Vuelo de la fantasía... En busca del Sabbot (1927)
por William Mortensen (Estados Unidos, 1897-1965)

En una lista de los pioneros de la fotografía moderna, nunca se invoca un nombre. Desde finales de los años 1920 hasta los años 1950, William Mortensen fue uno de los fotógrafos más famosos y célebres de Estados Unidos. Sin embargo, su temática –que viró hacia lo salvaje, indecoroso, gótico y grotesco– así como su uso del montaje y la ilustración, lo convirtieron en un paria entre la nueva guardia puritana de la fotografía, encabezada por Ansel Adams, quien intentó escribirle. fuera de la historia, e incluso lo llamó "El Anticristo".

Los métodos de Mortensen a menudo hacían difícil distinguir si los resultados eran fotografías o no. Utilizó técnicas tradicionales de grabado, como el bromoiling, y desarrolló muchas propias. Creaba imágenes compuestas, raspaba, raspaba y dibujaba en sus impresiones, luego aplicaba una textura que las hacía parecer grabados, disfrazando así sus manipulaciones. En consecuencia, cada impresión era única. En última instancia, el objetivo de Mortensen era crear algo que, a todos los efectos, pareciera una fotografía, pero que retratara escenas tan fantásticas que causaran asombro y asombro en el espectador.

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Bruja montando un murciélago (1916)
por Ida Rentoul Outhwaite (Australia, 1888-1960)

Ida Rentoul Outhwaite fue una ilustradora australiana de libros para niños, cuyo trabajo representaba principalmente criaturas mágicas como elfos y hadas. Mucho antes de que las versiones modernas de los cuentos de hadas vieran a Anna y Elsa de Frozen coronadas como íconos feministas inesperados, ella estaba celebrando el poder de lo femenino de maneras sutiles. Los dibujos suelen ser bastante intensos emocionalmente y representan a un hada o una niña flotando sobre un paisaje rocoso o un mar profundo y aterrador, sin miedo.

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"The Castle Rising Sisters" (también conocido como "La fiesta del té de las brujas galesas")
Fotografía de Unknown (Inglaterra)

Esta fotografía se titula comúnmente "Fiesta del té de las brujas galesas", pero los sujetos no son brujas ni galeses. Están posados ​​en el Trinity Hospital, Castle Rising en Northampton, Inglaterra. Trinity Hospital, Castle Rising era una organización benéfica Almshouse, un lugar para que vivieran mujeres pobres solteras (o viudas) mayores de 56 años.

Los requisitos originales (alrededor de 1600) eran: “Deben ser de vida y conversación honestas, religiosas, serias y discretas, capaces de leer, si así fuera, una mujer soltera, su lugar debe ser nulo en el matrimonio, ser de 56 años al menos, no es un mendigo común, una ramera, un regañono, un borracho, un frecuentador de tabernas, posadas y cervecerías”.

Se pidió a los residentes del Trinity Hospital que acudieran a la oración tres veces al día para decir el Padrenuestro, el Credo y una oración ordenada por el Fundador para él y su noble familia.

Si avanzamos hasta el día de hoy, los criterios de esta organización benéfica de beneficencia no son tan estrictos. El único requisito de calificación es para mujeres solteras de las parroquias de Castle Rising, North Wootton y Roydon que se encuentran en circunstancias financieras reducidas. Hoy en día tampoco existe un código de vestimenta, pero los residentes se enorgullecen de vestirse con el “uniforme” (como el de la imagen) proporcionado por Henry Howard, conde de Northampton, para ocasiones especiales como el Día del Fundador.

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Meteoric Shower of Nov. 13, 1833 (1889)
by Adolf Vollmy
Swiss

This engraving by Swiss artist Adolf Vellmy depicts a significant event in astronomical history: the 1833 Leonid meteor shower. This celestial phenomenon captivated observers worldwide as it unfolded during the early hours of November 13. Hundreds of thousands of meteors streaked across the night sky, leaving an indelible impression on those fortunate enough to witness it. It was the first recorded meteor storm of modern times. 

Please Note: The original image for this artwork is small and low resolution. We've applied cutting-edge upscaling software to enhance its sharpness across all sizes. However, some details might still appear less sharp upon close inspection.

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"Chiroptera" [Murciélagos vampiros] (1904)
lámina 67 de Kunstformen der Natur por Ernst Haeckel

Ernst Haeckel (1834-1919) fue un zoólogo y naturalista alemán que describió y nombró miles de nuevas especies y creó muchos términos que se utilizan hoy en día en biología. Su obra de más de cien ilustraciones de animales y criaturas marinas, Kunstformen der Natur ("Formas de arte en la naturaleza"), influiría en el movimiento artístico Art Nouveau.

Esta placa de Chiroptera representa las estructuras faciales únicas de varias especies de murciélagos de nariz de hoja, la familia de murciélagos que incluye a los murciélagos vampiros.

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Safo (1881)
de Miguel Carbonell Selva (España, 1854-1896)

En un cuadro que lleva por título Safo, vemos la figura de Safo en el momento en que está a punto de saltar a la muerte, lanzándose al mar desde las alturas de Leukas.

Safo fue una famosa poeta griega de la isla de Lesbos que vivió desde c. 630-c. 570 a.C. A veces se la llama la "Décima Musa" porque sus habilidades para tocar música y escribir poesía eran legendarias. Una historia intrigante sobre su muerte ha estado circulando durante milenios, pero no hay evidencia de su veracidad. La historia cuenta que Safo se arrojó por los acantilados de la isla griega Leucadia debido a su amor por Faón, un barquero.

Algunos estudiosos creen que Safo era lesbiana y muchos de sus poemas pueden interpretarse como homoeróticos. De hecho, el adjetivo 'sáfico' puede referirse a cierto tipo de poesía lírica o al lesbianismo (es decir, una relación sáfica).

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La Femme Chauve-Souris [La mujer murciélago] (1890)
Albert Joseph Pénot (Francia, 1862-1930)

Albert Joseph Pénot fue un pintor francés conocido por sus desnudos femeninos y sus paisajes. Hoy en día, es más popular y específicamente reconocido por un subconjunto de pinturas centradas en mujeres de temas más oscuros y macabros.

A Pénot le preocupaban ante todo las representaciones anatómicamente precisas de las mujeres. Las formas femeninas singulares fueron el foco implícito de su trabajo, mientras que los mundos que rodean a sus personajes rara vez se realizan más allá de atmósferas brumosas y manchas de sombra y luz. Los entornos son incidentales y típicamente están envueltos en neblina, dando a las figuras una prioridad explícita.

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Lilith (1889)
por John Collier (Inglaterra, 1850-1934)

La aparente dulzura de esta obra de John Collier, pintor prerrafaelita, es un maravilloso testimonio de las dos caras de la figura de Lilith. Haciendo malabares entre las imágenes de sensualidad, belleza y la de una fría asesina, Collier es una de las artistas que ha transformado su imagen. De diosa asirio-babilónica, más tarde conocida como la primera mujer de la mitología judía, Lilith poco a poco se convierte en un icono poderoso.

Los colores contrastantes del cuadro y su paleta cálida realzan aún más la atmósfera que emerge de la obra. Este uso de los colores, tanto en Lilith como en otros retratos de Collier, le valió cierto reconocimiento por parte de sus contemporáneos. Considerada solemne, su obra, sin embargo, ofrece un evidente dominio de los tonos y la luz.

Con el tiempo, la figura de Lilith evoluciona gradualmente desde la peligrosa diablesa representada por los escritos religiosos hasta convertirse en un símbolo de la sensualidad, pero también del feminismo. Por su aspecto de igual a Adán, de quien no depende, la súcubo se convierte en un icono feminista, perfecta oposición a la figura de Eva. Muchas figuras femeninas históricas y mitológicas poderosas, a veces temidas, están asociadas con las serpientes. Entre ellas se incluyen Cleopatra y Medusa, cuya asociación con las serpientes las hace deseadas, sensuales o monstruosas.

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"Círculo de Mujeres Bailando"
por Desconocido

Esta cautivadora fotografía antigua en blanco y negro muestra a mujeres jóvenes bailando en círculo al aire libre, posiblemente como parte de un festival del Primero de Mayo (Beltane).

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Départ pour le Sabbat [Partida hacia el sábado] (1910)
por Albert Joseph Pénot (Francia, 1862-1930)

Albert Joseph Pénot (28 de febrero de 1862 - 16 de octubre de 1930) fue un pintor francés conocido por sus desnudos femeninos y sus paisajes. Hoy en día, es más popular y específicamente reconocido por un subconjunto de pinturas centradas en mujeres de temas más oscuros y macabros.

A Pénot le preocupaban ante todo las representaciones anatómicamente precisas de las mujeres. Las formas femeninas singulares fueron el foco implícito de su trabajo, mientras que los mundos que rodean a sus personajes rara vez se realizan más allá de atmósferas brumosas y manchas de sombra y luz. Los entornos son incidentales y típicamente están envueltos en neblina, dando a las figuras una prioridad explícita.

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Hada montando un murciélago (1921)
por Ida Rentoul Outhwaite (Australia, 1888-1960)

Ida Rentoul Outhwaite fue una ilustradora australiana de libros para niños, cuyo trabajo representaba principalmente criaturas mágicas como elfos y hadas. Mucho antes de que las versiones modernas de los cuentos de hadas vieran a Anna y Elsa de Frozen coronadas como íconos feministas inesperados, ella estaba celebrando el poder de lo femenino de maneras sutiles. Los dibujos suelen ser bastante intensos emocionalmente y representan a un hada o una niña flotando sobre un paisaje rocoso o un mar profundo y aterrador, sin miedo.

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La destrucción del Leviatán (1866)
Grabado de Gustave Doré (Francia, 1832-1883)

La destrucción de Leviatán se basa en la historia bíblica de Leviatán a la que se hace referencia en el libro de Job. Leviatán es descrito como una serpiente gigante que escupe fuego, tan aterradora que solo verla enloquecería a los hombres. El Libro de Isaías dice más tarde que en el día del Juicio, Dios matará a la serpiente.

El rostro de la serpiente probablemente se inspiró en las representaciones de la gran serpiente de Midgard en los cuentos nórdicos, y la escena de la batalla en sí se basó en el Rig Veda, donde Indra mata a Vritra (el primogénito de los dragones) con un rayo.

La Destrucción del Leviatán representa la abolición de la oscuridad y la locura. En esta obra, Gustave utiliza su representación de la criatura para mostrar las semejanzas con criaturas terribles descritas en otras religiones para mostrar su filosofía de unificación personal.

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Hipnosis (1904)
por Sascha Schneider (Alemania, 1870-1927)

Sascha Schneider creó varias pinturas y litografías de hombres desnudos que ayudaron a transformar al hombre erotizado en una imagen pública omnipresente durante un breve momento en la historia de Alemania. Schneider operó durante un período inusual de la historia alemana conocido como Movimiento de Salud e Higiene, o Freikörperkultur. Visto como una respuesta al auge de la industrialización de los siglos XVIII y XIX, el movimiento abogó por un regreso al ejercicio tradicional y a actividades de vida saludable, que implicaban una gran cantidad de esfuerzos naturales y, entre otras cosas, la desnudez.

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Madre Hongo y sus hijos (1900)
por Edward Okuń (Polonia, 1872-1945)

Edward Okuń fue un pintor, dibujante e ilustrador, representante del movimiento simbolista en el arte de la época de la Joven Polonia. Era conocido por pintar escenas de fantasía basadas en los lugares por los que viajaba. Mother Mushroom and her Children es una ilustración de una joven madre que mira con cansancio a sus hijos hongos. La ilustración se publicó originalmente con el título "Donde amanecen las hayas" en la influyente revista de arte alemana Jugend.

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"La reina vampiro" [Marie Schleinzer disfrazada de murciélago] (1896)
Fotografía de Atelier Adele Studio (Austria, 1862-1905)

La actriz de teatro austriaca Marie Schleinzer vestida para el ballet "Alrededor de Viena" ("Rund um Wien"). En él, Schleinzer interpreta la fuerza alegórica del mal. Esta es una de una serie de fotografías publicadas en la revista fotográfica austriaca Photographische Correspondenz.

El estudio de fotografía era propiedad de Adele Perlmutter-Heilperin y sus dos hermanos, Max y William Perlmutter, quienes fundaron el Atelier Adele en 1862. Adele fue la primera y única mujer "kuk Hofphotograph" de la monarquía austrohúngara en Viena y era famosa por su habilidad para fotografiar mujeres.

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Rana (1814)
por Matsumoto Hoji (Japón, activo 1770-1815)

Este grabado sencillo pero divertido del artista japonés Hoji es un grabado en madera de "Meika Gafu", 1814, y muestra la rana de cara triste en tinta negra debajo de caligrafía roja. Los sapos y las ranas eran motivos comunes en los "zenga" o "imágenes zen" durante el período Edo japonés, ya que los monjes zen los consideraban criaturas libres de las distracciones del mundo mundano y que representaban una vida pura y natural.

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Hylas y las ninfas (1896)
por John William Waterhouse (Inglaterra, 1849-1917)

La pintura representa un momento de la leyenda griega y romana del trágico joven Hylas, basada en relatos de Ovidio y otros escritores antiguos, en la que el embelesado Hylas es secuestrado por náyades (ninfas del agua) mientras buscaba agua potable.

Hylas, un joven con atuendo clásico, vestido con una túnica azul con una faja roja y portando una jarra de agua de cuello ancho. Está inclinado junto a un estanque en un claro de exuberante follaje verde, extendiendo la mano hacia siete mujeres jóvenes, las ninfas del agua, que emergen del estanque entre las hojas y flores de Nymphaeaceae (nenúfares), incluida una representación temprana de la Nenúfar amarillo, Nuphar lutea. Las ninfas están desnudas, su piel de alabastro luminosa en el agua oscura pero clara, con flores amarillas y blancas en su cabello castaño rojizo. Tienen características físicas muy similares, quizás basadas en sólo dos modelos.

Hylas está siendo tentado a entrar en el agua, de la que no volverá. Una de las ninfas le sujeta la muñeca y el codo, una segunda le tira de la túnica y una tercera le tiende unas perlas en la palma de la mano. El rostro de Hylas de perfil está en sombras y apenas es visible, pero los rostros de las ninfas son claramente visibles cuando lo miran. La escena se representa desde una posición ligeramente elevada, mirando hacia el agua como Hylas, por lo que no se ve el cielo. La posición de Hylas obliga al espectador a centrarse en las ninfas en el agua y la falta de referencia a su relación con Hércules enfatiza que la narrativa de la pintura no trata sobre las experiencias de Hylas, sino sobre la naturaleza siniestra de las ninfas.

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Mesmerismo; Lectura de la mente. Sanación magnética y magnetismo personal
Libro publicado en la década de 1930 por Johnson Smith & Company de Detroit, Michigan.

Obra inspirada en la portada de un libro antiguo llamado "HIPNOTISMO y ESPIRITUALISMO: Cómo hipnotizar".

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Dante and Virgil in Hell (1850)
by William-Adolphe Bouguereau
French, 1825–1905

William-Adolphe Bouguereau was a French academic painter known for his realistic genre paintings and modern interpretations of classical subjects, particularly emphasizing the female body. 

“Dante and Virgil in Hell” is a compelling work which draws inspiration from Dante Alighieri’s “The Divine Comedy,” specifically the “Inferno” section, where Dante, guided by the Roman poet Virgil, traverses the circles of Hell. In this particular scene, Bouguereau captures the moment in the eighth circle, designated for the sin of Fraud. Here, Dante and Virgil witness a violent struggle between two damned souls: Capocchio, an alchemist and heretic, and Gianni Schicchi, who infamously impersonated Buoso Donati to fraudulently claim his inheritance.

Bouguereau’s portrayal is vivid and dramatic, emphasizing the physicality and intensity of the combatants. The artist’s mastery of realism is evident in the precise brush strokes and the meticulous rendering of muscles, nerves, and tendons, which bring the scene to life with a sense of terribilita and horror. This work diverges from Bouguereau’s typical focus on serene and idealized female figures, showcasing his versatility and ability to explore darker themes with the same technical prowess.

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Retrato de Maud Wagner (1907)

Maud Stevens Wagner (de soltera Stevens; 12 de febrero de 1877 - 30 de enero de 1961) fue una artista de circo estadounidense. Fue la primera tatuadora conocida en los Estados Unidos. Wagner era trapecista y contorsionista y trabajaba en numerosos circos ambulantes. Conoció a Gus Wagner, un tatuador que se describió a sí mismo como "el hombre más marcado artísticamente en Estados Unidos" mientras viajaba con circos y espectáculos secundarios, en la Exposición de Compra de Luisiana (Feria Mundial) en 1904, donde trabajaba como trapecista. Ella intercambió una cita romántica con él por una lección de tatuaje y varios años después se casaron.

Después de dejar el circo, Maud y Gus Wagner viajaron por los Estados Unidos, trabajando como tatuadores y "atracciones tatuadas" en casas de vodevil, ferias del condado y salas de juegos. Se les atribuye haber llevado el arte del tatuaje al interior del país, lejos de las ciudades y pueblos costeros donde comenzó la práctica.

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Storm (1925)
by Zdzisław Jasiński
Polish, 1863-1932

Zdzisław Jasiński, was a Polish painter known for his works in the Academic style and later Impressionistic style. Jasiński’s work often captures the dynamic and dramatic elements of nature, and "Storm" is no exception. 

"Storm" features a vivid and evocative depiction of a summer thunderstorm.  It features dark thunderclouds that are metaphorically shaped like stampeding black horses, which dominate the sky above a flat green landscape. This imagery of horses is powerful, as it captures the energy, power, and unpredictability of a thunderstorm, paralleling the thundering sound of hooves with the rumbling of thunder.

The use of such dynamic and dramatic symbolism is characteristic of Jasiński’s ability to convey the intensity and movement of natural phenomena through his art. The painting likely employs a palette of dark, ominous colors to represent the storm clouds, contrasted with the serene green of the landscape, highlighting the stark impact of the storm on the environment.

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Triunfátor ["The Triumphant"] (c. 1916)
by Josef Mandl
Czech, 1874-1933

Josef Mandl was a Czech painter and professor of drawing. His style was characterized by elements of symbolism, reflecting his fascination with the mysterious and the subconscious. Mandl's paintings often conveyed emotional depth and explored the interplay between reality and imagination. 

Triunfátor, the enigmatic harbinger of fate, dances on the precipice between realms. Unlike the somber specter we often envision, this portrayal defies convention—a paradox in brushstrokes.

Here we see the smoldering remnants of a battlefield, where screams have dissolved into ashen air, Death is not the reaper of dread; he is the weaver of endings. Kneeling by a murky watering hole, Death immerses his skeletal hands. Beside him rests the scythe, its blade dulled by ceaseless harvest. Death cleanses it—a ritual of absolution. 

Triunfátor is not an omen of dread, but a sentinel of cosmic balance. His work here, seemingly done, leaves us pondering: Is he the harbinger or the harbored?

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The White Owl (1856)
by William James Webbe
English (1830-1904)

The White Owl is a captivating piece that exemplifies the artist's meticulous attention to detail and his importance within the Pre-Raphaelite movement. Painted in 1856, the artwork features a solitary white owl resting on its perch within a belfry, a setting that evokes a sense of solitude and contemplation. The owls feathers are rendered with exquisite detail, showcasing Webbe's skill in capturing the texture and softness that is characteristic of an owl's plumage.  

The painting's title, accompanied by the quote "alone and warming his five wits, the white owl in his belfry sits" further emphasizes the owl's isolation and introspective mood. The artwork stands out not only for its technical prowess but also for its ability to convey a deeper narrative through the simple yet profound subject of a white owl in quietude.

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"Trío de Mujeres Bailando" (1918)
Fotografía de Bailando con Helen Moller

Una de una serie de 43 láminas que representan danza clásica del libro Dancing with Helen Moller, que se describe como "una declaración de su filosofía, práctica y enseñanza formada sobre el modelo griego clásico y adaptada para satisfacer las necesidades estéticas e higiénicas". de hoy."

Esta imagen lleva el título: " El ideal clásico... ¡y nuestro mundo! Ni siquiera Miguel Ángel pudo comprenderlo. Su visión es la del hombre agobiado e inquieto, oprimido por misterios que no puede penetrar, retorciéndose en conflicto con fuerzas demasiado grandes para su control. En las esculturas de los griegos, por otra parte, el hombre está tranquilo y sereno, y los dioses, debemos recordar, no son más que el hombre exaltado y hecho inmortal.

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Selene (1880)
por Albert Aublet (Francia, 1841-1938)

La brillante habilidad de Albert Aublet para recurrir a una amplia gama de fuentes para informar sus composiciones es evidente en el notable trabajo actual, centrado en un modelo de piel pálida que flota a través de un cielo nublado, salpicado de estrellas que se desvanecen, sobre un paisaje de montañas púrpuras y aguas azul hielo.

Selene de Aublet parece estar al final de su viaje nocturno, con la espalda arqueada, las piernas y los brazos envueltos alrededor de la leve silueta de la luna, el cielo iluminándose con los tonos rosados ​​del amanecer que se acerca (traído por su hermano Helios).

Póster mate

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La pesadilla (1781)
por Henry Fuseli (Suiza, 1741-1825)

La pesadilla es una pintura al óleo de 1781 del artista suizo Henry Fuseli. Muestra a una mujer en un sueño profundo con los brazos extendidos debajo de ella y con un íncubo demoníaco y simiesco agachado sobre su pecho.

La evocación onírica e inquietante del enamoramiento y la obsesión de la pintura fue un gran éxito popular.

Para los espectadores contemporáneos, The Nightmare invocó la relación del íncubo y el caballo (yegua) con las pesadillas. La obra probablemente se inspiró en los sueños despiertos experimentados por Fuseli y sus contemporáneos, quienes descubrieron que estas experiencias estaban relacionadas con creencias folclóricas como los cuentos germánicos sobre demonios y brujas que poseían a las personas que dormían solas. En estas historias, los hombres eran visitados por caballos o brujas, dando lugar a los términos "montar brujas" y "montar yeguas", y se creía que las mujeres tenían relaciones sexuales con el diablo. La etimología de la palabra "pesadilla", sin embargo, no se refiere a los caballos. Más bien, la palabra se deriva de mara, un término mitológico escandinavo que se refiere a un espíritu enviado para atormentar o asfixiar a los durmientes. El significado inicial de "pesadilla" incluía la experiencia de peso en el pecho del durmiente combinado con parálisis del sueño, disnea o una sensación de pavor. La pintura incorpora una variedad de imágenes asociadas con estas ideas, que representan la cabeza de una yegua y un demonio agazapado encima de la mujer.

Es posible que Fuseli haya añadido el caballo como una ocurrencia tardía, ya que un boceto preliminar con tiza no lo incluía. Su presencia en la pintura ha sido vista como un juego de palabras visual con la palabra "pesadilla" y una referencia consciente al folclore: el caballo desestabiliza la presunción de la pintura y contribuye a su tono gótico.

Póster mate

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Sábado de brujas [El Aquelarre] (1798)
Pintura de Francisco Goya (español, 1746-1828)

El sábado de las brujas muestra al Diablo en forma de una cabra con guirnaldas, rodeado por un aquelarre de brujas desfiguradas, jóvenes y envejecidas, en un paisaje árido iluminado por la luna. La cabra posee grandes cuernos y está coronada por una corona de hojas de roble. A la derecha, se puede ver a una vieja bruja sosteniendo en sus manos a un bebé que parece extremadamente hambriento, pero aparentemente todavía vivo, mientras que una bruja más joven a su derecha hace lo mismo con un niño que parece más saludable, lo que implica que seguirán el mismo destino. El Diablo parece actuar como una especie de sacerdote en una ceremonia de iniciación para los niños, aunque la superstición popular de la época creía que el Diablo a menudo se alimentaba de niños y fetos humanos. El cadáver de un bebé se puede ver tirado a la izquierda, mientras que las piernas de otro se pueden ver sujetas con fuerza al suelo por una bruja presumiblemente más joven en el centro del primer plano. Al fondo se pueden ver más brujas, jóvenes y mayores, así como tres niños muertos, aparentemente esposados, colgados del cuello de una estaca a la izquierda en la distancia.

Como es típico en las imágenes de brujería, muchos de los símbolos utilizados están invertidos. La cabra extiende su pezuña izquierda en lugar de la derecha hacia el niño, mientras que el cuarto de luna mira hacia fuera del lienzo en la esquina superior izquierda. En el terreno elevado medio, se puede ver una serie de murciélagos volando por encima, y ​​su movimiento en bandada hace eco de la curva de la luna creciente.

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La dama de Shalott (1888)
Pintura de John William Waterhouse (inglés, 1849-1917)

La dama de Shalott es un poema de Alfred Tennyson, escrito 50 años antes de que Waterhouse pintara este cuadro. La Dama de Shalott está maldita y obligada a permanecer en una torre. Sólo se le permite mirar el mundo a través del reflejo en el espejo. Un día ve a un caballero, Sir Lancelot, y se enamora de él. Ella ignora la maldición y abandona la torre para encontrarlo, lo que resulta en su muerte. La historia de Lady of Shalott puede leerse como una advertencia sobre el deseo femenino. La sociedad victoriana tenía reglas y expectativas estrictas para las mujeres que definían un comportamiento "aceptable".

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