La familia sátiro (1505)
Grabado de Alberto Durero (alemán, 1471-1528)

El interés de Durero por las imágenes mitológicas surgió de su familiaridad con el Renacimiento italiano. En este ambiguo grabado, Durero representó a un sátiro, una criatura híbrida del bosque típicamente asociada con la lujuria, en el papel de padre y hombre de familia. En lugar de divertirse en el bosque, le pone música a su hijo recién nacido. El juego de Durero sobre el tema de la madre y el niño y el comportamiento paternal poco convencional del sátiro llaman la atención sobre una forma de vida primitiva y simplificada. Sin embargo, en contraste, el grupo descansa dentro de un denso bosque inhóspito donde las copas de los árboles están astilladas y las ramas muertas, lo que implica que el enfoque instintivo relajado de las figuras hacia la procreación y la sexualidad permanece fuera de los límites de la virtud cristiana.

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Placa XV de mariposas británicas, figuras y descripciones de cada especie nativa.
por William Stephen Coleman (1897)

Esta hermosa ilustración del raro libro victoriano British Butterflies representa seis especies de mariposas comunes nativas de Inglaterra: Scarce Swallow-tail, Apollo, Arran Brown, Weaver's Fritillary, Purple-edged Copper y Tailed-Blue. William Stephen Coleman (1829-1904) fue un pintor e ilustrador inglés.

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Hylas y las ninfas (1896)
por John William Waterhouse (Inglaterra, 1849-1917)

La pintura representa un momento de la leyenda griega y romana del trágico joven Hylas, basada en relatos de Ovidio y otros escritores antiguos, en la que el embelesado Hylas es secuestrado por náyades (ninfas del agua) mientras buscaba agua potable.

Hylas, un joven con atuendo clásico, vestido con una túnica azul con una faja roja y portando una jarra de agua de cuello ancho. Está inclinado junto a un estanque en un claro de exuberante follaje verde, extendiendo la mano hacia siete mujeres jóvenes, las ninfas del agua, que emergen del estanque entre las hojas y flores de Nymphaeaceae (nenúfares), incluida una representación temprana de la Nenúfar amarillo, Nuphar lutea. Las ninfas están desnudas, su piel de alabastro luminosa en el agua oscura pero clara, con flores amarillas y blancas en su cabello castaño rojizo. Tienen características físicas muy similares, quizás basadas en sólo dos modelos.

Hylas está siendo tentado a entrar en el agua, de la que no volverá. Una de las ninfas le sujeta la muñeca y el codo, una segunda le tira de la túnica y una tercera le tiende unas perlas en la palma de la mano. El rostro de Hylas de perfil está en sombras y apenas es visible, pero los rostros de las ninfas son claramente visibles cuando lo miran. La escena se representa desde una posición ligeramente elevada, mirando hacia el agua como Hylas, por lo que no se ve el cielo. La posición de Hylas obliga al espectador a centrarse en las ninfas en el agua y la falta de referencia a su relación con Hércules enfatiza que la narrativa de la pintura no trata sobre las experiencias de Hylas, sino sobre la naturaleza siniestra de las ninfas.

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Śmierć (1902)
por Jacek Malczewski

Jacek Malczewski es uno de los pintores simbolistas polacos más importantes. Malczewski está asociado con el movimiento Joven Polonia (Młoda Polska), un período modernista en la cultura polaca que siguió a más de un siglo de Particiones de Polonia. Por tanto, el martirio polaco, las ideas románticas de independencia, el folclore local y la muerte fueron motivos recurrentes en la obra de Malczewski.

Este mensaje esperanzador ciertamente tiene algunos matices religiosos. Mire a este anciano: parece estar a punto de morir, con la cabeza vuelta hacia la muerte y el cuello tenso. Tenía las manos juntas en oración y los dedos jugueteaban con un pequeño medallón de la Virgen María, algo que muchos católicos polacos llevan aún hoy.
La muerte parece casi una diosa griega. Sin embargo, es difícil entender su expresión facial: ¿siente lástima por este anciano? ¿O simplemente está concentrada en hacer su trabajo?

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Kaloma (1914)
Fotografía de Pastime Novelty Co. de Nueva York

Una fotografía estadounidense icónica, que en un momento se suponía que era de Josephine Sarah "Sadie" Marcus Earp, esposa de Wyatt Earp. Se asocia con Wyatt Earp, principalmente porque apareció en la portada de un libro llamado I Married Wyatt Earp.

Sin embargo, es poco probable que sea ella. Según el tasador de antigüedades C. Wesley Cowan, The Pastime Novelty Company de la ciudad de Nueva York se especializaba en fotografías sugerentes y contrataba modelos a medida que podía encontrarlas. ¿Podría Sadie haber sido uno de ellos? No es probable. Nació en 1861. Esta foto fue tomada en 1914, lo que significa que tendría 53 años.

En la década de 1960, Kaloma revivió como una imagen atrevida y nostálgica, apareciendo en muchas publicaciones hippies y carteles de conciertos.

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Vuelo de Brujas (Vuelo de Brujas) (1798)
Pintura de Francisco Goya (España, 1746-1828)

En el centro hay tres brujas semidesnudas que visten una coroza penitencial y sostienen en alto una figura desnuda que se retuerce, con la boca cerca de su víctima, como para devorarla o chuparle la sangre. Abajo, dos figuras vestidas de campesinos retroceden ante el espectáculo: una se ha tirado al suelo tapándose las orejas, el otro intenta escapar cubriéndose con una manta y haciendo el gesto de la mano de higo para protegerse del mal de ojo. Finalmente, un burro emerge a la derecha, aparentemente ajeno al resto de la escena.

El consenso general de los académicos es que la pintura representa una crítica racionalista de la superstición y la ignorancia, particularmente en cuestiones religiosas: las corozas de las brujas no sólo son emblemáticas de la violencia de la Inquisición española (las llamas hacia arriba indican que han sido condenadas como herejes impenitentes y serán quemados en la hoguera), pero también recuerdan a las mitras episcopales, con las características dobles puntas. Las acusaciones de los tribunales religiosos se reflejan así en ellos mismos, cuyas acciones se equiparan implícitamente con la superstición y el sacrificio ritualizado. Entonces se puede entender que los espectadores están consternados pero incapaces de hacer nada o deliberadamente ignorantes y no dispuestos a intervenir.

El burro, por último, es el símbolo tradicional de la ignorancia.

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Retrato de Maud Wagner (1907)

Maud Stevens Wagner (de soltera Stevens; 12 de febrero de 1877 - 30 de enero de 1961) fue una artista de circo estadounidense. Fue la primera tatuadora conocida en los Estados Unidos. Wagner era trapecista y contorsionista y trabajaba en numerosos circos ambulantes. Conoció a Gus Wagner, un tatuador que se describió a sí mismo como "el hombre más marcado artísticamente en Estados Unidos" mientras viajaba con circos y espectáculos secundarios, en la Exposición de Compra de Luisiana (Feria Mundial) en 1904, donde trabajaba como trapecista. Ella intercambió una cita romántica con él por una lección de tatuaje y varios años después se casaron.

Después de dejar el circo, Maud y Gus Wagner viajaron por los Estados Unidos, trabajando como tatuadores y "atracciones tatuadas" en casas de vodevil, ferias del condado y salas de juegos. Se les atribuye haber llevado el arte del tatuaje al interior del país, lejos de las ciudades y pueblos costeros donde comenzó la práctica.

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"The Castle Rising Sisters" (también conocido como "La fiesta del té de las brujas galesas")
Fotografía de Unknown (Inglaterra)

Esta fotografía se titula comúnmente "Fiesta del té de las brujas galesas", pero los sujetos no son brujas ni galeses. Están posados ​​en el Trinity Hospital, Castle Rising en Northampton, Inglaterra. Trinity Hospital, Castle Rising era una organización benéfica Almshouse, un lugar para que vivieran mujeres pobres solteras (o viudas) mayores de 56 años.

Los requisitos originales (alrededor de 1600) eran: “Deben ser de vida y conversación honestas, religiosas, serias y discretas, capaces de leer, si así fuera, una mujer soltera, su lugar debe ser nulo en el matrimonio, ser de 56 años al menos, no es un mendigo común, una ramera, un regañono, un borracho, un frecuentador de tabernas, posadas y cervecerías”.

Se pidió a los residentes del Trinity Hospital que acudieran a la oración tres veces al día para decir el Padrenuestro, el Credo y una oración ordenada por el Fundador para él y su noble familia.

Si avanzamos hasta el día de hoy, los criterios de esta organización benéfica de beneficencia no son tan estrictos. El único requisito de calificación es para mujeres solteras de las parroquias de Castle Rising, North Wootton y Roydon que se encuentran en circunstancias financieras reducidas. Hoy en día tampoco existe un código de vestimenta, pero los residentes se enorgullecen de vestirse con el “uniforme” (como el de la imagen) proporcionado por Henry Howard, conde de Northampton, para ocasiones especiales como el Día del Fundador.

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"La Vie De L'Abeille" [La vida de la abeja]

Este hermoso cartel educativo francés antiguo representa el ciclo de vida de la abeja.

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Trochilidae [Colibríes] (1904)
lámina 99 de Kunstformen der Natur de Ernst Haeckel

Ernst Haeckel (1934-1919) fue un zoólogo y naturalista alemán que describió y nombró miles de nuevas especies y creó muchos términos que se utilizan hoy en día en biología. Su obra de más de cien ilustraciones de animales y criaturas marinas, Kunstformen der Natur ("Formas de arte en la naturaleza"), influiría en el movimiento artístico Art Nouveau.

Esta placa Trochilidae representa muchas especies de colibríes, incluido el colibrí garganta de rubí, el sungem cornudo, el topacio carmesí, el cometa de cola roja, la coqueta copetuda, el colibrí pico de espada, la hoz de cola beige, la coqueta de orejas puntiagudas, Violetear de ventilación blanca, Portador de visera encapuchado, Corona de fuego de Juan Fernández y Cola de raqueta con botas.

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Rana (1814)
por Matsumoto Hoji (Japón, activo 1770-1815)

Este grabado sencillo pero divertido del artista japonés Hoji es un grabado en madera de "Meika Gafu", 1814, y muestra la rana de cara triste en tinta negra debajo de caligrafía roja. Los sapos y las ranas eran motivos comunes en los "zenga" o "imágenes zen" durante el período Edo japonés, ya que los monjes zen los consideraban criaturas libres de las distracciones del mundo mundano y que representaban una vida pura y natural.

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Chauve-Souris D'Egypte [Murciélagos de Egipto] (1809)
por Geoffrey St. Hilaire (francés, 1772-1844)

La campaña francesa en Egipto y Siria fue la invasión de territorios otomanos por parte de Napoleón Bonaparte en nombre de la protección de los intereses comerciales franceses. Un aspecto inusual de la expedición fue la inclusión de muchos científicos y eruditos.

Esta impresión es la primera lámina de los volúmenes de Histoire Naturelle de los libros que contienen los diversos animales, plantas y rocas que los eruditos franceses descubrieron durante la campaña egipcia. Esta placa representa tres especies de murciélagos: el murciélago de tumba de vientre desnudo, el murciélago de cara hueca y el murciélago pipistrelle común.

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"La reina vampiro" [Marie Schleinzer disfrazada de murciélago] (1896)
Fotografía de Atelier Adele Studio (Austria, 1862-1905)

La actriz de teatro austriaca Marie Schleinzer vestida para el ballet "Alrededor de Viena" ("Rund um Wien"). En él, Schleinzer interpreta la fuerza alegórica del mal. Esta es una de una serie de fotografías publicadas en la revista fotográfica austriaca Photographische Correspondenz.

El estudio de fotografía era propiedad de Adele Perlmutter-Heilperin y sus dos hermanos, Max y William Perlmutter, quienes fundaron el Atelier Adele en 1862. Adele fue la primera y única mujer "kuk Hofphotograph" de la monarquía austrohúngara en Viena y era famosa por su habilidad para fotografiar mujeres.

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Naturaleza muerta con calavera y pluma de escribir (1628)
por Pieter Claesz (Bélgica, 1597-1661)

En esta naturaleza muerta, la observación minuciosa y los detalles realistas operan en tensión con un simbolismo explícito. El cristal caído, el cráneo con dientes separados y la mecha de una lámpara de aceite sirven como claros símbolos de la brevedad de la vida. Trabajando con una paleta limitada de grises y marrones, Claesz describe cuidadosamente las superficies de estos inquietantes objetos. Al colocarlos sobre una repisa de piedra picada, el artista conecta el espacio de la imagen con el nuestro, haciendo que el mensaje sea aún más convincente.

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La pesadilla (1781)
por Henry Fuseli (Suiza, 1741-1825)

La pesadilla es una pintura al óleo de 1781 del artista suizo Henry Fuseli. Muestra a una mujer en un sueño profundo con los brazos extendidos debajo de ella y con un íncubo demoníaco y simiesco agachado sobre su pecho.

La evocación onírica e inquietante del enamoramiento y la obsesión de la pintura fue un gran éxito popular.

Para los espectadores contemporáneos, The Nightmare invocó la relación del íncubo y el caballo (yegua) con las pesadillas. La obra probablemente se inspiró en los sueños despiertos experimentados por Fuseli y sus contemporáneos, quienes descubrieron que estas experiencias estaban relacionadas con creencias folclóricas como los cuentos germánicos sobre demonios y brujas que poseían a las personas que dormían solas. En estas historias, los hombres eran visitados por caballos o brujas, dando lugar a los términos "montar brujas" y "montar yeguas", y se creía que las mujeres tenían relaciones sexuales con el diablo. La etimología de la palabra "pesadilla", sin embargo, no se refiere a los caballos. Más bien, la palabra se deriva de mara, un término mitológico escandinavo que se refiere a un espíritu enviado para atormentar o asfixiar a los durmientes. El significado inicial de "pesadilla" incluía la experiencia de peso en el pecho del durmiente combinado con parálisis del sueño, disnea o una sensación de pavor. La pintura incorpora una variedad de imágenes asociadas con estas ideas, que representan la cabeza de una yegua y un demonio agazapado encima de la mujer.

Es posible que Fuseli haya añadido el caballo como una ocurrencia tardía, ya que un boceto preliminar con tiza no lo incluía. Su presencia en la pintura ha sido vista como un juego de palabras visual con la palabra "pesadilla" y una referencia consciente al folclore: el caballo desestabiliza la presunción de la pintura y contribuye a su tono gótico.

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Mar tormentoso en el faro [Stormigt hav vid fyr] (1858)
por Marcus Larson (Suecia, 1825-1864)

Simeon Marcus Larson fue un pintor paisajista sueco de Åtvidaberg, Östergötland. Ha sido reconocido como "uno de los pintores suecos más destacados del siglo XIX" y etiquetado como "el más destacado de los pintores suecos de Düsseldorf". Sus pinturas eran conocidas por ser dramáticas y representaban principalmente ríos bajo cielos violentos, así como naufragios en tormentas.

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El poder de la muerte (1889-90)
por William Holbrook Beard (Estados Unidos, 1825-1900)

La figura de la Muerte agarra con fuerza el cuello del tigre que se azota en sus brazos. Las imágenes de la Muerte entrando tranquilamente y quitándose una vida son comunes, pero aquí la Muerte tiene la misma pose dinámica que el tigre con el águila extendida. El pie de la Muerte monta sobre un elefante, indicando su victoria total sobre la bestia gigante. Vemos otros grandes depredadores asesinados al fondo; Al final, la muerte vence incluso a los más poderosos.

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La Femme Chauve-Souris [La mujer murciélago] (1890)
Albert Joseph Pénot (Francia, 1862-1930)

Albert Joseph Pénot fue un pintor francés conocido por sus desnudos femeninos y sus paisajes. Hoy en día, es más popular y específicamente reconocido por un subconjunto de pinturas centradas en mujeres de temas más oscuros y macabros.

A Pénot le preocupaban ante todo las representaciones anatómicamente precisas de las mujeres. Las formas femeninas singulares fueron el foco implícito de su trabajo, mientras que los mundos que rodean a sus personajes rara vez se realizan más allá de atmósferas brumosas y manchas de sombra y luz. Los entornos son incidentales y típicamente están envueltos en neblina, dando a las figuras una prioridad explícita.

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Bóreas (1903)
por John William Waterhouse (Inglaterra, 1849-1917)

Bóreas es el nombre del dios griego del viento del norte y representa a una mujer joven azotada por el viento. Originalmente una pintura al óleo de estilo prerrafaelita creada en 1903, esta reproducción de póster aún mantiene los hermosos detalles del original.

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Safo (1881)
de Miguel Carbonell Selva (España, 1854-1896)

En un cuadro que lleva por título Safo, vemos la figura de Safo en el momento en que está a punto de saltar a la muerte, lanzándose al mar desde las alturas de Leukas.

Safo fue una famosa poeta griega de la isla de Lesbos que vivió desde c. 630-c. 570 a.C. A veces se la llama la "Décima Musa" porque sus habilidades para tocar música y escribir poesía eran legendarias. Una historia intrigante sobre su muerte ha estado circulando durante milenios, pero no hay evidencia de su veracidad. La historia cuenta que Safo se arrojó por los acantilados de la isla griega Leucadia debido a su amor por Faón, un barquero.

Algunos estudiosos creen que Safo era lesbiana y muchos de sus poemas pueden interpretarse como homoeróticos. De hecho, el adjetivo 'sáfico' puede referirse a cierto tipo de poesía lírica o al lesbianismo (es decir, una relación sáfica).

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Hada montando un murciélago (1921)
por Ida Rentoul Outhwaite (Australia, 1888-1960)

Ida Rentoul Outhwaite fue una ilustradora australiana de libros para niños, cuyo trabajo representaba principalmente criaturas mágicas como elfos y hadas. Mucho antes de que las versiones modernas de los cuentos de hadas vieran a Anna y Elsa de Frozen coronadas como íconos feministas inesperados, ella estaba celebrando el poder de lo femenino de maneras sutiles. Los dibujos suelen ser bastante intensos emocionalmente y representan a un hada o una niña flotando sobre un paisaje rocoso o un mar profundo y aterrador, sin miedo.

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Bruja montando un murciélago (1916)
por Ida Rentoul Outhwaite (Australia, 1888-1960)

Ida Rentoul Outhwaite fue una ilustradora australiana de libros para niños, cuyo trabajo representaba principalmente criaturas mágicas como elfos y hadas. Mucho antes de que las versiones modernas de los cuentos de hadas vieran a Anna y Elsa de Frozen coronadas como íconos feministas inesperados, ella estaba celebrando el poder de lo femenino de maneras sutiles. Los dibujos suelen ser bastante intensos emocionalmente y representan a un hada o una niña flotando sobre un paisaje rocoso o un mar profundo y aterrador, sin miedo.

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Fragilidad humana [L'Umana Fragilità] (1656)
por Salvator Rosa (Italia, 1615-1673)

La fragilidad humana fue pintada durante una época de gran pestilencia. El propio artista había perdido a muchos familiares cercanos a causa de la enfermedad, incluidos su hijo, su hermano y su hermana. La pintura representa a la amante del artista, Lucrezia, y su hijo. El Ángel de la Muerte aprieta la muñeca del joven y lo obliga a escribir: " Conceptio Culpa, Nasci Pena, Labor Vita, Necesse Mori ", que significa " La concepción es un pecado, el nacimiento es dolor, la vida es trabajo, la muerte es una necesidad". El fondo de la imagen contiene muchos objetos premonitorios y recuerdos mori.

Póster mate

Impreso con tinta reactiva de tintes/pigmentos En papel mate de archivo. Se envía en un tubo para póster de alta resistencia. Peso pesado (230 g/m²), base gruesa (9,5 mil) y un revestimiento de secado instantáneo que resiste las huellas dactilares y las manchas.

• Impreso con tinta reactiva de tinte/pigmento.
• En papel mate de archivo
• Se envía en tubo de póster resistente.
• Peso pesado (230 g/m²), base gruesa (9,5 mil) y un revestimiento de secado instantáneo que resiste las huellas dactilares y las manchas.

Madre Hongo y sus hijos (1900)
por Edward Okuń (Polonia, 1872-1945)

Edward Okuń fue un pintor, dibujante e ilustrador, representante del movimiento simbolista en el arte de la época de la Joven Polonia. Era conocido por pintar escenas de fantasía basadas en los lugares por los que viajaba. Mother Mushroom and her Children es una ilustración de una joven madre que mira con cansancio a sus hijos hongos. La ilustración se publicó originalmente con el título "Donde amanecen las hayas" en la influyente revista de arte alemana Jugend.

Póster mate

Impreso con tinta reactiva de tintes/pigmentos En papel mate de archivo. Se envía en un tubo para póster de alta resistencia. Peso pesado (230 g/m²), base gruesa (9,5 mil) y un revestimiento de secado instantáneo que resiste las huellas dactilares y las manchas.

• Impreso con tinta reactiva de tinte/pigmento.
• En papel mate de archivo
• Se envía en tubo de póster resistente.
• Peso pesado (230 g/m²), base gruesa (9,5 mil) y un revestimiento de secado instantáneo que resiste las huellas dactilares y las manchas.

Jean Simmons como Ofelia en " Hamlet " de Laurence Olivier (1948)
por Universal Pictures

Fotografía promocional en blanco y negro que muestra a la actriz Jean Simmons como "Ofelia" en la adaptación cinematográfica de Laurence Olivier de 1948 de la famosa obra de Shakespeare "Hamlet". Este grabado es un hermoso ejemplo del glamour de Hollywood de los años 40.

Póster mate

Impreso con tinta reactiva de tintes/pigmentos En papel mate de archivo. Se envía en un tubo para póster de alta resistencia. Peso pesado (230 g/m²), base gruesa (9,5 mil) y un revestimiento de secado instantáneo que resiste las huellas dactilares y las manchas.

• Impreso con tinta reactiva de tinte/pigmento.
• En papel mate de archivo
• Se envía en tubo de póster resistente.
• Peso pesado (230 g/m²), base gruesa (9,5 mil) y un revestimiento de secado instantáneo que resiste las huellas dactilares y las manchas.

Fotografía del eclipse solar de 1927 (1927)
por Sir Frank Dyson, astrónomo
Observatorio Real, Greenwich, Reino Unido

En junio de 1927, Gran Bretaña estaba presa de la fiebre del eclipse. Para el 29 de junio se predijo un eclipse total de sol, el primero visible en Gran Bretaña en más de 200 años. El camino de la totalidad atravesó el norte de Gales y el centro de Inglaterra, desde Criccieth en el norte de Gales hasta Hartlepool en la costa este.

Esta fotografía del eclipse, tomada por el astrónomo real Sir Frank Dyson, es un excelente ejemplo de fotografía astronómica temprana y es una excelente pieza de arte mural minimalista.

Envoltura de lona cuadrada

La impresión en lienzo con calidad de galería muestra obras de arte vibrantes diseñadas para durar. Impreso con tintas HP Latex resistentes a la decoloración. Las tintas son a base de agua y no contienen disolventes, así que tenga la seguridad de que no hay productos químicos agresivos en su hogar. Ensamblado con marco de madera de 3/4" de espesor y barras de bastidor con núcleo de madera pegada.

Todas las impresiones en lienzo se envuelven y envían en un embalaje ajustado.

• Listo para colgar: los accesorios de montaje vienen adjuntos.
• Topes niveladores incluidos: para protección de paredes.
• Impresión semibrillante: mayor vitalidad de las obras de arte.
• Barras elásticas de madera biseladas: hacen que el marco se note menos en la parte frontal del lienzo.
• Grapas de resistencia industrial: garantizan un ajuste perfecto que seguramente durará.

Cisne, Rush e Iris (1875)
por Walter Crane

Este es uno de los primeros diseños de papel tapiz de Walter Crane, creado en 1875. Los contornos negros y los bloques sólidos de color de este diseño sugieren un estudio de la pintura de jarrones griegos. Dos años más tarde, Jeffrey & Co produjo una versión ligeramente modificada de este diseño como papel tapiz.

Walter Crane desarrolló su estilo figurativo a través de la ilustración de libros, por lo que fue más famoso. En sus libros infantiles ilustrados de la década de 1870, los ingeniosos dibujos y el brillante sentido del color hicieron que su obra fuera popular entre niños y adultos por igual, y todavía se publican 130 años después. Por lo general, los diseños de papel tapiz de Crane eran figurativos y, a menudo, narrativos, basándose en mitos griegos, cuentos de hadas y canciones infantiles. Este diseño tiene una formalidad basada en el diseño heráldico combinado con una temática naturalista y pictórica. Es típico del estilo de Crane en la década de 1870.

Envoltura de lona cuadrada

La impresión en lienzo con calidad de galería muestra obras de arte vibrantes diseñadas para durar. Impreso con tintas HP Latex resistentes a la decoloración. Las tintas son a base de agua y no contienen disolventes, así que tenga la seguridad de que no hay productos químicos agresivos en su hogar. Ensamblado con marco de madera de 3/4" de espesor y barras de bastidor con núcleo de madera pegada.

Todas las impresiones en lienzo se envuelven y envían en un embalaje ajustado.

• Listo para colgar: los accesorios de montaje vienen adjuntos.
• Topes niveladores incluidos: para protección de paredes.
• Impresión semibrillante: mayor vitalidad de las obras de arte.
• Barras elásticas de madera biseladas: hacen que el marco se note menos en la parte frontal del lienzo.
• Grapas de resistencia industrial: garantizan un ajuste perfecto que seguramente durará.