La famille satyre (1505)
Gravure d'Albrecht Dürer (allemand, 1471-1528)

L'intérêt de Dürer pour l'imagerie mythologique découle de sa familiarité avec la Renaissance italienne. Dans cette gravure ambiguë, Dürer a représenté un satyre - une créature hybride des bois généralement associée à la luxure - dans le rôle de père et de père de famille. Au lieu de faire la fête dans la forêt, il joue de la musique à son nouveau-né. La pièce de théâtre de Dürer sur le thème de la mère et de l'enfant et le comportement paternel non conventionnel du satyre attirent l'attention sur un mode de vie primal et simplifié. En revanche, le groupe repose dans une forêt dense et inhospitalière où les cimes des arbres sont brisées et les branches sont mortes, ce qui implique que l'approche instinctive détendue des personnages envers la procréation et la sexualité reste en dehors des limites de la vertu chrétienne.

Affiche mate

Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments sur du papier mat d'archives. Expédié dans un tube d'affiche robuste. Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

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Planche XV de Papillons britanniques, figures et descriptions de chaque espèce indigène
de William Stephen Coleman (1897)

Cette belle illustration du rare livre victorien British Butterflies représente six espèces de papillons communes originaires d'Angleterre : Scarce Swallow-tail, Apollo, Arran Brown, Weaver's Fritillary, Purple-edged Copper et Tailed-Blue. William Stephen Coleman (1829-1904) était un peintre et illustrateur anglais.

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Hylas et les nymphes (1896)
par John William Waterhouse (Angleterre, 1849-1917)

La peinture représente un moment de la légende grecque et romaine du jeune Hylas tragique, basée sur les récits d'Ovide et d'autres écrivains anciens, dans lesquels Hylas ravi est enlevé par des Naïades (nymphes des eaux) alors qu'il cherchait de l'eau potable.

Hylas, un jeune homme en costume classique, vêtu d'une tunique bleue avec une ceinture rouge et portant une cruche d'eau à large col. Il se penche au bord d'un étang dans une clairière au feuillage vert luxuriant, tendant la main vers sept jeunes femmes, les nymphes des eaux, qui émergent de l'étang parmi les feuilles et les fleurs des Nymphaeaceae (nénuphars), y compris une première représentation du nénuphar jaune, Nuphar lutea. Les nymphes sont nues, leur peau d'albâtre lumineuse dans l'eau sombre mais claire, avec des fleurs jaunes et blanches dans leurs cheveux auburn. Ils ont des caractéristiques physiques très similaires, peut-être basées sur seulement deux modèles.

Hylas est incité à entrer dans l'eau, d'où il ne reviendra pas. Une des nymphes lui tient le poignet et le coude, une seconde lui pince sa tunique et une troisième lui tend des perles dans le creux de sa main. Le visage d'Hylas de profil est ombragé et à peine visible, mais les visages des nymphes sont clairement visibles lorsqu'elles le regardent. La scène est représentée depuis une position légèrement surélevée, regardant l'eau comme Hylas, donc aucun ciel n'est visible. La position d'Hylas force le spectateur à se concentrer sur les nymphes dans l'eau et l'absence de référence à sa relation avec Hercule souligne que le récit du tableau ne porte pas sur les expériences d'Hylas, mais sur la nature sinistre des nymphes.

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Śmierc (1902)
par Jacek Malczewski

Jacek Malczewski est l'un des peintres symbolistes polonais les plus importants. Malczewski est associé au mouvement de la Jeune Pologne (Młoda Polska), une période moderniste de la culture polonaise après plus d'un siècle de partitions de la Pologne. Le martyre polonais, les idées romantiques d'indépendance, le folklore local et la mort étaient donc des motifs récurrents dans l'œuvre de Malczewski.

Ce message d’espoir a certainement des connotations religieuses. Regardez ce vieil homme : il semble prêt à mourir, la tête tournée vers la mort et le cou tendu. Ses mains serrées en prière, ses doigts tripotant un petit médaillon avec la Vierge Marie, quelque chose que de nombreux catholiques polonais portent encore aujourd'hui.
La mort ressemble presque à une déesse grecque. Difficile cependant de comprendre l'expression de son visage : a-t-elle pitié de ce vieil homme ? Ou est-elle simplement concentrée sur son travail ?

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Kaloma (1914)
Photographie de Pastime Novelty Co. de New York

Une photographie américaine emblématique, autrefois censée être celle de Joséphine Sarah "Sadie" Marcus Earp, épouse de Wyatt Earp. Il est associé à Wyatt Earp, principalement parce qu'il est apparu sur la couverture d'un livre intitulé I Married Wyatt Earp.

Cependant, il est peu probable que ce soit elle. Selon l'évaluateur d'antiquités C. Wesley Cowan, la Pastime Novelty Company de New York s'est spécialisée dans les images suggestives et a embauché des modèles au fur et à mesure qu'ils pouvaient les trouver. Sadie aurait-elle pu en faire partie ? Pas probable. Elle est née en 1861. Cette photo a été prise en 1914, elle aurait donc eu 53 ans.

Dans les années 1960, Kaloma a été relancé comme une image risquée et nostalgique, apparaissant dans de nombreuses publications hippies et affiches de concerts.

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Le Vol des Sorcières (Vuelo de Brujas) (1798)
Peinture de Francisco Goya (Espagne, 1746-1828)

Au centre se trouvent trois sorcières à moitié nues portant une coroza pénitentielle portant en l'air une silhouette nue se tordant, la bouche proche de leur victime, comme pour la dévorer ou sucer son sang. En bas, deux personnages en costume de paysan reculent devant le spectacle : l'un s'est jeté à terre en se bouchant les oreilles, l'autre tente de s'enfuir en se couvrant d'une couverture en faisant le geste de la main de figue pour conjurer le mauvais œil. Enfin, un âne émerge sur la droite, apparemment inconscient du reste de la scène.

Le consensus général des chercheurs est que le tableau représente une critique rationaliste de la superstition et de l'ignorance, en particulier en matière religieuse : les corozas des sorcières ne sont pas seulement emblématiques de la violence de l'Inquisition espagnole (les flammes vers le haut indiquent qu'elles ont été condamnées comme hérétiques impénitentes). et seront brûlés vifs), mais rappellent aussi les mitres épiscopales, portant les doubles pointes caractéristiques. Les accusations des tribunaux religieux se reflètent ainsi sur eux-mêmes, dont les actions sont implicitement assimilées à de la superstition et à des sacrifices ritualisés. Les spectateurs peuvent alors être compris soit comme étant consternés mais incapables de faire quoi que ce soit, soit comme volontairement ignorants et peu disposés à intervenir.

L'âne, enfin, est le symbole traditionnel de l'ignorance.

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Portrait de Maud Wagner (1907)

Maud Stevens Wagner (née Stevens; 12 février 1877 - 30 janvier 1961) était une artiste de cirque américaine. Elle a été la première tatoueuse connue aux États-Unis. Wagner était un acrobate et un contorsionniste, travaillant dans de nombreux cirques ambulants. Elle a rencontré Gus Wagner, un tatoueur qui se décrivait comme « l'homme le plus artistiquement marqué d'Amérique » alors qu'il voyageait avec des cirques et des spectacles, à la Louisiana Purchase Exposition (Exposition universelle) en 1904, où elle travaillait comme voltigeuse. Elle a échangé un rendez-vous romantique avec lui contre une leçon de tatouage, et plusieurs années plus tard, ils se sont mariés.

Après avoir quitté le cirque, Maud et Gus Wagner ont voyagé à travers les États-Unis, travaillant à la fois comme tatoueurs et comme « attractions tatouées » dans des maisons de vaudeville, des foires de comté et des salles de jeux. On leur attribue le mérite d'avoir introduit l'art du tatouage à l'intérieur des terres, loin des villes côtières et des villages où la pratique avait commencé.

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"The Castle Rising Sisters" (alias "Welsh Witches' Tea Party")
Photographie de Unknown (Angleterre)

Cette photographie est communément intitulée « Tea Party des sorcières galloises », mais les sujets ne sont pas des sorcières, ni des Gallois. Ils posent au Trinity Hospital, Castle Rising à Northampton, en Angleterre. Trinity Hospital, Castle Rising était un hospice caritatif, un lieu de résidence pour les femmes pauvres célibataires (ou veuves) de plus de 56 ans.

Les exigences initiales (vers 1600) étaient les suivantes : « Ils doivent être d'une vie et d'une conversation honnêtes, religieux, sérieux et discrets, capables de lire, s'il en existe une, une femme célibataire, sa place d'être nulle au mariage, d'être de 56 ans au moins, pas de mendiant ordinaire, de prostituée, de grondeuse, d'ivrogne, de hanteur de tavernes, d'auberges et de brasseries.

Les résidents de l'hôpital Trinity ont été invités à se rendre à la prière trois fois par jour pour réciter le Notre Père, le Credo et une prière ordonnée par le Fondateur pour lui-même et sa noble famille.

Avance rapide jusqu’à nos jours et les critères de cette association caritative ne sont pas aussi stricts. La seule condition d'éligibilité concerne les femmes célibataires des paroisses de Castle Rising, North Wootton et Roydon qui se trouvent dans une situation financière réduite. Il n'y a pas non plus de code vestimentaire de nos jours, mais les habitants sont très fiers de s'habiller avec « l'uniforme » (comme sur la photo) fourni par Henry Howard, comte de Northampton pour des occasions spéciales telles que la Journée des Fondateurs.

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"La Vie De L'Abeille"

Cette belle affiche éducative française antique représente le cycle de vie de l'abeille.

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Trochilidae [Colibris] (1904)
planche 99 de Kunstformen der Natur d'Ernst Haeckel

Ernst Haeckel (1934-1919) était un zoologiste et naturaliste allemand qui a décrit et nommé des milliers de nouvelles espèces et créé de nombreux termes utilisés aujourd'hui en biologie. Son travail de plus d'une centaine d'illustrations d'animaux et de créatures marines, Kunstformen der Natur (« Formes d'art dans la nature »), allait influencer le mouvement artistique Art Nouveau.

Cette assiette Trochilidae représente de nombreuses espèces de colibris, notamment le colibri à gorge rubis, le sungem cornu, la topaze cramoisie, la comète à queue rouge, la coquette touffue, le colibri à bec d'épée, la faucille à queue chamois, la coquette à oreilles pointées, la violette à ventre blanc, Le porteur de visière à capuchon, Juan Fernandez Firecrown et la queue de raquette bottée.

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Grenouille (1814)
par Matsumoto Hoji (Japon, actif 1770-1815)

Cette estampe simple mais amusante de l'artiste japonais Hoji est une estampe sur bois de "Meika Gafu", 1814, et montre la grenouille au visage triste à l'encre noire sous une calligraphie rouge. Les crapauds et les grenouilles étaient des motifs courants dans les « Zenga » ou « images zen » pendant la période japonaise d'Edo, car les moines zen les considéraient comme des créatures libres de la distraction du monde banal et représentant une vie pure et naturelle.

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Chauve-Souris D'Egypte [Chauves-souris d'Egypte] (1809)
par Geoffrey St. Hilaire (Français, 1772-1844)

La campagne française en Égypte et en Syrie était l'invasion des territoires ottomans par Napoléon Bonaparte au nom de la protection des intérêts commerciaux français. Un aspect inhabituel de l’expédition était la participation de nombreux scientifiques et érudits.

Cette estampe est la première planche des volumes Histoire Naturelle des livres contenant les divers animaux, plantes et roches que les érudits français ont découverts au cours de la campagne d'Égypte. Cette assiette représente trois espèces de chauves-souris : la chauve-souris tombale à ventre nu, la chauve-souris à visage creux et la chauve-souris pipistrelle commune.

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"La reine vampire" [Marie Schleinzer en costume de chauve-souris] (1896)
Photographie de l'Atelier Adele Studio (Autriche, 1862-1905)

L'actrice autrichienne Marie Schleinzer en costume pour le ballet « Autour de Vienne » (« Rund um Wien »). Schleinzer y joue la force allégorique du mal. Ceci fait partie d'une série de photographies publiées dans la revue photographique autrichienne Photographische Correspondenz.

Le studio de photographie appartenait à Adele Perlmutter-Heilperin et à ses deux frères, Max et William Perlmutter, qui fondèrent l'Atelier Adele en 1862. Adele fut la première et la seule femme "kuk Hofphotograph" de la monarchie austro-hongroise à Vienne et était célèbre pour sa capacité à photographier les femmes.

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Nature morte avec un crâne et une plume d'écriture (1628)
par Pieter Claesz (Belgique, 1597-1661)

Dans cette nature morte, l'observation attentive et les détails réalistes opèrent en tension avec un symbolisme explicite. Le verre renversé, le crâne aux dents écartées et la mèche d'une lampe à huile sont tous des symboles frappants de la brièveté de la vie. Travaillant avec une palette limitée de gris et de bruns, Claesz décrit soigneusement les surfaces de ces objets troublants. En les disposant sur un rebord en pierre dénoyautée, l'artiste relie l'espace de l'image au nôtre, rendant le message d'autant plus convaincant.

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Le cauchemar (1781)
par Henry Fuseli (Suisse, 1741-1825)

Le Cauchemar est une peinture à l'huile de 1781 de l'artiste suisse Henry Fuseli. Il montre une femme endormie profondément, les bras jetés sous elle et un incube démoniaque et simiesque accroupi sur sa poitrine.

L'évocation érotique onirique et obsédante de l'engouement et de l'obsession du tableau a connu un énorme succès populaire.

Pour les téléspectateurs contemporains, The Nightmare évoquait la relation de l'incube et du cheval (jument) aux cauchemars. L'œuvre a probablement été inspirée par les rêves éveillés de Füssli et de ses contemporains, qui ont découvert que ces expériences étaient liées à des croyances folkloriques telles que les contes germaniques sur les démons et les sorcières qui possédaient les gens qui dormaient seuls. Dans ces histoires, les hommes recevaient la visite de chevaux ou de sorcières, ce qui donnait naissance aux termes « montage de sorcière » et « montage de jument », et on croyait que les femmes avaient des relations sexuelles avec le diable. L’étymologie du mot « cauchemar » ne concerne cependant pas les chevaux. Le mot est plutôt dérivé de mara, un terme mythologique scandinave désignant un esprit envoyé pour tourmenter ou étouffer les dormeurs. Au début, le sens du mot « cauchemar » incluait l'expérience du dormeur du poids sur la poitrine combiné à une paralysie du sommeil, une dyspnée ou un sentiment de terreur. La peinture incorpore une variété d'images associées à ces idées, représentant une tête de jument et un démon accroupi au sommet de la femme.

Füssli a peut-être ajouté le cheval après coup, car un croquis préliminaire à la craie ne l'incluait pas. Sa présence dans le tableau a été considérée comme un jeu de mots visuel sur le mot « cauchemar » et une référence consciente au folklore : le cheval déstabilise la vanité du tableau et contribue à son ton gothique.

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Mer agitée au phare [Stormigt hav vid fyr] (1858)
de Marcus Larson (Suède, 1825-1864)

Simeon Marcus Larson était un peintre paysagiste suédois d'Åtvidaberg, Östergötland. Il a été reconnu comme « l'un des plus grands peintres suédois du XIXe siècle » et qualifié de « le plus remarquable des peintres suédois de Düsseldorf ». Ses peintures étaient connues pour être dramatiques et représentaient principalement des rivières sous un ciel violent ainsi que des naufrages lors de tempêtes.

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Le pouvoir de la mort (1889-90)
par William Holbrook Beard (États-Unis, 1825-1900)

La figure de la Mort serre fermement le cou du tigre qui se bat dans ses bras. Les images de la mort entrant calmement et prenant la vie sont courantes, mais ici la mort a la même pose dynamique que le tigre à l'aigle déployé. Le pied de la mort chevauche un éléphant, indiquant sa victoire totale sur la bête géante. Nous voyons d'autres grands prédateurs tués en arrière-plan ; La mort finit par vaincre même les plus puissants.

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La Femme Chauve-Souris (1890)
Albert Joseph Pénot (France, 1862-1930)

Albert Joseph Pénot était un peintre français connu pour ses nus féminins et ses paysages. Aujourd'hui, il est plus populairement et spécifiquement reconnu pour un sous-ensemble de peintures centrées sur des femmes aux thèmes plus sombres et plus macabres.

Pénot se souciait avant tout de représentations anatomiquement exactes des femmes. Les formes féminines singulières étaient au centre de son travail, alors que les mondes qui entourent ses personnages sont rarement réalisés au-delà des atmosphères brumeuses et des taches d'ombre et de lumière. Les environnements sont accessoires et sont généralement enveloppés de brume, donnant une priorité explicite aux personnages eux-mêmes.

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Borée (1903)
par John William Waterhouse (Angleterre, 1849-1917)

Borée est le nom du dieu grec du vent du nord et représente une jeune femme secouée par le vent. À l'origine une peinture à l'huile de style préraphaélite créée en 1903, cette affiche de reproduction conserve toujours les beaux détails de l'original.

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Safo (1881)
de Miguel Carbonell Selva (Espagne, 1854-1896)

Dans un tableau intitulé Safo, on voit la figure de Sappho au moment où elle est sur le point de sauter vers la mort, se jetant dans la mer depuis les hauteurs de Leukas.

Sappho était un célèbre poète grec de l'île de Lesbos qui vécut vers 2000. 630 – vers. 570 avant JC. Elle est parfois appelée la « Dixième Muse » parce que ses capacités à jouer de la musique et à écrire de la poésie étaient légendaires. Une histoire intrigante sur sa mort circule depuis des millénaires, mais il n’existe aucune preuve de sa véracité. L'histoire raconte que Sappho s'est jetée des falaises de l'île grecque de Leucadia à cause de son amour pour Phaon, un passeur.

Certains chercheurs pensent que Sappho était lesbienne et que de nombreux poèmes de Sappho peuvent être interprétés comme homoérotiques. En effet, l'adjectif « saphique » peut faire référence à un certain type de poésie lyrique ou au lesbianisme (ie : une relation saphique).

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Fée chevauchant une chauve-souris (1921)
par Ida Rentoul Outhwaite (Australie, 1888-1960)

Ida Rentoul Outhwaite était une illustratrice australienne de livres pour enfants, dont le travail représentait principalement des créatures magiques telles que des elfes et des fées. Bien avant que les contes de fées modernes ne voient Anna et Elsa de Frozen couronnées icônes féministes inattendues, elle célébrait le pouvoir du féminin de manière subtile. Les dessins sont souvent très intenses sur le plan émotionnel, représentant une fée ou une enfant féminine flottant au-dessus d’un paysage rocheux ou d’une mer profonde effrayante, sans peur.

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• Sur papier mat d'archives
• Expédié dans un tube à affiche robuste
• Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

Sorcière chevauchant une chauve-souris (1916)
par Ida Rentoul Outhwaite (Australie, 1888-1960)

Ida Rentoul Outhwaite était une illustratrice australienne de livres pour enfants, dont le travail représentait principalement des créatures magiques telles que des elfes et des fées. Bien avant que les contes de fées modernes ne voient Anna et Elsa de Frozen couronnées icônes féministes inattendues, elle célébrait le pouvoir du féminin de manière subtile. Les dessins sont souvent très intenses sur le plan émotionnel, représentant une fée ou une enfant féminine flottant au-dessus d’un paysage rocheux ou d’une mer profonde effrayante, sans peur.

Affiche mate

Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments sur du papier mat d'archives. Expédié dans un tube d'affiche robuste. Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

• Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments
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• Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

Fragilité humaine [L'Umana Fragilità] (1656)
par Salvator Rosa (Italie, 1615-1673)

La fragilité humaine a été peinte à une époque de grande peste. L’artiste lui-même avait perdu de nombreux proches à cause de la maladie, notamment son fils, son frère et sa sœur. Le tableau représente la maîtresse de l'artiste, Lucrezia, et leur fils. L'Ange de la Mort serre le poignet du jeune garçon et l'oblige à écrire : " Conceptio Culpa, Nasci Pena, Labor Vita, Necesse Mori ", ce qui signifie " La conception est un péché, la naissance est une douleur, la vie est un labeur, la mort une nécessité. " L’arrière-plan de l’image contient de nombreux objets inquiétants et memento mori.

Affiche mate

Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments sur du papier mat d'archives. Expédié dans un tube d'affiche robuste. Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

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Mère Champignon et ses enfants (1900)
par Edward Okun (Pologne, 1872-1945)

Edward Okuń était un peintre, dessinateur et illustrateur, représentant du mouvement symboliste dans l'art de la période de la Jeune Pologne. Il était connu pour peindre des scènes fantastiques basées sur les endroits qu'il avait visités.Mère Champignon et ses enfantsest une illustration d'une jeune mère regardant avec lassitude ses enfants champignons. L'illustration a été initialement publiée sous le titre "Là où les hêtres se lèvent" dans l'influent magazine d'art allemand Jugend.

Affiche mate

Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments sur du papier mat d'archives. Expédié dans un tube d'affiche robuste. Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

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Jean Simmons dans le rôle d'Ophélie dans " Hamlet " de Laurence Olivier (1948)
par Universal Pictures

Photo promotionnelle en noir et blanc représentant l'actrice Jean Simmons dans le rôle d'"Ophélie" dans l'adaptation cinématographique de Laurence Olivier de 1948 de la célèbre pièce de Shakespeare "Hamlet". Cette estampe est un bel exemple du glamour hollywoodien des années 1940.

Affiche mate

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Photographie de l'éclipse solaire de 1927 (1927)
par Sir Frank Dyson, astronome
Observatoire Royal, Greenwich, Royaume-Uni

En juin 1927, la Grande-Bretagne était en proie à la fièvre des éclipses. Une éclipse totale de soleil, la première visible en Grande-Bretagne depuis plus de 200 ans, était prévue pour le 29 juin. Le chemin de la totalité traversait le nord du Pays de Galles et le centre de l’Angleterre, de Criccieth au nord du Pays de Galles à Hartlepool sur la côte est.

Cette photographie, prise par l'astronome royal Sir Frank Dyson de l'éclipse, est un excellent exemple des premières photographies d'astronomie et constitue une superbe œuvre d'art mural minimaliste.

Enveloppement de toile carré

L'impression sur toile de qualité galerie présente des œuvres d'art éclatantes conçues pour durer. Imprimé avec des encres HP Latex résistantes à la décoloration. Les encres sont à base d'eau et sans solvant, alors soyez assuré qu'il n'y a pas de produits chimiques agressifs dans votre maison. Assemblé avec un cadre en bois de 3/4" d'épaisseur et des barres de civière à noyau de bois collé.

Toutes les impressions sur toile sont emballées et expédiées dans un emballage ajusté

• Prêt à accrocher : le matériel de montage est fourni.
• Pare-chocs de nivellement inclus – Pour la protection des murs.
• Impression semi-brillante : dynamisme accru des œuvres d'art.
• Barres extensibles en bois biseautées – Rendre le cadre moins visible sur le devant de la toile.
• Agrafes de qualité industrielle – Garantissent un ajustement serré qui durera à coup sûr.

Cygne, jonc et iris (1875)
par Walter Crane

Il s'agit de l'une des premières créations de papier peint de Walter Crane, créée en 1875. Les contours noirs et les blocs de couleur unis de cette création suggèrent une étude de la peinture sur vase grec. Une version légèrement modifiée de ce dessin a été réalisée comme papier peint deux ans plus tard par Jeffrey & Co.

Walter Crane a développé son style figuratif en illustrant des livres, pour lesquels il était le plus célèbre. Dans ses livres illustrés pour enfants des années 1870, les dessins intelligents et le sens brillant des couleurs ont rendu son travail populaire auprès des enfants et des adultes, et ils sont toujours imprimés 130 ans plus tard. En règle générale, les créations de papiers peints de Crane étaient figuratives et souvent narratives, s'inspirant du mythe grec, des contes de fées et des comptines. Ce dessin a une formalité basée sur un dessin héraldique combiné à un thème naturaliste et pictural. C'est typique du style de Crane dans les années 1870.

Enveloppement de toile carré

L'impression sur toile de qualité galerie présente des œuvres d'art éclatantes conçues pour durer. Imprimé avec des encres HP Latex résistantes à la décoloration. Les encres sont à base d'eau et sans solvant, alors soyez assuré qu'il n'y a pas de produits chimiques agressifs dans votre maison. Assemblé avec un cadre en bois de 3/4" d'épaisseur et des barres de civière à noyau de bois collé.

Toutes les impressions sur toile sont emballées et expédiées dans un emballage ajusté

• Prêt à accrocher : le matériel de montage est fourni.
• Pare-chocs de nivellement inclus – Pour la protection des murs.
• Impression semi-brillante : dynamisme accru des œuvres d'art.
• Barres extensibles en bois biseautées – Rendre le cadre moins visible sur le devant de la toile.
• Agrafes de qualité industrielle – Garantissent un ajustement serré qui durera à coup sûr.