Mesmerismo; Lectura de la mente. Sanación magnética y magnetismo personal
Libro publicado en la década de 1930 por Johnson Smith & Company de Detroit, Michigan.

Obra inspirada en la portada de un libro antiguo llamado "HIPNOTISMO y ESPIRITUALISMO: Cómo hipnotizar".

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Circe (1888)
by Louis Chalon (French, 1866-1940)

Louis Chalon was a French artist who began his career as an illustrator and was known for his classically inspired paintings, illustrations for books, and decorative objects. Chalon’s works often featured mythological and allegorical subjects.

His painting “Circe” stands as a testament to his skill in capturing the allure and mystique of mythological figures. Chalon’s depiction is noted for its exotic elements, combining various cultural motifs to create a setting that reflects Circe’s otherworldly nature. The painting frames Circe with a radiant sun behind her, alluding to her divine parentage as the daughter of the sun god Helios.

The legend of Circe is rich and complex. She is known as a minor goddess or enchantress in Greek mythology, often associated with magic and transformation. Circe’s most famous myth involves her encounter with Odysseus in Homer’s “Odyssey,” where she turns his men into pigs with a potion. Odysseus, protected by an herb from Hermes, confronts and overcomes Circe, who then helps him on his journey home.

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"Trío de Mujeres Bailando" (1918)
Fotografía de Bailando con Helen Moller

Una de una serie de 43 láminas que representan danza clásica del libro Dancing with Helen Moller, que se describe como "una declaración de su filosofía, práctica y enseñanza formada sobre el modelo griego clásico y adaptada para satisfacer las necesidades estéticas e higiénicas". de hoy."

Esta imagen lleva el título: " El ideal clásico... ¡y nuestro mundo! Ni siquiera Miguel Ángel pudo comprenderlo. Su visión es la del hombre agobiado e inquieto, oprimido por misterios que no puede penetrar, retorciéndose en conflicto con fuerzas demasiado grandes para su control. En las esculturas de los griegos, por otra parte, el hombre está tranquilo y sereno, y los dioses, debemos recordar, no son más que el hombre exaltado y hecho inmortal.

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Kraft und List [Poder y astucia], (1880)
Josef Arpád Koppay (Hungría, 1859-1927)

El barón József Árpád Koppay von Drétoma fue un retratista austrohúngaro. Esta obra, Kraft und List, representa un león (fuerza) con una cadena alrededor del cuello. Apoyada contra él hay una mujer alada de ojos oscuros (astuta). Presumiblemente ella sostiene el otro extremo de la cadena del león. Curiosamente, este dibujo es una variación de una de sus obras anteriores, El fuerte y el débil . En la pintura original no había cementerio y la mujer no tenía alas.

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"La Vie De L'Abeille" [La vida de la abeja]

Este hermoso cartel educativo francés antiguo representa el ciclo de vida de la abeja.

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La dama de Shalott (1888)
Pintura de John William Waterhouse (inglés, 1849-1917)

La dama de Shalott es un poema de Alfred Tennyson, escrito 50 años antes de que Waterhouse pintara este cuadro. La Dama de Shalott está maldita y obligada a permanecer en una torre. Sólo se le permite mirar el mundo a través del reflejo en el espejo. Un día ve a un caballero, Sir Lancelot, y se enamora de él. Ella ignora la maldición y abandona la torre para encontrarlo, lo que resulta en su muerte. La historia de Lady of Shalott puede leerse como una advertencia sobre el deseo femenino. La sociedad victoriana tenía reglas y expectativas estrictas para las mujeres que definían un comportamiento "aceptable".

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Dante and Virgil in Hell (1850)
by William-Adolphe Bouguereau
French, 1825–1905

William-Adolphe Bouguereau was a French academic painter known for his realistic genre paintings and modern interpretations of classical subjects, particularly emphasizing the female body. 

“Dante and Virgil in Hell” is a compelling work which draws inspiration from Dante Alighieri’s “The Divine Comedy,” specifically the “Inferno” section, where Dante, guided by the Roman poet Virgil, traverses the circles of Hell. In this particular scene, Bouguereau captures the moment in the eighth circle, designated for the sin of Fraud. Here, Dante and Virgil witness a violent struggle between two damned souls: Capocchio, an alchemist and heretic, and Gianni Schicchi, who infamously impersonated Buoso Donati to fraudulently claim his inheritance.

Bouguereau’s portrayal is vivid and dramatic, emphasizing the physicality and intensity of the combatants. The artist’s mastery of realism is evident in the precise brush strokes and the meticulous rendering of muscles, nerves, and tendons, which bring the scene to life with a sense of terribilita and horror. This work diverges from Bouguereau’s typical focus on serene and idealized female figures, showcasing his versatility and ability to explore darker themes with the same technical prowess.

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Storm (1925)
by Zdzisław Jasiński
Polish, 1863-1932

Zdzisław Jasiński, was a Polish painter known for his works in the Academic style and later Impressionistic style. Jasiński’s work often captures the dynamic and dramatic elements of nature, and "Storm" is no exception. 

"Storm" features a vivid and evocative depiction of a summer thunderstorm.  It features dark thunderclouds that are metaphorically shaped like stampeding black horses, which dominate the sky above a flat green landscape. This imagery of horses is powerful, as it captures the energy, power, and unpredictability of a thunderstorm, paralleling the thundering sound of hooves with the rumbling of thunder.

The use of such dynamic and dramatic symbolism is characteristic of Jasiński’s ability to convey the intensity and movement of natural phenomena through his art. The painting likely employs a palette of dark, ominous colors to represent the storm clouds, contrasted with the serene green of the landscape, highlighting the stark impact of the storm on the environment.

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The White Owl (1856)
by William James Webbe
English (1830-1904)

The White Owl is a captivating piece that exemplifies the artist's meticulous attention to detail and his importance within the Pre-Raphaelite movement. Painted in 1856, the artwork features a solitary white owl resting on its perch within a belfry, a setting that evokes a sense of solitude and contemplation. The owls feathers are rendered with exquisite detail, showcasing Webbe's skill in capturing the texture and softness that is characteristic of an owl's plumage.  

The painting's title, accompanied by the quote "alone and warming his five wits, the white owl in his belfry sits" further emphasizes the owl's isolation and introspective mood. The artwork stands out not only for its technical prowess but also for its ability to convey a deeper narrative through the simple yet profound subject of a white owl in quietude.

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Mar tormentoso en el faro [Stormigt hav vid fyr] (1858)
por Marcus Larson (Suecia, 1825-1864)

Simeon Marcus Larson fue un pintor paisajista sueco de Åtvidaberg, Östergötland. Ha sido reconocido como "uno de los pintores suecos más destacados del siglo XIX" y etiquetado como "el más destacado de los pintores suecos de Düsseldorf". Sus pinturas eran conocidas por ser dramáticas y representaban principalmente ríos bajo cielos violentos, así como naufragios en tormentas.

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Witches Going to their Sabbath (1878) 
by Luis Ricardo Falero (Spanish, 1851-1896)

Witches Going to their Sabbath by Luis Ricardo Falero, painted in 1878, is a captivating work that delves into the fantastical and the supernatural. The painting depicts a group of witches flying through a stormy night sky, heading to their secret Sabbath gathering. The central figure, a witch, gazes directly at the viewer, drawing them into the scene with a mix of allure and menace. Falero’s meticulous detail and focus on the human form, particularly the female form, are evident in this work, with his use of light and shadow creating a dramatic, almost theatrical effect.

Falero incorporates traditional symbols associated with witchcraft and the occult, such as the witches in mid-air and a goat, often linked to the devil. The painting reflects the 19th-century fascination with the occult, presenting a vision that is both alluring and unsettling. It can be seen as a commentary on the fears and fantasies surrounding witchcraft, with its subversive undertones and depiction of powerful, transgressive women challenging conventional norms. This analysis highlights the complexity and richness of Falero’s work, inviting viewers to explore its layers of meaning.

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Medusa (1900)
by Wilhelm Kotarbiński (a.k.a. Vasily Alexandrovich Kotarbiński)
Polish, 1849-1921 

Wilhelm Kotarbiński was a Polish symbolist painter who spent most of his life in the Russian Empire. He was educated in Italy and moved to Kyiv early in his career. He is associated with the Art Nouveau movement. 

The painting “Medusa” is a captivating work that delves into the rich tapestry of Greek mythology. Medusa, one of the three Gorgon sisters, was often depicted as a monstrous figure with snakes for hair, whose gaze could turn onlookers to stone. 

Symbolist artists aimed to capture the essence of subjects through metaphor and emotion, often exploring themes of love, fear, and the subconscious. In the case of Medusa, the artwork might explore the duality of her nature—both monstrous and wronged, a victim and a villain. The painting could emphasize the tragic elements of Medusa’s story, highlighting her transformation from a beautiful maiden to a creature of horror, which is a common theme in interpretations of her myth.

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Kriemhild (1924)
Promotional photo of Margarete Schön
by Universum Film (UFA) 

“Die Nibelungen: Kriemhild’s Revenge” is a silent film directed by Fritz Lang, released in 1924. It is the second part of Lang’s two-part series, the first being “Die Nibelungen: Siegfried.” It is considered one of the greatest artistic and technical achievements of the German silent cinema era. Lang’s adaptation of the epic poem “The Song of the Nibelungs” was a monumental task that showcased the capabilities of early cinema.

In the film “Die Nibelungen: Kriemhild’s Revenge,” Kriemhild’s character is portrayed by Margarete Schön as a figure of remorseless and implacable determination, seeking revenge for the murder of her husband, Siegfried. Her costume design plays a significant role in conveying this transformation from a grieving widow to a vengeful queen.

The costume obscures much of her, leaving her face, and particularly her eyes, to express the depth of Kriemhild’s emotions. This design choice emphasizes her intense gaze, which conveys her inner turmoil and unyielding resolve. The costume likely includes elements that are both regal and somber, reflecting her royal status and her dark purpose.

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Fotografía del eclipse solar de 1927 (1927)
por Sir Frank Dyson, astrónomo
Observatorio Real, Greenwich, Reino Unido

En junio de 1927, Gran Bretaña estaba presa de la fiebre del eclipse. Para el 29 de junio se predijo un eclipse total de sol, el primero visible en Gran Bretaña en más de 200 años. El camino de la totalidad atravesó el norte de Gales y el centro de Inglaterra, desde Criccieth en el norte de Gales hasta Hartlepool en la costa este.

Esta fotografía del eclipse, tomada por el astrónomo real Sir Frank Dyson, es un excelente ejemplo de fotografía astronómica temprana y es una excelente pieza de arte mural minimalista.

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Cuervo en un día nublado
por Desconocido

Una sorprendente fotografía de un cuervo volando contra un cielo tormentoso.

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Der Hass [Hatred] (1896)
by Pietro Pajetta
Italian, 1845-1911

Pietro Pajetta) was an Italian painter known for his genre art, which often depicted rustic and everyday scenes with a focus on the human condition. His works are characterized by an exuberance of feeling and a keen observation of life’s various facets.

“Der Hass” (Hatred), painted in 1896, is one of Pajetta’s more evocative works. It takes inspiration from Lorenzo Stecchetti’s “Canto dell’Odio” (Song of Hate), a poem that narrates the story of a rejected suitor who seeks revenge on the corpse of his beloved. The painting is a dark and powerful representation of hatred and vengeance, capturing the intensity of the suitor’s emotions as he enacts his revenge.

The artwork is notable for its dramatic composition and the raw emotion it conveys. Pajetta’s use of dark, muted colors and stark contrasts creates a haunting atmosphere that reflects the theme of the poem. The painting’s subject matter and its execution make it a compelling study of the darker aspects of human emotions and the lengths to which they can drive a person.

Pajetta’s life was marked by his service in the Italian army during the War of Italian Independence and his subsequent struggles with economic instability. Despite these challenges, he managed to create art that resonated with the public and earned him recognition at various exhibitions. “Der Hass” stands as a testament to his artistic talent and his ability to translate complex emotions into compelling visual narratives.

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The Truth Lies in Old Books (1910)
by Marian Wawrzeniecki
Polish, 1863-1943

Marian Wawrzeniecki was a Polish archaeologist, ethnographer, painter, draughtsman, and art historian from Warsaw, Poland. Wawrzeniecki’s paintings are known for their evocative imagery and often feature mystical and allegorical subjects.

The painting The Truth Lies in Old Books is a striking work that depicts a woman’s fleshy body with a skull for a head, collapsed upon an open book and gripping a bloody root. The painting’s title suggests a commentary on the search for knowledge and truth through literature and the written word, with the visual elements adding a layer of depth to this interpretation. It reflects the symbolism movement, which often explored themes of life, death, and the human condition through allegorical and sometimes macabre imagery.

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La osteología comparada (1821-1838)
de Die vergleichende Osteologie [La osteología comparada]
recopilado por Christian Heinrich Pander e ilustrado por Eduard d'Alton

Eduard d'Alton fue profesor de historia del arte en la Academia Prusiana de las Artes de la Universidad de Bonn. Christian Heinrich Pander era un biólogo alemán del Báltico que vivía en Letonia y era miembro de la Academia de Ciencias de San Petersburgo, donde era más conocido por sus innovadores estudios sobre los trilobites. Su colaboración dio como resultado Die vergleichende Osteologie [La osteología comparada], una extraordinaria guía ilustrada de huesos de animales.

La diversa gama de animales incluye de todo, desde fauna de gran tamaño como elefantes, rinocerontes e hipopótamos, hasta criaturas más familiares como puercoespines y ardillas rojas. La colección incluye incluso una representación del extinto perezoso terrestre gigante.

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El Unicornio está en cautiverio y ya no está muerto (1495-1505)
Tejido en el sur de Holanda por artesanos desconocidos.

El unicornio está en cautiverio y ya no está muerto es el panel final de una serie de tapices que muestran simbolismo pagano y cristiano. Los temas paganos enfatizan la tradición medieval de los amantes engañados, mientras que los escritos cristianos interpretan al unicornio y su muerte como la Pasión de Cristo. Los escritores cristianos han identificado durante mucho tiempo al unicornio como un símbolo de Cristo, reclutando el simbolismo tradicionalmente pagano del unicornio. Los mitos paganos originales sobre La Caza del Unicornio hacen referencia a un animal con un solo cuerno que sólo puede ser domesticado por una virgen; Los eruditos cristianos tradujeron esto en una alegoría de la relación de Cristo con la Virgen María.

En el tapiz gótico, los creadores consideraron los acontecimientos bíblicos como históricos y vincularon las narrativas bíblicas y seculares en el tejido del tapiz. El arte medieval ilustraba principios morales y los tapices utilizaban alegorías narrativas para ilustrar estas morales. La caza secular del unicornio no era simplemente un arte cristiano, sino también una representación alegórica de la Anunciación.

Reconociendo la especulación de que los tapices fueron encargados para celebrar un matrimonio, se observa que los poetas medievales relacionaron la domesticación del unicornio con la devoción y el sometimiento del amor. La domesticación del unicornio simboliza al amante o compañero secular que fue encadenado por una virgen y atrapado en la cerca (en el tapiz El unicornio en cautiverio). Además, el autor señaló que el concepto de un Dios del cielo y un Dios del amor superpuestos fue aceptado a finales de la Edad Media.

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Geraint y Enid se alejan (1868)
por Gustave Doré

Esta imagen ilustra las líneas del idilio "Enid" de Tennyson (más tarde "Geraint y Enid")

Montó, y alcanzó una mano, y sobre su pie.
Ella puso la suya y subió; él giró su rostro
Y la besó subiendo, y ella echó los brazos
A su alrededor, y al instante se marcharon.

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Bóreas (1903)
por John William Waterhouse (Inglaterra, 1849-1917)

Bóreas es el nombre del dios griego del viento del norte y representa a una mujer joven azotada por el viento. Originalmente una pintura al óleo de estilo prerrafaelita creada en 1903, esta reproducción de póster aún mantiene los hermosos detalles del original.

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Placa XV de mariposas británicas, figuras y descripciones de cada especie nativa.
por William Stephen Coleman (1897)

Esta hermosa ilustración del raro libro victoriano British Butterflies representa seis especies de mariposas comunes nativas de Inglaterra: Scarce Swallow-tail, Apollo, Arran Brown, Weaver's Fritillary, Purple-edged Copper y Tailed-Blue. William Stephen Coleman (1829-1904) fue un pintor e ilustrador inglés.

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Los cuatro jinetes, de El Apocalipsis (1498)
Grabado de Alberto Durero (alemán, 1471-1528)

En 1498 Durero publicó un libro que ilustra la Revelación de Juan o el Apocalipsis de Juan, el último libro del Nuevo Testamento. Las imágenes eran únicas por su gran escala, amplitud de concepto y unidad de diseño. El primer libro publicado e ilustrado por el artista, constaba de una portada y 15 xilografías de hojas completas con texto en el reverso de todas las hojas excepto la última. A menudo visible a través del papel, el texto estropea la imagen en el anverso de la hoja. Las mejores impresiones a menudo se imprimían sin texto, como ésta de Los cuatro jinetes . Aquí, Durero sugirió el vigoroso impulso de los jinetes a través de la ropa de los jinetes arrastrada por el viento, las nubes azotadas por el viento y las figuras pisoteadas bajo los cascos de los caballos que se acercaban.

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Bellona al frente de los ejércitos del emperador contra los turcos (1600)
por Jan Muller (holandés, 1571-1628)

Se dice que la figura central, Bellona (la diosa romana de la guerra), es la hermana o la esposa de Marte, dios de la guerra. Detrás de ella, en la bandera, aparece el águila bicéfala de los Habsburgo. Nacido en Ámsterdam, Jan Muller probablemente aprendió a grabar de su padre, Harman Muller, grabador y editor. Viajó a Italia en la década de 1590 y presumiblemente se detuvo en Praga en el camino. Allí realizó grabados basados ​​en diseños de artistas empleados en la corte de los Habsburgo, incluido Bartholomeaus Spranger (1546-1611).

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La bruja (Pieza nocturna) (1626)
por Jan van de Velde (holandés, 1620-1662)

Esta escena nocturna muestra a una hechicera preparando su malvado brebaje en compañía de extrañas bestias. Ella se encuentra dentro de un "círculo mágico" grabado en el suelo, el espacio sobrenaturalmente consagrado para la brujería, una probable inspiración para las formas circulares de las pinturas de Rosa. Ella vuelca un cuerno en su caldero envuelto en llamas ondulantes; Mezclándose con el polvo hay dos chorros de ceniza que brotan de tuberías sostenidas por un demonio que da volteretas a la izquierda. La composición decorativa y arremolinada y la variedad de criaturas grotescas que hacen muecas cómplices y tontas al espectador añaden elementos de fantasía y farsa al tema ocultista aparentemente serio.

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The Souls of Acheron (1898)
by Adolf Hirémy-Hirschl
Hungarian, 1860-1933

Adolf Hirémy-Hirschl was a Hungarian artist renowned for his historical and mythological paintings, particularly those related to ancient Rome. His work “The Souls of Acheron,” painted in 1898, is a vivid portrayal of the Greek mythological concept of the afterlife.

In this painting, Hirémy-Hirschl depicts the god Hermes, identifiable by his winged hat and dark blue robes, as he leads the recently deceased to the lower world. The scene is set on the banks of the River Acheron, known in mythology as the river of woe, one of the five rivers of the Greek underworld. The dead are shown pleading with Hermes to allow them to return to the upper world, but he ignores their cries as he strides through the bodies to meet Charon at the shore, who will ferry these souls across the river into the underworld.

Hirémy-Hirschl’s painting captures the essence of this mythology with a dramatic composition that emphasizes the contrast between the divine figure of Hermes and the despairing souls. The use of light and shadow, along with the somber color palette, evokes the emotional weight of the scene and reflects the artist’s skill in conveying narrative through visual art.

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Tamara and the Demon (1889)
by Konstantin Makovsky
Russian, 1839-1915 

Konstantin Makovsky was an influential Russian painter, affiliated with the “Peredvizhniki” or “Wanderers.” He was known for his historical paintings that often presented an idealized view of Russian life in previous centuries. 

“Tamara and the Demon” is a captivating painting that delves into the themes of virtue and evil, drawing inspiration from Mikhail Lermontov’s poem “Demon”, which tells a story of a fallen angel who wanders the earth filled with bitterness and loneliness. Set in the Caucasus Mountains, the Demon encounters Tamara, a beautiful Georgian princess, and becomes infatuated with her. The Demon indirectly causes the death of Tamara’s betrothed and he eventually reveals himself to her. Tamara is drawn to him and succumbs to his embrace, which proves fatal. In the end, Tamara’s soul ascends to heaven, while the Demon is left alone once again, despairing and without hope. The poem is a complex exploration of themes such as the nature of evil, redemption, and the possibility of love and compassion for even the most damned beings.

Matte Poster
• Printed with Dye/Pigment Reactive Ink on Archival Matte Paper
• Shipped in Heavy Duty Poster Tube
• Heavy weight (210 gsm), thick base, and an instant-dry coating that resists fingerprints and smudging

Scops Owl in Flight, Cherry Blossoms and Full Moon (1926)
by Ohara Koson
Japanese, 1877-1945 

Ohara Koson, also known as Ohara Shōson and Ohara Hōson, was a Japanese painter and printmaker, particularly renowned for his kachō-e (bird-and-flower) woodblock prints. Koson’s work was part of the shin-hanga (“new prints”) movement, which revitalized traditional ukiyo-e art by integrating Western elements. He produced a prolific number of prints, many of which were exported to the United States, contributing to his international acclaim.

“Scops Owl in Flight, Cherry Blossoms and Full Moon,” created in 1926, is a quintessential example of Koson’s mastery in capturing the beauty of nature. The woodblock print features a scops owl in mid-flight against a backdrop of cherry blossoms and a full moon, encapsulating the transient beauty of spring and the serene elegance of the nocturnal bird. The owl’s detailed feathers and the delicate petals of the cherry blossoms are set against the muted colors of the night sky, creating a harmonious and dynamic composition. This work reflects the Japanese appreciation of nature’s fleeting moments, a theme often explored in Koson’s art.

The print is celebrated for its fine detail and the interplay of light and shadow, showcasing Koson’s skill in the traditional Japanese woodblock printing technique. “Scops Owl in Flight, Cherry Blossoms and Full Moon” remains a beloved piece for its poetic depiction of nature and its embodiment of the shin-hanga style.

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