Medusa (1900)
by Wilhelm Kotarbiński (a.k.a. Vasily Alexandrovich Kotarbiński)
Polish, 1849-1921 

Wilhelm Kotarbiński was a Polish symbolist painter who spent most of his life in the Russian Empire. He was educated in Italy and moved to Kyiv early in his career. He is associated with the Art Nouveau movement. 

The painting “Medusa” is a captivating work that delves into the rich tapestry of Greek mythology. Medusa, one of the three Gorgon sisters, was often depicted as a monstrous figure with snakes for hair, whose gaze could turn onlookers to stone. 

Symbolist artists aimed to capture the essence of subjects through metaphor and emotion, often exploring themes of love, fear, and the subconscious. In the case of Medusa, the artwork might explore the duality of her nature—both monstrous and wronged, a victim and a villain. The painting could emphasize the tragic elements of Medusa’s story, highlighting her transformation from a beautiful maiden to a creature of horror, which is a common theme in interpretations of her myth.

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The White Owl (1856)
by William James Webbe
English (1830-1904)

The White Owl is a captivating piece that exemplifies the artist's meticulous attention to detail and his importance within the Pre-Raphaelite movement. Painted in 1856, the artwork features a solitary white owl resting on its perch within a belfry, a setting that evokes a sense of solitude and contemplation. The owls feathers are rendered with exquisite detail, showcasing Webbe's skill in capturing the texture and softness that is characteristic of an owl's plumage.  

The painting's title, accompanied by the quote "alone and warming his five wits, the white owl in his belfry sits" further emphasizes the owl's isolation and introspective mood. The artwork stands out not only for its technical prowess but also for its ability to convey a deeper narrative through the simple yet profound subject of a white owl in quietude.

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"Trio de femmes dansant" (1918)
Photographie de Danse avec Helen Moller

L'une d'une série de 43 planches représentant la danse classique tirée du livre Dancing with Helen Mollerqui est décrite comme « une déclaration de sa philosophie, de sa pratique et de son enseignement formé sur le modèle grec classique et adapté pour répondre aux besoins esthétiques et hygiéniques ». d'aujourd'hui."

Cette image est sous-titrée : « L'idéal classique – et notre monde ! Même Michel-Ange ne pouvait pas le saisir. Sa vision est celle d'un homme accablé et inquiet, opprimé par des mystères qu'il ne peut pénétrer, se tordant dans un conflit avec des forces trop grandes pour son contrôle. dans les sculptures grecques, par contre, l'homme est calme et serein — et les dieux, rappelons-le, ne sont que l'homme exalté et rendu immortel.

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Chauve-Souris D'Egypte [Chauves-souris d'Egypte] (1809)
par Geoffrey St. Hilaire (Français, 1772-1844)

La campagne française en Égypte et en Syrie était l'invasion des territoires ottomans par Napoléon Bonaparte au nom de la protection des intérêts commerciaux français. Un aspect inhabituel de l’expédition était la participation de nombreux scientifiques et érudits.

Cette estampe est la première planche des volumes Histoire Naturelle des livres contenant les divers animaux, plantes et roches que les érudits français ont découverts au cours de la campagne d'Égypte. Cette assiette représente trois espèces de chauves-souris : la chauve-souris tombale à ventre nu, la chauve-souris à visage creux et la chauve-souris pipistrelle commune.

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Kaloma (1914)
Photographie de Pastime Novelty Co. de New York

Une photographie américaine emblématique, autrefois censée être celle de Joséphine Sarah "Sadie" Marcus Earp, épouse de Wyatt Earp. Il est associé à Wyatt Earp, principalement parce qu'il est apparu sur la couverture d'un livre intitulé I Married Wyatt Earp.

Cependant, il est peu probable que ce soit elle. Selon l'évaluateur d'antiquités C. Wesley Cowan, la Pastime Novelty Company de New York s'est spécialisée dans les images suggestives et a embauché des modèles au fur et à mesure qu'ils pouvaient les trouver. Sadie aurait-elle pu en faire partie ? Pas probable. Elle est née en 1861. Cette photo a été prise en 1914, elle aurait donc eu 53 ans.

Dans les années 1960, Kaloma a été relancé comme une image risquée et nostalgique, apparaissant dans de nombreuses publications hippies et affiches de concerts.

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Squelettes , également connus sous le nom d' Allégorie de la mort et de la renommée (1518)
par Agostino Veneziano (Italien, 1490-1540)

Bien que les érudits aient tenté pendant des siècles de comprendre la signification allégorique de cette estampe, l’artiste et auteur du XVIe siècle Giorgio Vasari l’a décrite simplement comme « une anatomie de nus desséchés et d’os de morts ». Une figure centrale de la Mort ailée se dresse au-dessus d'un squelette enterré, entouré d'une variété de figures humaines squelettiques et vivantes qui semblent débattre du sort de l'âme. À l’extrême gauche se trouve un homme « marasmique », une sorte de corps séché au soleil utilisé par les anatomistes pour étudier les muscles sans enlever la peau. Rosso Fiorentino, qui a conçu la composition de cette estampe devant être gravée par Agostino Veneziano, était un contemporain florentin de Michel-Ange qui projetait un livre sur l'anatomie qui ne fut jamais publié.

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The Truth Lies in Old Books (1910)
by Marian Wawrzeniecki
Polish, 1863-1943

Marian Wawrzeniecki was a Polish archaeologist, ethnographer, painter, draughtsman, and art historian from Warsaw, Poland. Wawrzeniecki’s paintings are known for their evocative imagery and often feature mystical and allegorical subjects.

The painting The Truth Lies in Old Books is a striking work that depicts a woman’s fleshy body with a skull for a head, collapsed upon an open book and gripping a bloody root. The painting’s title suggests a commentary on the search for knowledge and truth through literature and the written word, with the visual elements adding a layer of depth to this interpretation. It reflects the symbolism movement, which often explored themes of life, death, and the human condition through allegorical and sometimes macabre imagery.

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Kriemhild (1924)
Promotional photo of Margarete Schön
by Universum Film (UFA) 

“Die Nibelungen: Kriemhild’s Revenge” is a silent film directed by Fritz Lang, released in 1924. It is the second part of Lang’s two-part series, the first being “Die Nibelungen: Siegfried.” It is considered one of the greatest artistic and technical achievements of the German silent cinema era. Lang’s adaptation of the epic poem “The Song of the Nibelungs” was a monumental task that showcased the capabilities of early cinema.

In the film “Die Nibelungen: Kriemhild’s Revenge,” Kriemhild’s character is portrayed by Margarete Schön as a figure of remorseless and implacable determination, seeking revenge for the murder of her husband, Siegfried. Her costume design plays a significant role in conveying this transformation from a grieving widow to a vengeful queen.

The costume obscures much of her, leaving her face, and particularly her eyes, to express the depth of Kriemhild’s emotions. This design choice emphasizes her intense gaze, which conveys her inner turmoil and unyielding resolve. The costume likely includes elements that are both regal and somber, reflecting her royal status and her dark purpose.

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L'ostéologie comparée (1821-1838)
de Die vergleichende Osteologie [L'ostéologie comparée]
collecté par Christian Heinrich Pander et illustré par Eduard d'Alton

Eduard d'Alton était professeur d'histoire de l'art à l'Académie prussienne des arts de l'Université de Bonn. Christian Heinrich Pander était un biologiste allemand balte qui vivait en Lettonie et était membre de l'Académie des sciences de Saint-Pétersbourg, où il était surtout connu pour ses études révolutionnaires sur les trilobites. Leur collaboration a abouti à Die vergleichende Osteologie [L'ostéologie comparée], un extraordinaire guide illustré sur les os d'animaux.

La diversité des animaux comprend de la grande faune comme les éléphants, les rhinocéros et les hippopotames, jusqu'aux créatures plus familières comme les porcs-épics et les écureuils roux. La collection comprend même une représentation du paresseux géant disparu.

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Geraint et Enid s'en vont (1868)
de Gustave Doré

Cette image illustre les lignes de l'idylle "Enid" de Tennyson (plus tard "Geraint et Enid")

Monté, et tendit la main, et sur son pied
Elle posa le sien et grimpa ; il a tourné son visage
Et je l'ai embrassée en grimpant, et elle a jeté les bras
À propos de lui, et aussitôt ils s'en allèrent.

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Borée (1903)
par John William Waterhouse (Angleterre, 1849-1917)

Borée est le nom du dieu grec du vent du nord et représente une jeune femme secouée par le vent. À l'origine une peinture à l'huile de style préraphaélite créée en 1903, cette affiche de reproduction conserve toujours les beaux détails de l'original.

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Planche XV de Papillons britanniques, figures et descriptions de chaque espèce indigène
de William Stephen Coleman (1897)

Cette belle illustration du rare livre victorien British Butterflies représente six espèces de papillons communes originaires d'Angleterre : Scarce Swallow-tail, Apollo, Arran Brown, Weaver's Fritillary, Purple-edged Copper et Tailed-Blue. William Stephen Coleman (1829-1904) était un peintre et illustrateur anglais.

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Les quatre cavaliers, de L'Apocalypse (1498)
Gravure d'Albrecht Dürer (allemand, 1471-1528)

En 1498, Dürer publie un livre illustrant l'Apocalypse de Jean, le dernier livre du Nouveau Testament. Les images étaient uniques par leur grande échelle, l’étendue de leur concept et l’unité de leur conception. Premier livre à la fois publié et illustré par l'artiste, il comprenait une page de titre et 15 gravures sur bois en pleine feuille comportant du texte au verso de toutes les feuilles sauf la dernière. Souvent visible à travers le papier, le texte gâche l'image au recto de la feuille. Les plus belles épreuves étaient le plus souvent imprimées sans texte, comme celle-ci des Quatre Cavaliers . Ici, Dürer suggère l'élan vigoureux des cavaliers à travers les vêtements des cavaliers soufflés par le vent, les nuages ​​balayés par le vent et les personnages piétinés sous les sabots des chevaux qui s'approchent.

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La sorcière (pièce de nuit) (1626)
par Jan van de Velde (Néerlandais, 1620-1662)

Cette scène nocturne représente une sorcière concoctant son breuvage maléfique en compagnie de bêtes bizarres. Elle se tient à l'intérieur d'un "cercle magique" gravé dans le sol, espace surnaturellement consacré à la sorcellerie - une source d'inspiration probable pour les formes circulaires des peintures de Rosa. Elle renverse une corne dans son chaudron englouti par des flammes tourbillonnantes ; se mélangeant à la poudre, deux jets de cendres jaillissent des tuyaux tenus par un démon qui fait des sauts périlleux à gauche. La composition décorative tourbillonnante et la variété de créatures grotesques faisant des grimaces complices et idiotes au spectateur ajoutent des éléments de fantaisie et de farce à ce sujet occulte apparemment sérieux.

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Tamara and the Demon (1889)
by Konstantin Makovsky
Russian, 1839-1915 

Konstantin Makovsky was an influential Russian painter, affiliated with the “Peredvizhniki” or “Wanderers.” He was known for his historical paintings that often presented an idealized view of Russian life in previous centuries. 

“Tamara and the Demon” is a captivating painting that delves into the themes of virtue and evil, drawing inspiration from Mikhail Lermontov’s poem “Demon”, which tells a story of a fallen angel who wanders the earth filled with bitterness and loneliness. Set in the Caucasus Mountains, the Demon encounters Tamara, a beautiful Georgian princess, and becomes infatuated with her. The Demon indirectly causes the death of Tamara’s betrothed and he eventually reveals himself to her. Tamara is drawn to him and succumbs to his embrace, which proves fatal. In the end, Tamara’s soul ascends to heaven, while the Demon is left alone once again, despairing and without hope. The poem is a complex exploration of themes such as the nature of evil, redemption, and the possibility of love and compassion for even the most damned beings.

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Scops Owl in Flight, Cherry Blossoms and Full Moon (1926)
by Ohara Koson
Japanese, 1877-1945 

Ohara Koson, also known as Ohara Shōson and Ohara Hōson, was a Japanese painter and printmaker, particularly renowned for his kachō-e (bird-and-flower) woodblock prints. Koson’s work was part of the shin-hanga (“new prints”) movement, which revitalized traditional ukiyo-e art by integrating Western elements. He produced a prolific number of prints, many of which were exported to the United States, contributing to his international acclaim.

“Scops Owl in Flight, Cherry Blossoms and Full Moon,” created in 1926, is a quintessential example of Koson’s mastery in capturing the beauty of nature. The woodblock print features a scops owl in mid-flight against a backdrop of cherry blossoms and a full moon, encapsulating the transient beauty of spring and the serene elegance of the nocturnal bird. The owl’s detailed feathers and the delicate petals of the cherry blossoms are set against the muted colors of the night sky, creating a harmonious and dynamic composition. This work reflects the Japanese appreciation of nature’s fleeting moments, a theme often explored in Koson’s art.

The print is celebrated for its fine detail and the interplay of light and shadow, showcasing Koson’s skill in the traditional Japanese woodblock printing technique. “Scops Owl in Flight, Cherry Blossoms and Full Moon” remains a beloved piece for its poetic depiction of nature and its embodiment of the shin-hanga style.

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Woman at a Mirror (c. 1850)
by Johann Mongels Culverhouse
Dutch, 1820-1895

Johann Mongels Culverhouse was a Dutch artist known for his “candlelight paintings,” which were nocturnal scenes illuminated by moonlight or candlelight, reflecting the tradition of 17th-century Dutch painting. He is also recognized for his genre subjects, including taverns, markets, and streets, which he continued to paint after moving to the United States around 1849.

“Woman at a Mirror” is a work that draws on the Dutch tradition of genre painting. Culverhouse’s painting captures the spirit of ordinary life, focusing on a woman looking at herself in the mirror. This scene is likely to emphasize themes of vanity, beauty, or self-reflection, common in genre paintings of the time.

The painting’s style, with its attention to the effects of light and shadow, as well as the detailed rendering of textures and materials, showcases Culverhouse’s skill and his adherence to the techniques and themes of his Dutch predecessors. “Woman at a Mirror” stands as a testament to Culverhouse’s ability to blend traditional Dutch artistry with his own unique perspective, creating works that appealed to both European and American audiences of his time.

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"L’Atlantide" (1924)
by Almery Lobel-Riche
French, 1877-1950

Almery Lobel-Riche, born Alméric Joseph Riche, was a French painter, engraver, and illustrator renowned for his depictions of the female form and the elite society of the Belle Époque. His work “Études de Filles [L’Atlantide]” showcases his skill in etching, a medium he frequently employed to capture the sensuality and elegance of his subjects.

The series “Études de Filles” is noted for its intricate detail and the delicate interplay of light and shadow, which Lobel-Riche masterfully used to highlight the grace and poise of the female figures. The title “L’Atlantide” suggests a mythical or lost world, possibly alluding to the lost city of Atlantis, which could be a metaphor for the ephemeral nature of beauty and youth that the artist often explored in his work.

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Circe (1888)
by Louis Chalon (French, 1866-1940)

Louis Chalon was a French artist who began his career as an illustrator and was known for his classically inspired paintings, illustrations for books, and decorative objects. Chalon’s works often featured mythological and allegorical subjects.

His painting “Circe” stands as a testament to his skill in capturing the allure and mystique of mythological figures. Chalon’s depiction is noted for its exotic elements, combining various cultural motifs to create a setting that reflects Circe’s otherworldly nature. The painting frames Circe with a radiant sun behind her, alluding to her divine parentage as the daughter of the sun god Helios.

The legend of Circe is rich and complex. She is known as a minor goddess or enchantress in Greek mythology, often associated with magic and transformation. Circe’s most famous myth involves her encounter with Odysseus in Homer’s “Odyssey,” where she turns his men into pigs with a potion. Odysseus, protected by an herb from Hermes, confronts and overcomes Circe, who then helps him on his journey home.

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Le Répit (1893-1895)
by Valére Bernard
French, 1860-1936

Valère Bernard, also known as Valérie Bernard, was a Provençal painter and poet who expressed himself in the Occitan language. His graphic work is significant, and he is known for his contributions to symbolism, often exploring dark and macabre themes with an anti-war message. In his series of engravings titled “Guerro,” created between 1893 and 1895, he presents variations around the theme of death, inspired by Francisco Goya.

The title “Le Répit” translates to “The Respite,” suggesting a temporary pause or relief. The imagery of Death suckling a bat could symbolize the nurturing of something typically seen as sinister or ominous, perhaps indicating the cyclical nature of life and death. The bat, a creature of the night often associated with darkness and the macabre, being nurtured by Death, might represent the perpetuation of war and suffering.

In the context of symbolism, the piece would use visual metaphors to delve into the human psyche and the existential realities of mortality and war. Bernard’s use of such powerful imagery would invite viewers to reflect on the consequences of conflict and the transient nature of peace in times of war.

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Dark Star (1925)
by Vasily Alexandrovich Kotarbinsky
Polish, 1848-1921

Vasily Alexandrovich Kotarbinsky was a Polish symbolist painter known for his historical and fantastical subjects. Kotarbinsky’s works often evoke a sense of mysticism and are rich in symbolic meaning. His paintings typically feature elements of mythology, religion, and history, rendered with a romantic and often melancholic tone.

“Dark Star” is a striking and symbolic black and white ink drawing depicting a multi-winged angel, possibly a seraphim, one of the most powerful angels in Christian iconography and associated with purity, light, and closeness with God. 

Here, however, the angel is depicted in black attire, along with an intense gaze and a black star hovering above. This could suggest a complex interplay between light and darkness, purity and mystery. The rock against which she leans may represent stability or the enduring nature of the divine, while the fog or smoke at knee height adds an element of the ethereal or the transient. It speaks to the strength and enigmatic qualities of the angelic figure, perhaps hinting at the dual nature of existence, where the celestial and the earthly meet.

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Angel in a Cemetery
by Vasily Alexandrovich Kotarbinsky
Polish, 1848-1921

Vasily Alexandrovich Kotarbinsky was a Polish symbolist painter known for his historical and fantastical subjects. Kotarbinsky’s works often evoke a sense of mysticism and are rich in symbolic meaning. His paintings typically feature elements of mythology, religion, and history, rendered with a romantic and often melancholic tone.

In "Angel in a Cemetery" The six-winged angel, which could be interpreted as a seraphim based on biblical descriptions, hovering in a cemetery beside a river, suggests a scene filled with symbolism. The seraphim are known to be the highest order of angels, often associated with light and purity. 

Kotarbinsky’s choice to depict the angel as ghost-like could imply the ethereal and otherworldly nature of spiritual beings, as well as the thin veil between life and death. This artwork likely evokes contemplation on mortality, the soul’s journey, and the hope of divine presence even in the final resting place. Such a piece would be rich in emotional and spiritual depth, inviting viewers to reflect on the profound themes it represents.

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Photographie de l'éclipse solaire de 1927 (1927)
par Sir Frank Dyson, astronome
Observatoire Royal, Greenwich, Royaume-Uni

En juin 1927, la Grande-Bretagne était en proie à la fièvre des éclipses. Une éclipse totale de soleil, la première visible en Grande-Bretagne depuis plus de 200 ans, était prévue pour le 29 juin. Le chemin de la totalité traversait le nord du Pays de Galles et le centre de l’Angleterre, de Criccieth au nord du Pays de Galles à Hartlepool sur la côte est.

Cette photographie, prise par l'astronome royal Sir Frank Dyson de l'éclipse, est un excellent exemple des premières photographies d'astronomie et constitue une superbe œuvre d'art mural minimaliste.

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La Licorne est en captivité et n'est plus morte (1495-1505)
Tissé dans le sud des Pays-Bas par des artisans inconnus

La Licorne est en captivité et n'est plus morte est le dernier panneau d'une série de tapisseries montrant le symbolisme païen et chrétien. Les thèmes païens mettent l'accent sur la tradition médiévale des amants séduits, tandis que les écrits chrétiens interprètent la licorne et sa mort comme la Passion du Christ. La licorne a longtemps été identifiée par les écrivains chrétiens comme un symbole du Christ, reprenant le symbolisme traditionnellement païen de la licorne. Les mythes païens originaux sur La Chasse à la Licorne font référence à un animal doté d'une seule corne qui ne peut être apprivoisé que par une vierge ; Les érudits chrétiens ont traduit cela par une allégorie de la relation du Christ avec la Vierge Marie.

Dans la tapisserie gothique, les créateurs considéraient les événements bibliques comme historiques et liaient les récits bibliques et profanes dans le tissage de la tapisserie. L'art médiéval illustrait les principes moraux et les tapisseries utilisaient des allégories narratives pour illustrer ces morales. La chasse laïque à la licorne n'était pas simplement un art chrétien, mais aussi une représentation allégorique de l'Annonciation.

Reconnaissant les spéculations selon lesquelles les tapisseries auraient été commandées pour célébrer un mariage, il est à noter que les poètes médiévaux associaient l'apprivoisement de la licorne à la dévotion et à l'assujettissement de l'amour. L'apprivoisement de la licorne symbolise l'amant ou le compagnon laïc enchaîné par une vierge et piégé dans la clôture (dans la tapisserie La Licorne en captivité). En outre, l’auteur souligne que le concept d’un Dieu du Ciel et d’un Dieu d’amour qui se chevauchent était accepté à la fin du Moyen Âge.

Affiche mate

Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments sur du papier mat d'archives. Expédié dans un tube d'affiche robuste. Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

• Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments
• Sur papier mat d'archives
• Expédié dans un tube à affiche robuste
• Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

Corbeau par temps nuageux
par Inconnu

Une photographie saisissante d’un corbeau planant sur un ciel orageux.

Affiche mate

Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments sur du papier mat d'archives. Expédié dans un tube d'affiche robuste. Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

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Kraft und List [Puissance et ruse], (1880)
Josef Arpád Koppay (Hongrie, 1859-1927)

Le baron József Árpád Koppay von Drétoma était un portraitiste austro-hongrois. Cette œuvre, Kraft und List, représente un lion (force) avec une chaîne autour du cou. Adossée à elle se trouve une femme ailée aux yeux sombres (rusée). Vraisemblablement, elle tient l’autre extrémité de la chaîne du lion. Il est intéressant de noter que ce dessin est une variante de l'une de ses œuvres antérieures, Le Fort et le Faible . Dans la peinture originale, il n’y avait pas de cimetière et la femme n’avait pas d’ailes.

Affiche mate

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Le tango allemand (Lady danse avec la mort) (1916)
par Louis Raemaekers

La mort est une partenaire impitoyable : lorsqu'elle est appelée à la danse, elle revendique la possession éternelle. C'est un verdict impitoyable du dessin symbolique « German Tango » du peintre néerlandais Louis Raemaekers. Le peintre a livré environ 1 000 œuvres sur la Première Guerre mondiale et est l'un des caricaturistes les plus éminents de cette guerre qui a largement contribué à la propagande de guerre anti-allemande. Les œuvres convaincantes, symboliques, directes, courageuses, choquantes et grotesques de Raemaekers, même après 100 ans, continuent de fasciner les spectateurs.

Affiche mate

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