La sorcière (pièce de nuit) (1626)
par Jan van de Velde (Néerlandais, 1620-1662)

Cette scène nocturne représente une sorcière concoctant son breuvage maléfique en compagnie de bêtes bizarres. Elle se tient à l'intérieur d'un "cercle magique" gravé dans le sol, espace surnaturellement consacré à la sorcellerie - une source d'inspiration probable pour les formes circulaires des peintures de Rosa. Elle renverse une corne dans son chaudron englouti par des flammes tourbillonnantes ; se mélangeant à la poudre, deux jets de cendres jaillissent des tuyaux tenus par un démon qui fait des sauts périlleux à gauche. La composition décorative tourbillonnante et la variété de créatures grotesques faisant des grimaces complices et idiotes au spectateur ajoutent des éléments de fantaisie et de farce à ce sujet occulte apparemment sérieux.

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Mesmérisme; Télépathie. Guérison magnétique et magnétisme personnel
Livre publié dans les années 1930 par Johnson Smith & Company de Detroit Michigan

Oeuvre inspirée de la couverture d'un livre vintage intitulé « HYPNOTISME et SPIRITUALISME : Comment hypnotiser ».

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"Chiroptères" [Chauves-souris vampires] (1904)
planche 67 de Kunstformen der Natur par Ernst Haeckel

Ernst Haeckel (1834-1919) était un zoologiste et naturaliste allemand qui a décrit et nommé des milliers de nouvelles espèces et créé de nombreux termes utilisés aujourd'hui en biologie. Son travail de plus d'une centaine d'illustrations d'animaux et de créatures marines, Kunstformen der Natur (« Formes d'art dans la nature »), allait influencer le mouvement artistique Art Nouveau.

Cette assiette Chiroptera représente les structures faciales uniques de diverses espèces de chauves-souris à nez feuille, la famille des chauves-souris qui comprend les chauves-souris vampires.

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Bellone menant les armées de l'empereur contre les Turcs (1600)
par Jan Muller (Néerlandais, 1571-1628)

La figure centrale, Bellona (la déesse romaine de la guerre), serait soit la sœur, soit l'épouse de Mars, le dieu de la guerre. L'aigle à deux têtes des Habsbourg apparaît sur le drapeau derrière elle. Né à Amsterdam, Jan Muller a probablement appris la gravure auprès de son père, Harman Muller, graveur et éditeur. Il s'est rendu en Italie dans les années 1590 et s'est probablement arrêté à Prague en cours de route. Là, il réalisa des estampes basées sur des dessins d'artistes employés à la cour des Habsbourg, dont Bartholomeaux Spranger (1546-1611).

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Les quatre cavaliers, de L'Apocalypse (1498)
Gravure d'Albrecht Dürer (allemand, 1471-1528)

En 1498, Dürer publie un livre illustrant l'Apocalypse de Jean, le dernier livre du Nouveau Testament. Les images étaient uniques par leur grande échelle, l’étendue de leur concept et l’unité de leur conception. Premier livre à la fois publié et illustré par l'artiste, il comprenait une page de titre et 15 gravures sur bois en pleine feuille comportant du texte au verso de toutes les feuilles sauf la dernière. Souvent visible à travers le papier, le texte gâche l'image au recto de la feuille. Les plus belles épreuves étaient le plus souvent imprimées sans texte, comme celle-ci des Quatre Cavaliers . Ici, Dürer suggère l'élan vigoureux des cavaliers à travers les vêtements des cavaliers soufflés par le vent, les nuages ​​balayés par le vent et les personnages piétinés sous les sabots des chevaux qui s'approchent.

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Femme vue de dos (années 1860)
Photographie du Vicomte Onesipe Aguado de las Marismas (Français, 1830-1893)

Le portrait, Femme vue de dos , tirage sur papier salé à partir d'un négatif sur verre, suggère l'esprit et l'espièglerie de son photographe. L'image est dépourvue de profondeur, peut-être une extension du travail des artistes sur le raccourci, faisant apparaître le modèle en deux dimensions et simplement une silhouette.

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Squelettes , également connus sous le nom d' Allégorie de la mort et de la renommée (1518)
par Agostino Veneziano (Italien, 1490-1540)

Bien que les érudits aient tenté pendant des siècles de comprendre la signification allégorique de cette estampe, l’artiste et auteur du XVIe siècle Giorgio Vasari l’a décrite simplement comme « une anatomie de nus desséchés et d’os de morts ». Une figure centrale de la Mort ailée se dresse au-dessus d'un squelette enterré, entouré d'une variété de figures humaines squelettiques et vivantes qui semblent débattre du sort de l'âme. À l’extrême gauche se trouve un homme « marasmique », une sorte de corps séché au soleil utilisé par les anatomistes pour étudier les muscles sans enlever la peau. Rosso Fiorentino, qui a conçu la composition de cette estampe devant être gravée par Agostino Veneziano, était un contemporain florentin de Michel-Ange qui projetait un livre sur l'anatomie qui ne fut jamais publié.

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Vol de fantaisie... En route pour le Sabbot (1927)
de William Mortensen (États-Unis, 1897-1965)

Lors de l’appel des pionniers de la photographie moderne, un seul nom n’est jamais évoqué. De la fin des années 1920 aux années 1950, William Mortensen était l’un des photographes les plus célèbres et les plus célébrés d’Amérique. Cependant, son sujet – qui virait vers le sauvage, l'inconvenant, le gothique et le grotesque – ainsi que son utilisation du montage et de l'illustration, ont fait de lui un paria parmi la nouvelle garde puritaine de la photographie, dirigée par Ansel Adams , qui a tenté de l'écrire. hors de l'histoire, et l'a même appelé "L'Antéchrist".

Les méthodes de Mortensen rendaient souvent difficile de distinguer si les résultats étaient des photographies ou non. Il a utilisé des techniques de gravure traditionnelles, telles que le bromoiling, et a développé plusieurs de ses propres techniques. Il créait des images composites, grattait, grattait et dessinait sur ses impressions, puis appliquait une texture qui les faisait ressembler à des gravures, masquant ainsi ses manipulations. Par conséquent, chaque tirage était unique. En fin de compte, le but de Mortensen était de créer quelque chose qui, à toutes fins utiles, ressemblait à une photographie, mais qui représentait des scènes si fantastiques qu'elles provoquaient l'émerveillement et l'étonnement du spectateur.

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La Dame de Shalott (1888)
Peinture de John William Waterhouse (anglais, 1849-1917)

La Dame de Shalott est un poème d'Alfred Tennyson, écrit 50 ans avant que Waterhouse ne peint ce tableau. La Dame de Shalott est maudite et obligée de rester dans une tour. Elle n'a le droit de regarder le monde qu'à travers un reflet dans le miroir. Un jour, elle voit un chevalier, Sir Lancelot, et tombe amoureuse de lui. Elle ignore la malédiction et quitte la tour pour le retrouver, ce qui entraîne sa mort. L'histoire de Lady of Shalott peut être lue comme un avertissement concernant le désir féminin. La société victorienne avait des règles et des attentes strictes à l'égard des femmes qui définissaient un comportement « acceptable ».

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Lilith (1889)
par John Collier (Angleterre, 1850-1934)

L'apparente douceur de cette œuvre de John Collier, peintre préraphaélite, est un merveilleux témoignage des deux faces de la figure de Lilith. Jonglant entre les images de sensualité, de beauté et celle d'une meurtrière froide, Collier est l'une des artistes qui ont transformé son image. De la déesse assyrio-babylonienne, connue plus tard comme la première femme de la mythologie juive, Lilith se transforme peu à peu en une icône puissante.

Les couleurs contrastées du tableau, et sa palette chaleureuse, rehaussent encore davantage l’atmosphère qui se dégage de l’œuvre. Cette utilisation des couleurs, chez Lilith comme dans les autres portraits de Collier, lui vaut une certaine reconnaissance de la part de ses contemporains. Considérée comme solennelle, son œuvre offre pourtant une maîtrise évidente des tons et de la lumière.

Finalement, la figure de Lilith évolue progressivement de la dangereuse démone dépeinte par les écrits religieux à un symbole de sensualité, mais aussi de féminisme. Par son aspect d'égale à Adam, dont elle ne dépend pas, la succube devient une icône féministe, en parfaite opposition avec la figure d'Eve. De nombreuses figures féminines historiques et mythologiques puissantes, parfois redoutées, sont associées aux serpents. Il s'agit notamment de Cléopâtre et de Méduse, dont l'association avec les serpents les rend désirées, sensuelles ou monstrueuses.

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Sabbat des sorcières [El Aquelarre] (1798)
Peinture de Francisco Goya (Espagnol, 1746-1828)

Witches' Sabbath montre le Diable sous la forme d'une chèvre ornée de guirlandes, entourée d'un groupe de sorcières défigurées, jeunes et vieillissantes, dans un paysage aride éclairé par la lune. La chèvre possède de grandes cornes et est couronnée d'une couronne de feuilles de chêne. Sur la droite, on peut voir une vieille vieille tenant dans ses mains un bébé extrêmement affamé, mais apparemment toujours vivant, tandis qu'une jeune sorcière à sa droite fait de même avec un enfant d'apparence plus saine, ce qui implique qu'ils suivront le même sort. Le Diable semble agir comme une sorte de prêtre lors d'une cérémonie d'initiation pour les enfants, même si la superstition populaire de l'époque croyait que le Diable se nourrissait souvent d'enfants et de fœtus humains. Le cadavre d'un enfant peut être vu jeté à gauche, tandis que les jambes d'un autre peuvent être vues maintenues avec force au sol par une sorcière vraisemblablement plus jeune au centre du premier plan. D'autres sorcières, jeunes et vieilles, peuvent être vues à l'arrière-plan, ainsi que trois enfants morts, apparemment menottés, suspendus au cou sur un pieu à gauche au loin.

Typique de l’imagerie de la sorcellerie, de nombreux symboles utilisés sont inversés. La chèvre étend son sabot gauche plutôt que droit vers l'enfant, tandis que le quartier de lune fait face à la toile dans le coin supérieur gauche. Au milieu des hauteurs, on peut voir un certain nombre de chauves-souris voler au-dessus de nous, leur mouvement de troupeau faisant écho à la courbe du croissant de lune.

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Les quatre sorcières (1497)
Gravure d'Albrecht Dürer (allemand, 1471-1528)

Datant du début de la carrière d'Albrecht Dürer, cette gravure ne peut être liée à un récit spécifique mais peut faire allusion à la déesse grecque des enfers, Hécate. Quatre femmes nues se rassemblent sous un orbe avec un crâne à leurs pieds, tandis qu'une goule émerge à leur gauche. Trois des femmes pourraient représenter Hécate, qui était souvent représentée avec trois visages ou corps ; la quatrième pourrait être Diana, l'homologue d'Hécate sur Terre. La nudité et les allusions à la magie noire suggèrent la malice et le royaume des sorcières. Les estampes offrent un nouveau support pour explorer des sujets jugés inappropriés dans d’autres médias, comme la peinture.

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La famille satyre (1505)
Gravure d'Albrecht Dürer (allemand, 1471-1528)

L'intérêt de Dürer pour l'imagerie mythologique découle de sa familiarité avec la Renaissance italienne. Dans cette gravure ambiguë, Dürer a représenté un satyre - une créature hybride des bois généralement associée à la luxure - dans le rôle de père et de père de famille. Au lieu de faire la fête dans la forêt, il joue de la musique à son nouveau-né. La pièce de théâtre de Dürer sur le thème de la mère et de l'enfant et le comportement paternel non conventionnel du satyre attirent l'attention sur un mode de vie primal et simplifié. En revanche, le groupe repose dans une forêt dense et inhospitalière où les cimes des arbres sont brisées et les branches sont mortes, ce qui implique que l'approche instinctive détendue des personnages envers la procréation et la sexualité reste en dehors des limites de la vertu chrétienne.

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Planche XV de Papillons britanniques, figures et descriptions de chaque espèce indigène
de William Stephen Coleman (1897)

Cette belle illustration du rare livre victorien British Butterflies représente six espèces de papillons communes originaires d'Angleterre : Scarce Swallow-tail, Apollo, Arran Brown, Weaver's Fritillary, Purple-edged Copper et Tailed-Blue. William Stephen Coleman (1829-1904) était un peintre et illustrateur anglais.

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Hylas et les nymphes (1896)
par John William Waterhouse (Angleterre, 1849-1917)

La peinture représente un moment de la légende grecque et romaine du jeune Hylas tragique, basée sur les récits d'Ovide et d'autres écrivains anciens, dans lesquels Hylas ravi est enlevé par des Naïades (nymphes des eaux) alors qu'il cherchait de l'eau potable.

Hylas, un jeune homme en costume classique, vêtu d'une tunique bleue avec une ceinture rouge et portant une cruche d'eau à large col. Il se penche au bord d'un étang dans une clairière au feuillage vert luxuriant, tendant la main vers sept jeunes femmes, les nymphes des eaux, qui émergent de l'étang parmi les feuilles et les fleurs des Nymphaeaceae (nénuphars), y compris une première représentation du nénuphar jaune, Nuphar lutea. Les nymphes sont nues, leur peau d'albâtre lumineuse dans l'eau sombre mais claire, avec des fleurs jaunes et blanches dans leurs cheveux auburn. Ils ont des caractéristiques physiques très similaires, peut-être basées sur seulement deux modèles.

Hylas est incité à entrer dans l'eau, d'où il ne reviendra pas. Une des nymphes lui tient le poignet et le coude, une seconde lui pince sa tunique et une troisième lui tend des perles dans le creux de sa main. Le visage d'Hylas de profil est ombragé et à peine visible, mais les visages des nymphes sont clairement visibles lorsqu'elles le regardent. La scène est représentée depuis une position légèrement surélevée, regardant l'eau comme Hylas, donc aucun ciel n'est visible. La position d'Hylas force le spectateur à se concentrer sur les nymphes dans l'eau et l'absence de référence à sa relation avec Hercule souligne que le récit du tableau ne porte pas sur les expériences d'Hylas, mais sur la nature sinistre des nymphes.

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Śmierc (1902)
par Jacek Malczewski

Jacek Malczewski est l'un des peintres symbolistes polonais les plus importants. Malczewski est associé au mouvement de la Jeune Pologne (Młoda Polska), une période moderniste de la culture polonaise après plus d'un siècle de partitions de la Pologne. Le martyre polonais, les idées romantiques d'indépendance, le folklore local et la mort étaient donc des motifs récurrents dans l'œuvre de Malczewski.

Ce message d’espoir a certainement des connotations religieuses. Regardez ce vieil homme : il semble prêt à mourir, la tête tournée vers la mort et le cou tendu. Ses mains serrées en prière, ses doigts tripotant un petit médaillon avec la Vierge Marie, quelque chose que de nombreux catholiques polonais portent encore aujourd'hui.
La mort ressemble presque à une déesse grecque. Difficile cependant de comprendre l'expression de son visage : a-t-elle pitié de ce vieil homme ? Ou est-elle simplement concentrée sur son travail ?

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Kaloma (1914)
Photographie de Pastime Novelty Co. de New York

Une photographie américaine emblématique, autrefois censée être celle de Joséphine Sarah "Sadie" Marcus Earp, épouse de Wyatt Earp. Il est associé à Wyatt Earp, principalement parce qu'il est apparu sur la couverture d'un livre intitulé I Married Wyatt Earp.

Cependant, il est peu probable que ce soit elle. Selon l'évaluateur d'antiquités C. Wesley Cowan, la Pastime Novelty Company de New York s'est spécialisée dans les images suggestives et a embauché des modèles au fur et à mesure qu'ils pouvaient les trouver. Sadie aurait-elle pu en faire partie ? Pas probable. Elle est née en 1861. Cette photo a été prise en 1914, elle aurait donc eu 53 ans.

Dans les années 1960, Kaloma a été relancé comme une image risquée et nostalgique, apparaissant dans de nombreuses publications hippies et affiches de concerts.

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Le Vol des Sorcières (Vuelo de Brujas) (1798)
Peinture de Francisco Goya (Espagne, 1746-1828)

Au centre se trouvent trois sorcières à moitié nues portant une coroza pénitentielle portant en l'air une silhouette nue se tordant, la bouche proche de leur victime, comme pour la dévorer ou sucer son sang. En bas, deux personnages en costume de paysan reculent devant le spectacle : l'un s'est jeté à terre en se bouchant les oreilles, l'autre tente de s'enfuir en se couvrant d'une couverture en faisant le geste de la main de figue pour conjurer le mauvais œil. Enfin, un âne émerge sur la droite, apparemment inconscient du reste de la scène.

Le consensus général des chercheurs est que le tableau représente une critique rationaliste de la superstition et de l'ignorance, en particulier en matière religieuse : les corozas des sorcières ne sont pas seulement emblématiques de la violence de l'Inquisition espagnole (les flammes vers le haut indiquent qu'elles ont été condamnées comme hérétiques impénitentes). et seront brûlés vifs), mais rappellent aussi les mitres épiscopales, portant les doubles pointes caractéristiques. Les accusations des tribunaux religieux se reflètent ainsi sur eux-mêmes, dont les actions sont implicitement assimilées à de la superstition et à des sacrifices ritualisés. Les spectateurs peuvent alors être compris soit comme étant consternés mais incapables de faire quoi que ce soit, soit comme volontairement ignorants et peu disposés à intervenir.

L'âne, enfin, est le symbole traditionnel de l'ignorance.

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Portrait de Maud Wagner (1907)

Maud Stevens Wagner (née Stevens; 12 février 1877 - 30 janvier 1961) était une artiste de cirque américaine. Elle a été la première tatoueuse connue aux États-Unis. Wagner était un acrobate et un contorsionniste, travaillant dans de nombreux cirques ambulants. Elle a rencontré Gus Wagner, un tatoueur qui se décrivait comme « l'homme le plus artistiquement marqué d'Amérique » alors qu'il voyageait avec des cirques et des spectacles, à la Louisiana Purchase Exposition (Exposition universelle) en 1904, où elle travaillait comme voltigeuse. Elle a échangé un rendez-vous romantique avec lui contre une leçon de tatouage, et plusieurs années plus tard, ils se sont mariés.

Après avoir quitté le cirque, Maud et Gus Wagner ont voyagé à travers les États-Unis, travaillant à la fois comme tatoueurs et comme « attractions tatouées » dans des maisons de vaudeville, des foires de comté et des salles de jeux. On leur attribue le mérite d'avoir introduit l'art du tatouage à l'intérieur des terres, loin des villes côtières et des villages où la pratique avait commencé.

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"The Castle Rising Sisters" (alias "Welsh Witches' Tea Party")
Photographie de Unknown (Angleterre)

Cette photographie est communément intitulée « Tea Party des sorcières galloises », mais les sujets ne sont pas des sorcières, ni des Gallois. Ils posent au Trinity Hospital, Castle Rising à Northampton, en Angleterre. Trinity Hospital, Castle Rising était un hospice caritatif, un lieu de résidence pour les femmes pauvres célibataires (ou veuves) de plus de 56 ans.

Les exigences initiales (vers 1600) étaient les suivantes : « Ils doivent être d'une vie et d'une conversation honnêtes, religieux, sérieux et discrets, capables de lire, s'il en existe une, une femme célibataire, sa place d'être nulle au mariage, d'être de 56 ans au moins, pas de mendiant ordinaire, de prostituée, de grondeuse, d'ivrogne, de hanteur de tavernes, d'auberges et de brasseries.

Les résidents de l'hôpital Trinity ont été invités à se rendre à la prière trois fois par jour pour réciter le Notre Père, le Credo et une prière ordonnée par le Fondateur pour lui-même et sa noble famille.

Avance rapide jusqu’à nos jours et les critères de cette association caritative ne sont pas aussi stricts. La seule condition d'éligibilité concerne les femmes célibataires des paroisses de Castle Rising, North Wootton et Roydon qui se trouvent dans une situation financière réduite. Il n'y a pas non plus de code vestimentaire de nos jours, mais les habitants sont très fiers de s'habiller avec « l'uniforme » (comme sur la photo) fourni par Henry Howard, comte de Northampton pour des occasions spéciales telles que la Journée des Fondateurs.

Affiche mate

Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments sur du papier mat d'archives. Expédié dans un tube d'affiche robuste. Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

• Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments
• Sur papier mat d'archives
• Expédié dans un tube à affiche robuste
• Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

"La Vie De L'Abeille"

Cette belle affiche éducative française antique représente le cycle de vie de l'abeille.

Affiche mate

Imprimé avec de l'encre réactive aux colorants/pigments sur du papier mat d'archives. Expédié dans un tube d'affiche robuste. Poids lourd (230 g/m²), base épaisse (9,5 mil) et revêtement à séchage instantané qui résiste aux traces de doigts et aux taches.

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Trochilidae [Colibris] (1904)
planche 99 de Kunstformen der Natur d'Ernst Haeckel

Ernst Haeckel (1934-1919) était un zoologiste et naturaliste allemand qui a décrit et nommé des milliers de nouvelles espèces et créé de nombreux termes utilisés aujourd'hui en biologie. Son travail de plus d'une centaine d'illustrations d'animaux et de créatures marines, Kunstformen der Natur (« Formes d'art dans la nature »), allait influencer le mouvement artistique Art Nouveau.

Cette assiette Trochilidae représente de nombreuses espèces de colibris, notamment le colibri à gorge rubis, le sungem cornu, la topaze cramoisie, la comète à queue rouge, la coquette touffue, le colibri à bec d'épée, la faucille à queue chamois, la coquette à oreilles pointées, la violette à ventre blanc, Le porteur de visière à capuchon, Juan Fernandez Firecrown et la queue de raquette bottée.

Affiche mate

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Grenouille (1814)
par Matsumoto Hoji (Japon, actif 1770-1815)

Cette estampe simple mais amusante de l'artiste japonais Hoji est une estampe sur bois de "Meika Gafu", 1814, et montre la grenouille au visage triste à l'encre noire sous une calligraphie rouge. Les crapauds et les grenouilles étaient des motifs courants dans les « Zenga » ou « images zen » pendant la période japonaise d'Edo, car les moines zen les considéraient comme des créatures libres de la distraction du monde banal et représentant une vie pure et naturelle.

Affiche mate

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Chauve-Souris D'Egypte [Chauves-souris d'Egypte] (1809)
par Geoffrey St. Hilaire (Français, 1772-1844)

La campagne française en Égypte et en Syrie était l'invasion des territoires ottomans par Napoléon Bonaparte au nom de la protection des intérêts commerciaux français. Un aspect inhabituel de l’expédition était la participation de nombreux scientifiques et érudits.

Cette estampe est la première planche des volumes Histoire Naturelle des livres contenant les divers animaux, plantes et roches que les érudits français ont découverts au cours de la campagne d'Égypte. Cette assiette représente trois espèces de chauves-souris : la chauve-souris tombale à ventre nu, la chauve-souris à visage creux et la chauve-souris pipistrelle commune.

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"La reine vampire" [Marie Schleinzer en costume de chauve-souris] (1896)
Photographie de l'Atelier Adele Studio (Autriche, 1862-1905)

L'actrice autrichienne Marie Schleinzer en costume pour le ballet « Autour de Vienne » (« Rund um Wien »). Schleinzer y joue la force allégorique du mal. Ceci fait partie d'une série de photographies publiées dans la revue photographique autrichienne Photographische Correspondenz.

Le studio de photographie appartenait à Adele Perlmutter-Heilperin et à ses deux frères, Max et William Perlmutter, qui fondèrent l'Atelier Adele en 1862. Adele fut la première et la seule femme "kuk Hofphotograph" de la monarchie austro-hongroise à Vienne et était célèbre pour sa capacité à photographier les femmes.

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Nature morte avec un crâne et une plume d'écriture (1628)
par Pieter Claesz (Belgique, 1597-1661)

Dans cette nature morte, l'observation attentive et les détails réalistes opèrent en tension avec un symbolisme explicite. Le verre renversé, le crâne aux dents écartées et la mèche d'une lampe à huile sont tous des symboles frappants de la brièveté de la vie. Travaillant avec une palette limitée de gris et de bruns, Claesz décrit soigneusement les surfaces de ces objets troublants. En les disposant sur un rebord en pierre dénoyautée, l'artiste relie l'espace de l'image au nôtre, rendant le message d'autant plus convaincant.

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Le cauchemar (1781)
par Henry Fuseli (Suisse, 1741-1825)

Le Cauchemar est une peinture à l'huile de 1781 de l'artiste suisse Henry Fuseli. Il montre une femme endormie profondément, les bras jetés sous elle et un incube démoniaque et simiesque accroupi sur sa poitrine.

L'évocation érotique onirique et obsédante de l'engouement et de l'obsession du tableau a connu un énorme succès populaire.

Pour les téléspectateurs contemporains, The Nightmare évoquait la relation de l'incube et du cheval (jument) aux cauchemars. L'œuvre a probablement été inspirée par les rêves éveillés de Füssli et de ses contemporains, qui ont découvert que ces expériences étaient liées à des croyances folkloriques telles que les contes germaniques sur les démons et les sorcières qui possédaient les gens qui dormaient seuls. Dans ces histoires, les hommes recevaient la visite de chevaux ou de sorcières, ce qui donnait naissance aux termes « montage de sorcière » et « montage de jument », et on croyait que les femmes avaient des relations sexuelles avec le diable. L’étymologie du mot « cauchemar » ne concerne cependant pas les chevaux. Le mot est plutôt dérivé de mara, un terme mythologique scandinave désignant un esprit envoyé pour tourmenter ou étouffer les dormeurs. Au début, le sens du mot « cauchemar » incluait l'expérience du dormeur du poids sur la poitrine combiné à une paralysie du sommeil, une dyspnée ou un sentiment de terreur. La peinture incorpore une variété d'images associées à ces idées, représentant une tête de jument et un démon accroupi au sommet de la femme.

Füssli a peut-être ajouté le cheval après coup, car un croquis préliminaire à la craie ne l'incluait pas. Sa présence dans le tableau a été considérée comme un jeu de mots visuel sur le mot « cauchemar » et une référence consciente au folklore : le cheval déstabilise la vanité du tableau et contribue à son ton gothique.

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