor Vita, Necesse Mori ", ce qui signifie " La conception est un péché, la naissance est une douleur, la vie est un labeur, la mort une nécessité. " L’arrière-plan de l’image contient de nombreux objets inquiétants et memento mori.

Affiche mate

Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments sur du papier mat d'archives. Expédié dans un tube d'affiche robuste. Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

• Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments
• Sur papier mat d'archives
• Expédié dans un tube à affiche robuste
• Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

Nature morte avec un crâne et une plume d'écriture (1628)
par Pieter Claesz (Belgique, 1597-1661)

Dans cette nature morte, l'observation attentive et les détails réalistes opèrent en tension avec un symbolisme explicite. Le verre renversé, le crâne aux dents écartées et la mèche d'une lampe à huile sont tous des symboles frappants de la brièveté de la vie. Travaillant avec une palette limitée de gris et de bruns, Claesz décrit soigneusement les surfaces de ces objets troublants. En les disposant sur un rebord en pierre dénoyautée, l'artiste relie l'espace de l'image au nôtre, rendant le message d'autant plus convaincant.

Affiche mate

Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments sur du papier mat d'archives. Expédié dans un tube d'affiche robuste. Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

• Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments
• Sur papier mat d'archives
• Expédié dans un tube à affiche robuste
• Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

"La Vie De L'Abeille"

Cette belle affiche éducative française antique représente le cycle de vie de l'abeille.

Affiche mate

Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments sur du papier mat d'archives. Expédié dans un tube d'affiche robuste. Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

• Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments
• Sur papier mat d'archives
• Expédié dans un tube à affiche robuste
• Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

Affiche mate

Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments sur du papier mat d'archives. Expédié dans un tube d'affiche robuste. Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

• Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments
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• Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

La famille satyre (1505)
Gravure d'Albrecht Dürer (allemand, 1471-1528)

L'intérêt de Dürer pour l'imagerie mythologique découle de sa familiarité avec la Renaissance italienne. Dans cette gravure ambiguë, Dürer a représenté un satyre - une créature hybride des bois généralement associée à la luxure - dans le rôle de père et de père de famille. Au lieu de faire la fête dans la forêt, il joue de la musique à son nouveau-né. La pièce de théâtre de Dürer sur le thème de la mère et de l'enfant et le comportement paternel non conventionnel du satyre attirent l'attention sur un mode de vie primal et simplifié. En revanche, le groupe repose dans une forêt dense et inhospitalière où les cimes des arbres sont brisées et les branches sont mortes, ce qui implique que l'approche instinctive détendue des personnages envers la procréation et la sexualité reste en dehors des limites de la vertu chrétienne.

Affiche mate

Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments sur du papier mat d'archives. Expédié dans un tube d'affiche robuste. Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

• Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments
• Sur papier mat d'archives
• Expédié dans un tube à affiche robuste
• Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.