La pesadilla (1781)
por Henry Fuseli (Suiza, 1741-1825)

La pesadilla es una pintura al óleo de 1781 del artista suizo Henry Fuseli. Muestra a una mujer en un sueño profundo con los brazos extendidos debajo de ella y con un íncubo demoníaco y simiesco agachado sobre su pecho.

La evocación onírica e inquietante del enamoramiento y la obsesión de la pintura fue un gran éxito popular.

Para los espectadores contemporáneos, The Nightmare invocó la relación del íncubo y el caballo (yegua) con las pesadillas. La obra probablemente se inspiró en los sueños despiertos experimentados por Fuseli y sus contemporáneos, quienes descubrieron que estas experiencias estaban relacionadas con creencias folclóricas como los cuentos germánicos sobre demonios y brujas que poseían a las personas que dormían solas. En estas historias, los hombres eran visitados por caballos o brujas, dando lugar a los términos "montar brujas" y "montar yeguas", y se creía que las mujeres tenían relaciones sexuales con el diablo. La etimología de la palabra "pesadilla", sin embargo, no se refiere a los caballos. Más bien, la palabra se deriva de mara, un término mitológico escandinavo que se refiere a un espíritu enviado para atormentar o asfixiar a los durmientes. El significado inicial de "pesadilla" incluía la experiencia de peso en el pecho del durmiente combinado con parálisis del sueño, disnea o una sensación de pavor. La pintura incorpora una variedad de imágenes asociadas con estas ideas, que representan la cabeza de una yegua y un demonio agazapado encima de la mujer.

Es posible que Fuseli haya añadido el caballo como una ocurrencia tardía, ya que un boceto preliminar con tiza no lo incluía. Su presencia en la pintura ha sido vista como un juego de palabras visual con la palabra "pesadilla" y una referencia consciente al folclore: el caballo desestabiliza la presunción de la pintura y contribuye a su tono gótico.

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Kaloma (1914)
Fotografía de Pastime Novelty Co. de Nueva York

Una fotografía estadounidense icónica, que en un momento se suponía que era de Josephine Sarah "Sadie" Marcus Earp, esposa de Wyatt Earp. Se asocia con Wyatt Earp, principalmente porque apareció en la portada de un libro llamado I Married Wyatt Earp.

Sin embargo, es poco probable que sea ella. Según el tasador de antigüedades C. Wesley Cowan, The Pastime Novelty Company de la ciudad de Nueva York se especializaba en fotografías sugerentes y contrataba modelos a medida que podía encontrarlas. ¿Podría Sadie haber sido uno de ellos? No es probable. Nació en 1861. Esta foto fue tomada en 1914, lo que significa que tendría 53 años.

En la década de 1960, Kaloma revivió como una imagen atrevida y nostálgica, apareciendo en muchas publicaciones hippies y carteles de conciertos.

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Sábado de brujas [El Aquelarre] (1798)
Pintura de Francisco Goya (español, 1746-1828)

El sábado de las brujas muestra al Diablo en forma de una cabra con guirnaldas, rodeado por un aquelarre de brujas desfiguradas, jóvenes y envejecidas, en un paisaje árido iluminado por la luna. La cabra posee grandes cuernos y está coronada por una corona de hojas de roble. A la derecha, se puede ver a una vieja bruja sosteniendo en sus manos a un bebé que parece extremadamente hambriento, pero aparentemente todavía vivo, mientras que una bruja más joven a su derecha hace lo mismo con un niño que parece más saludable, lo que implica que seguirán el mismo destino. El Diablo parece actuar como una especie de sacerdote en una ceremonia de iniciación para los niños, aunque la superstición popular de la época creía que el Diablo a menudo se alimentaba de niños y fetos humanos. El cadáver de un bebé se puede ver tirado a la izquierda, mientras que las piernas de otro se pueden ver sujetas con fuerza al suelo por una bruja presumiblemente más joven en el centro del primer plano. Al fondo se pueden ver más brujas, jóvenes y mayores, así como tres niños muertos, aparentemente esposados, colgados del cuello de una estaca a la izquierda en la distancia.

Como es típico en las imágenes de brujería, muchos de los símbolos utilizados están invertidos. La cabra extiende su pezuña izquierda en lugar de la derecha hacia el niño, mientras que el cuarto de luna mira hacia fuera del lienzo en la esquina superior izquierda. En el terreno elevado medio, se puede ver una serie de murciélagos volando por encima, y ​​su movimiento en bandada hace eco de la curva de la luna creciente.

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Esqueletos , también conocida como Alegoría de la Muerte y la Fama (1518)
por Agostino Veneziano (italiano, 1490-1540)

Aunque durante siglos los estudiosos han intentado comprender el significado alegórico de este grabado, el artista y autor del siglo XVI Giorgio Vasari lo describió simplemente como “una anatomía de desnudos disecados y de huesos de muertos”. Una figura central de la Muerte alada se alza sobre un esqueleto enterrado, rodeada por una variedad de figuras humanas esqueléticas y vivientes que parecen debatir el destino del alma. En el extremo izquierdo hay un hombre “marásmico”, un tipo de cuerpo secado al sol que utilizan los anatomistas para estudiar los músculos sin quitar la piel. Rosso Fiorentino, que diseñó la composición de este grabado para ser grabado por Agostino Veneziano, fue un florentino contemporáneo de Miguel Ángel que planeó un libro sobre anatomía que nunca se publicó.

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Medusa (1900)
by Wilhelm Kotarbiński (a.k.a. Vasily Alexandrovich Kotarbiński)
Polish, 1849-1921 

Wilhelm Kotarbiński was a Polish symbolist painter who spent most of his life in the Russian Empire. He was educated in Italy and moved to Kyiv early in his career. He is associated with the Art Nouveau movement. 

The painting “Medusa” is a captivating work that delves into the rich tapestry of Greek mythology. Medusa, one of the three Gorgon sisters, was often depicted as a monstrous figure with snakes for hair, whose gaze could turn onlookers to stone. 

Symbolist artists aimed to capture the essence of subjects through metaphor and emotion, often exploring themes of love, fear, and the subconscious. In the case of Medusa, the artwork might explore the duality of her nature—both monstrous and wronged, a victim and a villain. The painting could emphasize the tragic elements of Medusa’s story, highlighting her transformation from a beautiful maiden to a creature of horror, which is a common theme in interpretations of her myth.

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The Truth Lies in Old Books (1910)
by Marian Wawrzeniecki
Polish, 1863-1943

Marian Wawrzeniecki was a Polish archaeologist, ethnographer, painter, draughtsman, and art historian from Warsaw, Poland. Wawrzeniecki’s paintings are known for their evocative imagery and often feature mystical and allegorical subjects.

The painting The Truth Lies in Old Books is a striking work that depicts a woman’s fleshy body with a skull for a head, collapsed upon an open book and gripping a bloody root. The painting’s title suggests a commentary on the search for knowledge and truth through literature and the written word, with the visual elements adding a layer of depth to this interpretation. It reflects the symbolism movement, which often explored themes of life, death, and the human condition through allegorical and sometimes macabre imagery.

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Kriemhild (1924)
Promotional photo of Margarete Schön
by Universum Film (UFA) 

“Die Nibelungen: Kriemhild’s Revenge” is a silent film directed by Fritz Lang, released in 1924. It is the second part of Lang’s two-part series, the first being “Die Nibelungen: Siegfried.” It is considered one of the greatest artistic and technical achievements of the German silent cinema era. Lang’s adaptation of the epic poem “The Song of the Nibelungs” was a monumental task that showcased the capabilities of early cinema.

In the film “Die Nibelungen: Kriemhild’s Revenge,” Kriemhild’s character is portrayed by Margarete Schön as a figure of remorseless and implacable determination, seeking revenge for the murder of her husband, Siegfried. Her costume design plays a significant role in conveying this transformation from a grieving widow to a vengeful queen.

The costume obscures much of her, leaving her face, and particularly her eyes, to express the depth of Kriemhild’s emotions. This design choice emphasizes her intense gaze, which conveys her inner turmoil and unyielding resolve. The costume likely includes elements that are both regal and somber, reflecting her royal status and her dark purpose.

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Geraint y Enid se alejan (1868)
por Gustave Doré

Esta imagen ilustra las líneas del idilio "Enid" de Tennyson (más tarde "Geraint y Enid")

Montó, y alcanzó una mano, y sobre su pie.
Ella puso la suya y subió; él giró su rostro
Y la besó subiendo, y ella echó los brazos
A su alrededor, y al instante se marcharon.

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Bóreas (1903)
por John William Waterhouse (Inglaterra, 1849-1917)

Bóreas es el nombre del dios griego del viento del norte y representa a una mujer joven azotada por el viento. Originalmente una pintura al óleo de estilo prerrafaelita creada en 1903, esta reproducción de póster aún mantiene los hermosos detalles del original.

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Chauve-Souris D'Egypte [Murciélagos de Egipto] (1809)
por Geoffrey St. Hilaire (francés, 1772-1844)

La campaña francesa en Egipto y Siria fue la invasión de territorios otomanos por parte de Napoleón Bonaparte en nombre de la protección de los intereses comerciales franceses. Un aspecto inusual de la expedición fue la inclusión de muchos científicos y eruditos.

Esta impresión es la primera lámina de los volúmenes de Histoire Naturelle de los libros que contienen los diversos animales, plantas y rocas que los eruditos franceses descubrieron durante la campaña egipcia. Esta placa representa tres especies de murciélagos: el murciélago de tumba de vientre desnudo, el murciélago de cara hueca y el murciélago pipistrelle común.

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Placa XV de mariposas británicas, figuras y descripciones de cada especie nativa.
por William Stephen Coleman (1897)

Esta hermosa ilustración del raro libro victoriano British Butterflies representa seis especies de mariposas comunes nativas de Inglaterra: Scarce Swallow-tail, Apollo, Arran Brown, Weaver's Fritillary, Purple-edged Copper y Tailed-Blue. William Stephen Coleman (1829-1904) fue un pintor e ilustrador inglés.

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Los cuatro jinetes, de El Apocalipsis (1498)
Grabado de Alberto Durero (alemán, 1471-1528)

En 1498 Durero publicó un libro que ilustra la Revelación de Juan o el Apocalipsis de Juan, el último libro del Nuevo Testamento. Las imágenes eran únicas por su gran escala, amplitud de concepto y unidad de diseño. El primer libro publicado e ilustrado por el artista, constaba de una portada y 15 xilografías de hojas completas con texto en el reverso de todas las hojas excepto la última. A menudo visible a través del papel, el texto estropea la imagen en el anverso de la hoja. Las mejores impresiones a menudo se imprimían sin texto, como ésta de Los cuatro jinetes . Aquí, Durero sugirió el vigoroso impulso de los jinetes a través de la ropa de los jinetes arrastrada por el viento, las nubes azotadas por el viento y las figuras pisoteadas bajo los cascos de los caballos que se acercaban.

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Scops Owl in Flight, Cherry Blossoms and Full Moon (1926)
by Ohara Koson
Japanese, 1877-1945 

Ohara Koson, also known as Ohara Shōson and Ohara Hōson, was a Japanese painter and printmaker, particularly renowned for his kachō-e (bird-and-flower) woodblock prints. Koson’s work was part of the shin-hanga (“new prints”) movement, which revitalized traditional ukiyo-e art by integrating Western elements. He produced a prolific number of prints, many of which were exported to the United States, contributing to his international acclaim.

“Scops Owl in Flight, Cherry Blossoms and Full Moon,” created in 1926, is a quintessential example of Koson’s mastery in capturing the beauty of nature. The woodblock print features a scops owl in mid-flight against a backdrop of cherry blossoms and a full moon, encapsulating the transient beauty of spring and the serene elegance of the nocturnal bird. The owl’s detailed feathers and the delicate petals of the cherry blossoms are set against the muted colors of the night sky, creating a harmonious and dynamic composition. This work reflects the Japanese appreciation of nature’s fleeting moments, a theme often explored in Koson’s art.

The print is celebrated for its fine detail and the interplay of light and shadow, showcasing Koson’s skill in the traditional Japanese woodblock printing technique. “Scops Owl in Flight, Cherry Blossoms and Full Moon” remains a beloved piece for its poetic depiction of nature and its embodiment of the shin-hanga style.

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Woman at a Mirror (c. 1850)
by Johann Mongels Culverhouse
Dutch, 1820-1895

Johann Mongels Culverhouse was a Dutch artist known for his “candlelight paintings,” which were nocturnal scenes illuminated by moonlight or candlelight, reflecting the tradition of 17th-century Dutch painting. He is also recognized for his genre subjects, including taverns, markets, and streets, which he continued to paint after moving to the United States around 1849.

“Woman at a Mirror” is a work that draws on the Dutch tradition of genre painting. Culverhouse’s painting captures the spirit of ordinary life, focusing on a woman looking at herself in the mirror. This scene is likely to emphasize themes of vanity, beauty, or self-reflection, common in genre paintings of the time.

The painting’s style, with its attention to the effects of light and shadow, as well as the detailed rendering of textures and materials, showcases Culverhouse’s skill and his adherence to the techniques and themes of his Dutch predecessors. “Woman at a Mirror” stands as a testament to Culverhouse’s ability to blend traditional Dutch artistry with his own unique perspective, creating works that appealed to both European and American audiences of his time.

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"L’Atlantide" (1924)
by Almery Lobel-Riche
French, 1877-1950

Almery Lobel-Riche, born Alméric Joseph Riche, was a French painter, engraver, and illustrator renowned for his depictions of the female form and the elite society of the Belle Époque. His work “Études de Filles [L’Atlantide]” showcases his skill in etching, a medium he frequently employed to capture the sensuality and elegance of his subjects.

The series “Études de Filles” is noted for its intricate detail and the delicate interplay of light and shadow, which Lobel-Riche masterfully used to highlight the grace and poise of the female figures. The title “L’Atlantide” suggests a mythical or lost world, possibly alluding to the lost city of Atlantis, which could be a metaphor for the ephemeral nature of beauty and youth that the artist often explored in his work.

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Circe (1888)
by Louis Chalon (French, 1866-1940)

Louis Chalon was a French artist who began his career as an illustrator and was known for his classically inspired paintings, illustrations for books, and decorative objects. Chalon’s works often featured mythological and allegorical subjects.

His painting “Circe” stands as a testament to his skill in capturing the allure and mystique of mythological figures. Chalon’s depiction is noted for its exotic elements, combining various cultural motifs to create a setting that reflects Circe’s otherworldly nature. The painting frames Circe with a radiant sun behind her, alluding to her divine parentage as the daughter of the sun god Helios.

The legend of Circe is rich and complex. She is known as a minor goddess or enchantress in Greek mythology, often associated with magic and transformation. Circe’s most famous myth involves her encounter with Odysseus in Homer’s “Odyssey,” where she turns his men into pigs with a potion. Odysseus, protected by an herb from Hermes, confronts and overcomes Circe, who then helps him on his journey home.

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Angel in a Cemetery
by Vasily Alexandrovich Kotarbinsky
Polish, 1848-1921

Vasily Alexandrovich Kotarbinsky was a Polish symbolist painter known for his historical and fantastical subjects. Kotarbinsky’s works often evoke a sense of mysticism and are rich in symbolic meaning. His paintings typically feature elements of mythology, religion, and history, rendered with a romantic and often melancholic tone.

In "Angel in a Cemetery" The six-winged angel, which could be interpreted as a seraphim based on biblical descriptions, hovering in a cemetery beside a river, suggests a scene filled with symbolism. The seraphim are known to be the highest order of angels, often associated with light and purity. 

Kotarbinsky’s choice to depict the angel as ghost-like could imply the ethereal and otherworldly nature of spiritual beings, as well as the thin veil between life and death. This artwork likely evokes contemplation on mortality, the soul’s journey, and the hope of divine presence even in the final resting place. Such a piece would be rich in emotional and spiritual depth, inviting viewers to reflect on the profound themes it represents.

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Fotografía del eclipse solar de 1927 (1927)
por Sir Frank Dyson, astrónomo
Observatorio Real, Greenwich, Reino Unido

En junio de 1927, Gran Bretaña estaba presa de la fiebre del eclipse. Para el 29 de junio se predijo un eclipse total de sol, el primero visible en Gran Bretaña en más de 200 años. El camino de la totalidad atravesó el norte de Gales y el centro de Inglaterra, desde Criccieth en el norte de Gales hasta Hartlepool en la costa este.

Esta fotografía del eclipse, tomada por el astrónomo real Sir Frank Dyson, es un excelente ejemplo de fotografía astronómica temprana y es una excelente pieza de arte mural minimalista.

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La osteología comparada (1821-1838)
de Die vergleichende Osteologie [La osteología comparada]
recopilado por Christian Heinrich Pander e ilustrado por Eduard d'Alton

Eduard d'Alton fue profesor de historia del arte en la Academia Prusiana de las Artes de la Universidad de Bonn. Christian Heinrich Pander era un biólogo alemán del Báltico que vivía en Letonia y era miembro de la Academia de Ciencias de San Petersburgo, donde era más conocido por sus innovadores estudios sobre los trilobites. Su colaboración dio como resultado Die vergleichende Osteologie [La osteología comparada], una extraordinaria guía ilustrada de huesos de animales.

La diversa gama de animales incluye de todo, desde fauna de gran tamaño como elefantes, rinocerontes e hipopótamos, hasta criaturas más familiares como puercoespines y ardillas rojas. La colección incluye incluso una representación del extinto perezoso terrestre gigante.

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El Unicornio está en cautiverio y ya no está muerto (1495-1505)
Tejido en el sur de Holanda por artesanos desconocidos.

El unicornio está en cautiverio y ya no está muerto es el panel final de una serie de tapices que muestran simbolismo pagano y cristiano. Los temas paganos enfatizan la tradición medieval de los amantes engañados, mientras que los escritos cristianos interpretan al unicornio y su muerte como la Pasión de Cristo. Los escritores cristianos han identificado durante mucho tiempo al unicornio como un símbolo de Cristo, reclutando el simbolismo tradicionalmente pagano del unicornio. Los mitos paganos originales sobre La Caza del Unicornio hacen referencia a un animal con un solo cuerno que sólo puede ser domesticado por una virgen; Los eruditos cristianos tradujeron esto en una alegoría de la relación de Cristo con la Virgen María.

En el tapiz gótico, los creadores consideraron los acontecimientos bíblicos como históricos y vincularon las narrativas bíblicas y seculares en el tejido del tapiz. El arte medieval ilustraba principios morales y los tapices utilizaban alegorías narrativas para ilustrar estas morales. La caza secular del unicornio no era simplemente un arte cristiano, sino también una representación alegórica de la Anunciación.

Reconociendo la especulación de que los tapices fueron encargados para celebrar un matrimonio, se observa que los poetas medievales relacionaron la domesticación del unicornio con la devoción y el sometimiento del amor. La domesticación del unicornio simboliza al amante o compañero secular que fue encadenado por una virgen y atrapado en la cerca (en el tapiz El unicornio en cautiverio). Además, el autor señaló que el concepto de un Dios del cielo y un Dios del amor superpuestos fue aceptado a finales de la Edad Media.

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Cuervo en un día nublado
por Desconocido

Una sorprendente fotografía de un cuervo volando contra un cielo tormentoso.

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Kraft und List [Poder y astucia], (1880)
Josef Arpád Koppay (Hungría, 1859-1927)

El barón József Árpád Koppay von Drétoma fue un retratista austrohúngaro. Esta obra, Kraft und List, representa un león (fuerza) con una cadena alrededor del cuello. Apoyada contra él hay una mujer alada de ojos oscuros (astuta). Presumiblemente ella sostiene el otro extremo de la cadena del león. Curiosamente, este dibujo es una variación de una de sus obras anteriores, El fuerte y el débil . En la pintura original no había cementerio y la mujer no tenía alas.

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El tango alemán (La dama baila con la muerte) (1916)
por Louis Raemaekers

La muerte es una compañera despiadada: cuando la llaman a la danza, reclama posesión eterna. Este es un veredicto despiadado de la caricatura simbólica “Tango alemán” del pintor holandés Louis Raemaekers. El pintor pintó alrededor de 1.000 obras sobre la Primera Guerra Mundial y es uno de los caricaturistas más destacados de esta guerra, que contribuyó en gran medida a la propaganda de guerra antialemana. Las obras persuasivas, simbólicas, sencillas, valientes, impactantes y grotescas de Raemaekers, incluso después de 100 años, siguen fascinando a los espectadores.

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Fragilidad humana [L'Umana Fragilità] (1656)
por Salvator Rosa (Italia, 1615-1673)

La fragilidad humana fue pintada durante una época de gran pestilencia. El propio artista había perdido a muchos familiares cercanos a causa de la enfermedad, incluidos su hijo, su hermano y su hermana. La pintura representa a la amante del artista, Lucrezia, y su hijo. El Ángel de la Muerte aprieta la muñeca del joven y lo obliga a escribir: " Conceptio Culpa, Nasci Pena, Labor Vita, Necesse Mori ", que significa " La concepción es un pecado, el nacimiento es dolor, la vida es trabajo, la muerte es una necesidad". El fondo de la imagen contiene muchos objetos premonitorios y recuerdos mori.

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Naturaleza muerta con calavera y pluma de escribir (1628)
por Pieter Claesz (Bélgica, 1597-1661)

En esta naturaleza muerta, la observación minuciosa y los detalles realistas operan en tensión con un simbolismo explícito. El cristal caído, el cráneo con dientes separados y la mecha de una lámpara de aceite sirven como claros símbolos de la brevedad de la vida. Trabajando con una paleta limitada de grises y marrones, Claesz describe cuidadosamente las superficies de estos inquietantes objetos. Al colocarlos sobre una repisa de piedra picada, el artista conecta el espacio de la imagen con el nuestro, haciendo que el mensaje sea aún más convincente.

Póster mate

Impreso con tinta reactiva de tintes/pigmentos En papel mate de archivo. Se envía en un tubo para póster de alta resistencia. Peso pesado (230 g/m²), base gruesa (9,5 mil) y un revestimiento de secado instantáneo que resiste las huellas dactilares y las manchas.

• Impreso con tinta reactiva de tinte/pigmento.
• En papel mate de archivo
• Se envía en tubo de póster resistente.
• Peso pesado (230 g/m²), base gruesa (9,5 mil) y un revestimiento de secado instantáneo que resiste las huellas dactilares y las manchas.

"La Vie De L'Abeille" [La vida de la abeja]

Este hermoso cartel educativo francés antiguo representa el ciclo de vida de la abeja.

Póster mate

Impreso con tinta reactiva de tintes/pigmentos En papel mate de archivo. Se envía en un tubo para póster de alta resistencia. Peso pesado (230 g/m²), base gruesa (9,5 mil) y un revestimiento de secado instantáneo que resiste las huellas dactilares y las manchas.

• Impreso con tinta reactiva de tinte/pigmento.
• En papel mate de archivo
• Se envía en tubo de póster resistente.
• Peso pesado (230 g/m²), base gruesa (9,5 mil) y un revestimiento de secado instantáneo que resiste las huellas dactilares y las manchas.

Póster mate

Impreso con tinta reactiva de tintes/pigmentos En papel mate de archivo. Se envía en un tubo para póster de alta resistencia. Peso pesado (230 g/m²), base gruesa (9,5 mil) y un revestimiento de secado instantáneo que resiste las huellas dactilares y las manchas.

• Impreso con tinta reactiva de tinte/pigmento.
• En papel mate de archivo
• Se envía en tubo de póster resistente.
• Peso pesado (230 g/m²), base gruesa (9,5 mil) y un revestimiento de secado instantáneo que resiste las huellas dactilares y las manchas.

La familia sátiro (1505)
Grabado de Alberto Durero (alemán, 1471-1528)

El interés de Durero por las imágenes mitológicas surgió de su familiaridad con el Renacimiento italiano. En este ambiguo grabado, Durero representó a un sátiro, una criatura híbrida del bosque típicamente asociada con la lujuria, en el papel de padre y hombre de familia. En lugar de divertirse en el bosque, le pone música a su hijo recién nacido. El juego de Durero sobre el tema de la madre y el niño y el comportamiento paternal poco convencional del sátiro llaman la atención sobre una forma de vida primitiva y simplificada. Sin embargo, en contraste, el grupo descansa dentro de un denso bosque inhóspito donde las copas de los árboles están astilladas y las ramas muertas, lo que implica que el enfoque instintivo relajado de las figuras hacia la procreación y la sexualidad permanece fuera de los límites de la virtud cristiana.

Póster mate

Impreso con tinta reactiva de tintes/pigmentos En papel mate de archivo. Se envía en un tubo para póster de alta resistencia. Peso pesado (230 g/m²), base gruesa (9,5 mil) y un revestimiento de secado instantáneo que resiste las huellas dactilares y las manchas.

• Impreso con tinta reactiva de tinte/pigmento.
• En papel mate de archivo
• Se envía en tubo de póster resistente.
• Peso pesado (230 g/m²), base gruesa (9,5 mil) y un revestimiento de secado instantáneo que resiste las huellas dactilares y las manchas.